“Nadie como él ha sido tan consciente de las posibilidades visuales del cine, de su poder hipnótico y de las posibilidades de manipulación del público que ofrecía. Tenido durante décadas por un técnico superdotado, por un simple mago del suspenso, un hábil fabricante de sensaciones fuertes, poco a poco se fue descubriendo que Hitchcock fue el más consumado estilista, el mayor creador de formas, de puro cine, de su tiempo, que es como decir de todos los tiempos, pues su obra abarca el mudo y el sonoro y hasta la televisión, Europa y Hollywood.(…) Hitchcock demostró que incumpliendo todas las reglas clásicas uno podía fabricar no sólo obras maestras sino además éxitos de taquilla, como cuando en Psicosis hace morir a la protagonista a mitad de la película.
Hitchcock era un complicado ser humano, lleno de frustraciones, complejos e inseguridades. Sus películas están por ello llenas de sueños, pesadillas, amenazas y culpabilidades. Sus obsesiones están siempre presentes. Es un cine de la paranoia, lleno de sadismo y de contenidos subliminales. Hitchcock es un gran pornógrafo latente y, junto con Buñuel, el gran surrealista y el gran humorista del cine.”
(Fernando Trueba. Cineasta español, director de, entre otras: “Belle Epoque”, “La niña de tus ojos” y “Chico y Rita”).

SOBRE ESTE CURSO
Tal vez Hitchcock sea el director más apropiado para aprender cómo mirar una película. Su creencia en el “cine puro”, lo que significa una utilización plenamente consciente y eficaz de todas las herramientas de las que el cine dispone para contar una historia, lo hace uno de los realizadores más conocidos por públicos de todas las épocas y geografías y uno de los más estudiados y citados, por críticos y cineastas (Robin Wood, Claude Chabrol, Eric Rohmer, François Truffaut, Martin Scorsese, Gus Van Sant, Brian de Palma, entre muchísimos otros)
En este curso tomamos para su análisis ocho películas de su etapa americana, seguramente la más interesante, por sus arriesgados desafíos técnicos y temáticos, cuyos logros convierten a muchas de sus películas en las más apreciadas obras maestras de la historia.

DINÁMICA DE TRABAJO

Duración
4 clases de dos horas, frecuencia semanal

Lugar
Espacio Dale cine, Echeverría y Cabildo, Belgrano. El lugar cuenta con aire acondicionado.

Fecha de inicio
Martes 7 de febrero de 20 a 22

Se sugiere ver antes de cada clase las películas seleccionadas.

Informes e inscripción:

dalecine@gmail.com / 154 178 2080

PROGRAMA DEL CURSO

MARTES 7
HITCHCOCK Y EL FILM NOIR
En esta clase analizaremos dos películas de Hitchcock atravesadas por los elementos del Cine Negro*.
* El término de film noir, del francés “cine negro”, fue acuñado por primera vez por el crítico Nino Frank (italiano de padres suizos que realizó su carrera profesional en Francia) y es usado por la crítica cinematográfica para describir un género de definición bastante imprecisa, cuya diferenciación de otros géneros como el cine de gángsters o el cine social es sólo parcial. Habitualmente, las películas caracterizadas como de cine negro giran en torno a hechos delictivos y criminales con un fuerte contenido expresivo y una característica estilización visual. Su construcción formal está cerca del expresionismo. Se emplea un lenguaje elíptico y metafórico donde se describe la escena caracterizada por una iluminación tenebrosa en claroscuro, escenas nocturnas con humedad en el ambiente y se juega con el uso de sombras para exaltar la psicología de los personajes (influencia expresionista).

La sombra de una duda (Shadow of a doubt, 1943)
Obra maestra de Hitch, en la que se explora el lado oscuro del ciudadano medio dentro de una familia típicamente americana.
A casa de sus familiares en el tranquilo pueblo de Santa Rosa llega un día el “encantador” tío Charlie (Joseph Cotten), un seductor criminal al que la justicia va pisando los talones. Sin embargo, su sobrina, “la pequeña Charlie”, que se llama como él y no sabe nada de sus actividades, no tardará en sospechar que su tío es el misterioso asesino de las viudas…

Extraños en un tren / Pacto siniestro (Strangers on a train, 1951)
Luego de mantener una charla casual en un vagón de tren con otro hombre, la vida de Guy ya no volverá a ser la misma. El crimen que su mente había idealizado se convierte en realidad, y lo peor es que todo indica que el culpable es él. El tema del doble se hace presente en un film en donde el villano, como en casi toda la filmografía de Hitchcock, se roba la película.

MARTES 14
LOS DESAFÍOS TÉCNICOS DE HITCHCOCK
Hitchcock se impuso en muchas de sus películas, desafíos técnicos que aplicaba en las puestas en escena de esos filmes. The rope, fue filmada con la sensación de ser hecha en un solo plano y Rear Window, con la cámara casi exclusivamente situada en un único punto de vista.

La soga / Festín diabólico (The rope, 1848)
La frase de Hitchcock “los mejores crímenes son domésticos”,se confirma en esta historia en donde un cadáver permanece en escena casi los 90 minutos de película. Un tour de force cinematográfico, filmado como si hubiese sido hecho en una sola toma.

La ventana indiscreta (Rear Windows, 1954)
El vouyeurismo en estado puro. James Stewart, obligado a quedarse en su departamento por un accidente de trabajo, no puede dejar de espiar la vida de sus vecinos, lo cual lo llevará a creer que uno de ellos mató a su esposa. Obra maestra.

MARTES 21
EL AMOR SEGÚN HITCHCOCK
Muchos filmes de Hitchcock son historias de amor y obsesión, revestidas de trhillers. Los dos títulos elegidos para esta clase se encuadran en esta categoría.

Tuyo es mi corazón / Encadenados (Notorius, 1946)
Ingrid Bergman y Cary Grant se sacan chispas en una película en donde el espionaje funciona como excusa para contar una gran historia de amor. La favorita, entre todas las de Hitchcock, de François Truffaut.

Vértigo (1958)
Oscuro y sombrío, este es uno de los films más personales del director inglés. Otra vez con James Stewart, aquí enamorado locamente de Madeleine, una mujer misteriosa y fantasmagórica. Su obsesión llegará a límites insospechados.

MARTES 28
HITCHCOCK ATERRORIZA A LAS MASAS

Las dos películas de Hitchcock que más terror infundieron en los espectadores, fueron sin dudas Psycho y The Birds, elegidas para cerrar este curso sobre el maestro inglés.

Psicosis (Psycho, 1960)
Norman Bates, el desquiciado psicópata interpretado de manera sobresaliente por Anthony Perkins, vive en un aislado motel en compañía de su madre, o de lo que queda de ella. Allí llegará la incauta Marion Crane (Janet Leigh) a tomar el último baño de su vida.
Psicosis es considerada una de las obras cumbres del género.

Los pájaros (The birds, 1963)
Apocalíptica, devastadora, esta obra de Hitchcock estremece aún hoy. Los pájaros del título atacan un poblado americano, horrorizando a sus moradores, que no encuentran una explicación racional al hecho.Tippi Hedren, como Melanie, sufre estoicamente los embates de las bestias aladas. El film más abstracto y por ello, más aterrador del maestro.

“Su cuarto de baño es una sala de montaje, su dormitorio una sala de proyección. Los magnetoscopios no descansan durante las 24 horas, la música no se interrumpe jamás, la noche se confunde con el día y viceversa”. Estas palabras del realizador Michael Powell, mentor, consejero y amigo de Martin Scorsese, sirven para introducirnos en el particular universo de uno de los directores más personales del actual cine americano.

Cinéfilo empedernido, trabajador incansable del cine, no para de generar proyectos (películas de ficción, documentales, producciones de otros realizadores). De los cineastas americanos surgidos en las últimas décadas, Martín Scorsese es, con diferencia, uno de los más lúcidos e interesantes. Tras una primera etapa en el cine independiente, cada película suya se ha transformado en un acontecimiento, tanto por la polémica que arrastraba (Taxi Driver ó La última tentación de Cristo) como por su trabajo en común con Robert de Niro o, simplemente, por su maestría (Toro Salvaje o Buenos muchachos).

Dale Cine te invita a analizar y disfrutar la obra de un artista dividido entre su respeto por el gran cine Hollywoodense (el de los estudios) y sus ambiciones de autor nutridas por el cine europeo. Martin Scorsese supo mantener el equilibrio convirtiéndose en el más clásico y el más moderno de los cineastas de su generación.

Dinámica de trabajo:

Ilustración con proyección de fragmentos de películas en pantalla grande.

Duración:

-4 clases de dos horas, frecuencia semanal

Costo:

-Por el módulo completo (se abona en la primera clase): 180 pesos.

-Costo por clases separadas: 60 pesos cada una.

Lugar:

 Barrancas de Belgrano (la dirección exacta se le dará solo a aquellas personas inscriptas).

Fecha de inicio:

-Miércoles 9 de marzo, 20 a 22 horas.

Se sugiere ver antes de cada clase las películas seleccionadas. A la persona que lo desee, se le entregarán las mismas (a un costo de 5 pesos cada una).

Informes e inscripción:

dalecine@gmail.com

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Películas de Scorsese que analizaremos en el curso:

Clase 1 

-CALLES SALVAJES (MEAN STREETS, 1973)

Todos los directores tienen en su filmografía alguna obra que consideran más personal, ya sea porque han elaborado ellos mismos el guión y lo han basado en vivencias personales, o porque sencillamente la historia conecta con sus recuerdos o su manera de ser. Para Martin Scorsese, Calles Salvajes coincide con el primer caso. Scorsese creció en el Lower East Side de Manhattan, en una zona conocida como Little Italy, llamada así por la cantidad de italoamericanos (hijos de emigrantes italianos) que poblaban sus calles. Estos años de juventud marcaron una gran parte de su obra, desde los primeros cortos hasta algunos de sus largometrajes, como Buenos Muchachos, Taxi Driver o la presente Calles Salvajes.

El título se refiere a una frase de Raymond Chandler «Un hombre tiene que dar la cara en esas calles salvajes», y la historia se centra en varios jóvenes de Little Italy que tratan de abrirse camino en el difícil mundo en el que viven. Charlie (Harvey Keitel) es un joven que aspira a obtener el reconocimiento y los favores de su tío, un mafioso del barrio que le legará el mando de un restaurante obtenido por el cobro de una deuda, pero que a cambio le exige que deje de tratarse con unas compañías nada recomendables, refiriéndose concretamente a su amigo Johny Boy (Robert de Niro), un marginal de poca monta, que debe dinero a diestro y siniestro. Johny Boy es perseguido por Michael (Richard Romanus), un joven que se dedica a contrabandear cualquier cosa y a prestar dinero para luego tratar de recuperarlo. Toni (David Proval) es el dueño de un bar de copas en el que se reúnen todos y por su parte también trata de evitar que el negocio se le llene de drogadictos o gente indeseable. Todos ellos, -a excepción de Johny Boy-, intentan llevar una vida lo más digna posible, aunque esto no quiera decir necesariamente honrada.

-TAXI DRIVER (IDEM, 1976)

El origen de Taxi Driver hay que buscarlo en la particular depresión que sufría, por aquel entonces, el desconocido guionista y realizador Paul Schrader, tras ser abandonado por su mujer y verse obligado a quedarse sin casa. El camino que recorrió Schrader entre pornografía, alcohol y un anormal gusto por las armas quedó todo plasmado en el guión original de Taxi driver, del que escribió dos versiones en diez días. 

Fue el mismo Schrader quien quiso a Martin Scorsese tras la cámara, el genial realizador italoamericano, conocido por aquel entonces por haber obtenido recientemente un gran éxito comercial con Alicia ya no vive aquí (Alice Doesn’t Live Here Anymore, 1974) y haber realizado un excelente film sobre los aprendices de gángsters de “Hell’s kitchen” en Calles salvajes (Mean Streets, 1973).

Así, tras la intervención de Brian DePalma, que fue el encargado de poner a ambos en contacto, Scorsese aceptó fascinado por el guión de Schrader y se puso en contacto con Robert De Niro, con quien ya había trabajado. De Niro, del que se dice siempre que es un fiel actor del método en un descanso de su rodaje en Italia (Novecento a las órdenes de Bertolucci) viajó a Nueva York, se sacó una licencia de taxista y estuvo ejerciendo la profesión durante unos días, para después regresar a Italia. Una vez integrado De Niro, que recientemente había ganado el Oscar por su magistral interpretación en El padrino II (The godfather. Part II, 1974. Francis Ford Coppola), el film obtuvo el visto bueno de Columbia Pictures y sus productores Michael y Julia Philips. Para la banda sonora Martin Scorsese luchó por tener a Bernard Herrman, autor de entre otras, Vértigo (Vertigo, 1958. Alfred Hitchcock) y Psicosis (Psycho, 1960. Alfred Hitchcock), frente al rechazo inicial del compositor, que al final acabó accediendo.

Taxi Driver narra la historia de Travis Bickle (De Niro), un ex-combatiente de Vietnam, claro antihéroe de los setenta norteamericanos, década triste y amarga, heredera del sueño roto del hippismo de los sesenta, mutilada por la guerra de Vietnam, invadida por las drogas y los dealers, todo ello anclado en una desesperación silenciosa con tendencia a estallidos de ira en forma de violencia.

De entre toda esta desesperación vivamente retratada por Scorsese, de calles llenas de vendedores de droga, chulos, putas y luces de neón con carteles cómo “Fascination”, renace la figura del alienado por la sociedad, ese hombre sólo, algo zopenco, incapaz de funcionar en un mundo aparentemente normal, donde él, aislado, alimenta su paranoia, bien circulando por las calles llevando a cualquier tipo de pasajero, bien escribiendo un diario siempre narrado en off, en el que escribe una y otra vez cómo “Llegará una lluvia que se llevará toda esta mierda“. Sólo, triste, rechazado… Travis pasa el tiempo libre que no está en el taxi bebiendo, yendo a Salas X y alimentándose con dietas desastrosas, que no hacen más que aislarle más de la sociedad en la que se halla.

Clase 2

-TORO SALVAJE (RAGING BULL, 1980)

Era una época difícil para Scorsese: “Fue en ese periodo cuando rodé New York, New York y El último Vals. Me divorcié por segunda vez y tuve mi segundo hijo. En aquella época solía pasar mucho tiempo con Robbie Robertson¹ y me drogaba mucho. Viví al límite y casi me destrocé por completo (…) No me interesaba Toro Salvaje. Prefería tomarme mi tiempo, divertirme. Ya no sabía qué tipo de película quería hacer (…) Llegué a un punto en que de cada siete días cuatro los pasaba en cama, enfermo, a causa de mi asma, de la coca, de las pastillas. ¡Cuatro de cada siete días!².

Ese paseo por el infierno fue la causa por la que Scorsese accedió a rodar Toro Salvaje y, más aún, la causa de que acabara convirtiendo una historia de boxeo que le era totalmente ajena en uno de sus proyectos más personales. En realidad, todo fue cuestión de supervivencia. Se trataba de hacerlo o morir, y hacerlo llevándolo a su terreno o no hacerlo. Scorsese sintió que debía convertir la historia de La Motta en su propia tabla de salvación. La Motta como reflejo de Scorsese. Tanto fue así que lo que le interesó al cineasta no fue la carrera boxística de La Motta, sino su peripecia vital, un recorrido autodestructivo que le llena de culpas. Culpas que purga a golpes en el ring, como Scorsese las purga a golpe de plano. El ring como sangriento purgatorio; el set de rodaje como vía de salvación.
“Toro salvaje es, para mí, una película Kamikaze: lo puse todo en ella, creyendo que sería mi última película”³. (Contrapicado.net)

1. Líder de The Band, grupo para el que Scorsese rodó The Last Waltz en 1978.
2. MARTIN SCORSESE. Mis placeres de cinéfilo. La memoria del cine 7. Paidós 2000. Pág. 30
3. MARTIN SCORSESE. Mis placeres de cinéfilo. La memoria del cine 7. Paidós 2000. Pág. 31 

-DESPUÉS DE HORA (AFTER HOURS, 1985)

En 1985, tras ver cómo el proyecto de “La Última Tentación de Cristo” no conseguía salir a flote, Martín Scorsese realizó una de sus películas más redondas, y menos reconocidas. Junto a Buenos Muchachos, la favorita de Scorsese de Dale Cine.

El actor Griffin Dunne y la productora Amy Robinson se encontraron con el guión escrito por Joseph Minion, decidiendo llevarlo a la pantalla como fuera. Se lo ofrecieron a Scorsese, que no había obtenido éxito con “El Rey de la Comedia”, pero declinó debido a su inmersión en el proyecto que preparaba sobre Jesús de Nazaret. Después contactaron con Tim Burton, el cual se mostró muy interesado, hasta que Scorsese, deprimido tras no conseguir llevar a cabo su visión de Cristo, volvió a interesarse y a tomar las riendas. Con el director al mando el rodaje se llevó a cabo sin ningún tipo de problema, y en un plazo corto acorde a su bajo presupuesto. El resultado es una cinta tragicómica que posee el sello de su director en cada fotograma. 

Clase 3

-LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO (THE LAST TEMPTATION OF CHRIST, 1988)

“A mí me ha fascinado siempre, desde niño, la figura de Jesús, que me parecía mágica y romántica. Y me ha fascinado particularmente su doble naturaleza humana y divina. La Iglesia ha acentuado a lo largo de los siglos el aspecto divino de Jesús y, poco a poco, hemos olvidado su naturaleza de hombre. Yo he querido considerar este último carácter y descubrir las contradicciones que su doble naturaleza le crean.» Martin Scorsese.

Scorsese es un creyente singular, de los que dudan constantemente. De los que necesitan de una deidad insegura, capaz de errar, caer y volver a levantarse, como les ocurre frecuentemente a los protagonistas de sus películas: «La belleza del libro consiste en que Jesús conoce todas las debilidades humanas antes de convertirse en Dios. Por eso podemos identificarnos con él», dijo más de una vez acerca de su película. 

Una mirada radical, humanista, controvertida y polémica, La Última Tentación… es sin dudas uno de los films más profundamente cristianos que se hayan filmado en la historia.

En esta clase hablaremos también de “El Evangelio según San Mateo”, de Pier P. Pasolini, película que comparte con la de Scorsese su mirada terrenal sobre la deidad cristiana.

Clase 4

-BUENOS MUCHACHOS (GOODFELLAS, 1990)

«Que yo recuerde, desde que tuve uso de razón, quise ser un gángster».

Así sin más, empieza esta trepidante película del cine negro y probablemente la mejor de la magnífica filmografía de Scorsese, con unos títulos de crédito iniciales que nos advierten del ritmo, y la intensidad de lo que el espectador está a punto de presenciar. Scorsese convirtió la historia de Nicholas Pileggi, en una película excepcional.

“Sí, es una vuelta al mundo de “Calles salvajes”, pero sin religión. Lo que quiero describir es la vida cotidiana de una familia de la Mafia durante los años sesenta y setenta. Los robos, las bodas, los crímenes, las salidas al Copacabana… Con todo detalle, la ropa que llevan, las mujeres de las que se rodean, los cadáveres que se entierran o desentierran. Aquellos tipos son verdaderos gangsters, como el tío de Charlie en Calles salvajes, no quieren ser otra cosa”. (M. Scorsese)

Lejos de ofrecernos una visión operística de la mafia cercana a los tres padrinos de Coppola, una saga entre melancólica y onírica emparentada al díptico de Sergio Leone “Érase una vez en América”, nos encontramos ante un documento en bruto, amoral y cínico en ocasiones, sin caer en la caricatura de “El honor de los Prizzi”, el film de John Huston de 1985, Scorsese nos entrega un material con mirada de antropólogo sobre un grupo con características propias, con clanes cerrados con sus propias reglas y códigos,  sin apenas vida exterior si no es para matar o extorsionar, dotados de una perfecta organización alrededor de la figura del patriarca. “Su manera de vivir era fascinante, sobre todo en relación a la idea del sueño americano. El crimen era una distorsión de ese sueño que permite conseguir cualquier cosa” (Nicolas Pileggi, autor del libro en que se basa la película). 

ESPACIO CULTURAL BAR ABIERTO 1 er PISO,
TE INVITA A SU CURSO:

 LAS CIUDADES DEL CINE

Las ciudades poseen su propia idiosincrasia e identidad por sí mismas, los cineastas, con su mirada, le otorgan un nuevo cuerpo, vistiéndolas con ropajes que le son propios. ¿Qué es sino aquella Roma recreada por Fellini a través de sus recuerdos en La Dolce Vita? ¿O la Nueva York de Woody Allen, teñida por su amor incondicional por Manhattan? Claro que no podemos dejar afuera aquellas urbes diseñadas directamente para la gran pantalla: Los Ángeles del 2019 en “Blade Runner” o la (¿inexistente?) Aquilea pergeñada por J. L. Borges y A. Bioy Casares para la película “Invasión”, de Hugo Santiago. A este doble cruce, habría que sumarle un tercero, quizás el más importante, ya que somos nosotros, los espectadores, los encargados de mediatizar entre nuestros conocimientos de la ciudad real y aquel que nos arroja el director, con su visión personal sobre esa misma ciudad.

El programa del curso incluye un recorrido por Berlín, Manhattan, París, Roma y la mismísima Buenos Aires, con películas como Manhattan (W. Allen), Pizza, birra, faso (A. Caetano y B. Stagnaro), Goodbye, Lenin (W. Becker), La ventana indiscreta (A. Hitchcock), Los 400 golpes (F. Truffaut) y Ladrón de bicicletas (V. de Sica), entre muchas otras. Además, hay un módulo referido a las road movies y otro que hemos dedicado a las “ciudades imposibles”. El primer grupo cuenta con films como Busco mi destino (D. Hopper), Alicia en las ciudades (W. Wenders) y  Thelma and Louise (R. Scott), mientras que el segundo aborda títulos como Alphaville (J.L. Godard), El gabinete del Dr. Caligari (R. Wiene) y Dogville (L. V. Trier).

Objetivos

Este curso se propone:

-Profundizar en el estudio de las ciudades cinematográficas, tratando de percibirlas a través de sus representaciones fílmicas.

-Analizar y reflexionar sobre los modos en que se construye la identidad de las ciudades propuestas, en contraste / analogía con sus referentes reales.

 -Establecer la manera en la que el cine, desde sus inicios, ha representado algunas de las ciudades más emblemáticas del planeta y descubrir en las películas modos de pensarlas.

Dinámica de los encuentros

Duración: 8 clases.
Comienzo: 18 de Agosto.
Encuentro semanal: Martes de 19.30 a 21.30 hs.
Material: Proyección de películas e imágenes pictóricas, apuntes didácticos de apoyo sobre los temas tratados. Glosario de términos.

Arancel: $ 140 mensuales. (Consultar si se desea abonar por clases separadas).

Coordinan

Sergio Zadunaisky. Egresado de la Escuela de Cine de Avellaneda. Trabajó como guionista para televisión y como asistente de dirección en cine publicitario. Escribió crítica de cine en varias publicaciones, entre ellas la revista “Leer Cine”  y el sitio web Cineismo. Ha dictado cursos y charlas en el Centro Cultural Konex, Centro Cultural Borges, UBA, Univ. Maimónides, librería Eterna Cadencia, librería Espacio Prometeo, Venática Usina Creativa, entre otros. También da clases a grupos en domicilios particulares. En su blog, www.dalecine.blogargentina.com pueden leerse algunos de sus artículos y conocer las novedades de sus actividades.

Nicolás Aponte. Diseñador Audiovisual (FADU/UBA) y docente en la misma facultad, ha dado clases en la materia Diseño Audiovisual I y II y actualmente se desempeña en la materia Dibujo.

Realizador de diversos trabajos audiovisuales en video y fílmico, como así también trabaja en diversas áreas del quehacer audiovisual tanto en cine como publicidad.Miembro fundador del grupo Kane, es editor del sitio virtual www.grupokane.com.ar dedicado a la reflexión audiovisual. Con el mismo grupo ha participado en la programación y producción de diversos eventos culturales.

PROGRAMA

(Aclaración, las dos primeras películas de cada clase, son las sugeridas para ver antes de cada una de ellas).

Clase 01

PARIS

El espacio fílmico, la puesta en escena cinematográfica del espacio. Los comienzos: los hermanos Lumière. La ciudad patas arriba: la vanguardia francesa. El realismo poético de pre-guerra. El cinema verité: la cámara portátil. La nueva ola sale a la calle. La ficción y el documental: “Toda ficción es documental”. Los suburbios y la inmigración en la Francia contemporánea.

Films

Juegos de amor esquivo (2003) – Abdel Kechiche

Los 400 golpes (1959) – Francois Truffaut

Vistas hermanos Lumière (1895)

Cortos George Melies (1905)

Retorno a la razón (1923) – Man Ray

Entreacto (1924) – René Clair

L’Atalante (1934) – Jean Vigó

El muelle de las brumas (1938) – Marcel Carné

Crónica de un verano (1960) – Jean Rouch & Edgar Morin

Vivir su vida (1962) Jean-Luc Godard

Playtime (1967) – Jacques Tati

El odio (1995) – Mathiew Kassovitz

Paris, je t’aime (2006) – directores varios

Clase 02

ROMA

Bazin y la ventana abierta al mundo. El neorrealismo y la post-guerra. Cine de estudio vs cine realista. El realismo en el cine: una cuestión de fondo. El nacimiento del relato moderno: los años ‘60. El encanto de la burguesía. Roma según Fellini. El crisol de razas: la Roma contemporánea.

Films

Ladrón de bicicletas (1948) Vittorio de Sica

La dolce vita (1960) – Federico Fellini

Roma, ciudad abierta (1945) – Roberto Rossellini

Paisa (1946) – Roberto Rossellini

El eclipse (1962) – Michelangelo Antonioni

Roma (1972) – Federico Fellini

Caro diario (1994) – Nanni Moretti

Gente de Roma (2003) – Ettore Scola

Clase 03

BERLIN

La puesta de cámara como generadora de sentido. El expresionismo alemán. La ciudad en penumbras. Walter Rutmann y la sinfonía de una gran ciudad. Formalismo y documentalismo. La UFA. Wenders en la(s) ciudades. Las dos ciudades: el muro de Berlín.

Films

M, el vampiro (1931) – Fritz Lang

Goodbye Lenin! (2003) – Wolfgang Becker

Berlín, sinfonía de una gran ciudad (1927) – Walter Rutmann

La casa (1984) – Thomas Heise

Las alas del deseo (1987) – Wim Wenders

Clase 04

NUEVA YORK – 1º parte

Clase 05

NUEVA YORK 2º parte

Malas calles: los inadaptados de Scorsese, Lee, Ferrara, Hill, Jarmusch, Carpenter. Woody Allen y Manhattan. Wenders vs. Norteamérica: entre el amor y el odio. En busca el ‘espacio’ perdido: La ley de la calle de Coppola. La ciudad invadida: el cine catástrofe. El héroe globalizado hollywoodense. La mirada de los otros: los extranjeros filman Nueva Cork (de Murnau y Hitchcock a Wong Kar Wai)

Films

Taxi Driver (1976) – Martin Scorsese

Cloverfield (2008) – Matt Reeves

The Warrior (1979 – Walter Hill

Manhattan (1979) – Woody Allen

Relámpago sobre el agua (1980) – Wim Wenders

Escape de Nueva York (1981) – John Carpenter

La ley de la calle (1983) – Francis F. Coppola

Haz lo correcto (1989) – Spike Lee

Pecados capitales () – David Fincher

El sabor de la noche (2008) – Wong Kar Wai

BUENOS AIRES

El tango y la ciudad. La ciudad vs el campo: desencuentros. Ciudades de cartón: El cine de Estudios. La generación del ’60: Las cámaras despiertas. Metáforas del silencio: la ciudad en dictaduras. La generación del ’90: volver a la calle. Intentos fantásticos: La sonámbula. Un caso aparte: Wong Kar Wai en Bs. As.

Films

Mercado de Abasto (1955) – Lucas Demare

Pizza, birra, faso (1998) – A. Caetano & B. Stagnaro

Nobleza Gaucha (1915) – H. Cairo & E. Gunche

Tango! (1933) – Jose Luis Moglia Barth

Buenos Aires (1958) – David José Kohon

Invasión (1969) – Hugo Santiago

El exilio de Gardel (1985) – Pino Solanas

Rapado (1991) – Martin Rejtman

Happy Together (1997) – Wong Kar Wai

La sonámbula (1998) – Fernando Spiner

Medianeras (2004) – Gustavo Taretto

Clase 07

RECORRIDOS PERIFERICOS: los road movies.

La mirada itinerante. El recorrido como metáfora del relato. La posmodernidad y las road movies. La libertad del movimiento en Easy Reader- La búsqueda de una identidad de las imágenes en las road movies de Wim Wenders.

Films

La strada (1954) – Federico Fellini

Easy Rider (1969) – Dennis Hopper

Alicia en las ciudades (1974) – Wim Wenders

Corazon salvaje (1990) – David Lynch

Thelma & Louise (1991) – Ridley Scott

Tan de repente (2002) – Diego Lerman

DALE CINE PRESENTA

Ciclo de análisis de directores: Ingmar Bergman

Coordinado por Sergio Zadunaisky, especialista en cine

Desde el  06 de mayo durante cuatro miércoles a las 20.15 horas en Belgrano.

Al igual que otros maestros del séptimo arte, como F.W. Murnau, John Ford, Robert Bresson o Federico Fellini, el cine de Ingmar Bergman se fundamenta en un estilo demasiado personal e intenso, sin posibilidades de continuidad, sin discípulos conocidos. Nada en ella es lo suficientemente “accesible” como para verse reducida a una serie de gimmicks o fórmulas más o menos magistrales, capaces de ser reproducidas o retomadas por otros. Quizá por ello, numerosos e importantes cineastas han manifestado públicamente su admiración, su perplejidad o sus reparos hacia la obra del realizador sueco con inusual vehemencia:

“En un primer nivel están los directores que ofrecen al público un buen y sólido entretenimiento, año tras año. En un segundo nivel, están los artistas que hacen un cine más profundo, más personal, más original, más excitante… Y finalmente, por encima de todos ellos, está Ingmar Bergman, que es probablemente el mayor de los artistas del séptimo arte, a todos los niveles, desde la invención de la cámara cinematográfica”. (Woody Allen)

“Las películas de Ingmar Bergman se han adentrado en rincones de la mente y el alma humana donde yo jamás me atrevería a asomarme”. (David Cronenberg)

“No veo a Bergman como un director religioso. Creo que es un ateo convencido y que sus películas nos dicen que no hay nada más allá de esta vida. Pero eso no es problema para que haga un cine espiritual y humanista”. (Terence Davies)

Dinámica de trabajo:

Ilustración con proyección de fragmentos de películas en pantalla grande.

Duración: 4 clases de dos horas, frecuencia semanal

Costo: $ 150.-

Lugar: barrio de Belgrano

Fecha de inicio: Consultar enviando mje. a dalecine@gmail.com

Programa del curso:

Clase 1

“Noche de circo” (Gycklarnas afton, 1953)

Noche de circo, una de las obras más desesperadas y negras de Bergman, es una película fuertemente influenciada por el teatro de Strindberg.  La historia transcurre en un circo con unos personajes llenos de dudas y de temor, completamente distintos a los titiriteros festivos y esperanzados que pueblan las películas de Fellini.

Encuadres barrocos y una fotografía deliberadamente opresiva y llena de connotaciones expresionistas, que aparecerían con frecuencia en su cine inmediatamente posterior, y que ya se habían apuntado en su cine anterior, con esos espacios vacíos, donde evolucionaban los personajes y la utilización de los claroscuros.

“Cuando huye el día” (Smultronstället, 1956)

Cuando huye el día es uno de los pilares del cine de Bergman. Rodada en el mismo año que El séptimo sello, la película nos narra un día en la vida de un hombre, el profesor Isak Borg (Victor Sjöström). Este día concluirá con la entrega por parte de los académicos universitarios de la distinción de Doctor Jubile a Isak después de 50 años de ejercer su profesión de médico con éxito. Durante ese día que transcurre mientras viaja en coche con su nuera (Ingrid Thulin) le sucederán una serie de sueños en los que recordará sus años jóvenes, además se pondrá sobre la mesa la relación dificultosa con su hijo y con su nuera, de la que termina teniendo un concepto bien distinto una vez que termina la película.

Clase 2

El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957)

Considerada por muchos la obra maestra de Bergman, EL SEPTIMO SELLO es, sin dudas, su film más popular y conocido. Utilizando la figura de un caballero que regresa de las Cruzadas y encuentra su tierra arrasada por la peste el autor logra plasmar una profunda reflexión acerca de la fe y valiéndose de una puesta en escena magistral, abrigada por una atmósfera de singular significado, opresiva y esperanzada a la vez consigue ubicar al espectador ante la necesidad de tomar partido. La presencia “física” de la muerte, con la que el caballero juega una partida de ajedrez que pauta los destinos de los personajes, constituye un aporte incomparable a la expresión cinematográfica, arquetípica como la escena de las escalinatas en POTEMKIN

“Los comulgantes” (Nattvardsgästerna, 1962)

Un pastor protestante realiza su trabajo litúrgico con la iglesia casi vacía. Está enfermo y solitario, y el amor de la maestra Marta se ha vuelto para él una carga insoportable. Su vida está seca y sin sentido y cuando un campesino y su esposa vienen a pedirle un consejo es incapaz de ofrecer ninguna clase de ayuda. Poco después el campesino se suicida y Thomas, el pastor, se encuentra ante un abismo vacío que nada es capaz de llenar.

La crisis de las relaciones personales, la incapacidad de amar, la incomunicación y la soledad, la ausencia de un sentido lógico de la vida y sus arbitrariedades, de la existencia de uno mismo, se entrecruzan a través de la tortuosa vivencia personal del pastor Tomás Ericsson (Gunnar Bjöstrand), quien no puede dar alivio a sus feligreses ni a su propia alma.

Clase 3

La hora del lobo (Vargtimmen, 1968)

“Hubo un tiempo en que las noches eran para dormir, para soñar y levantarse sin temores”, dice el protagonista de La hora del lobo, el pintor Johan Borg (Max Von Sydow), quien se ha recluido en la isla de Farö-ese emblemático espacio cerrado bergmaniano, de impresionantes acantilados e imponentes playas-, incapaz de comprender/asimilar el mundo exterior, devorado por sus propios fantasmas. Es ésta una maravillosa muestra de cine fantástico, terrorífico, que nada tiene que ver con las más trilladas convenciones del género, con sus artificios y sus trucos. La hora del lobo ahonda en los desarreglos del espíritu y Bergman se convierte en el oficiante de un misterio insondable, sobrecogedor.

Gritos y susurros (Viskningar och rop, 1972)

La película nos cuenta la historia de 3 hermanas que han estado distanciadas durante mucho tiempo y que vuelven a encontrarse cuando una de ellas padece un cáncer terminal. Las tres en la casa, acompañadas por la fiel sirvienta (Anna) se quedarán para hacer compañía en las últimas horas a Agnes (Harriet Andersson). En su libro Imágenes, Bergman comenta que la utilización del color rojo en esta película simboliza el interior del alma humana. Además de estos recursos fotográficos, al director utiliza procedimientos oníricos (p. ej. la resurrección de Agnes) para tratar en esta obra algunos de los temas predominantes en su filmografía: la muerte, la fe religiosa y la incomunicación entre las personas.

Clase 4

El huevo de la serpiente (1977) Duración: 119´

Una vez terminada Cara a cara, Bergman decide realizar su inmediata película fuera de Suecia. Con capital alemán y producida por Dino De Laurentiis dirige El huevo de la serpiente, una atípica película del director cuya estructura cinematográfica es, posiblemente, la más convencional de toda su obra. Lejos de exhibir los miedos internos de sus personajes, aquí el horror está introducido por un elemento externo. Sus personajes se mueven en una fantasmagórica Alemania llena de miseria y de tristeza, completamente desolada. Ese aislamiento remite, de alguna forma, al de los protagonistas de El silencio, y la trama en la que se ven envueltos es una trama sin salida posible, la muerte está presente continuamente, desde las primeras escenas. Bajo ese punto de vista la película no deja de ser una continuación de su obra, pero la forma de realizarla, como si un film de suspense se tratara, y la aparición de una serie de personajes algo convencionales y esquemáticos, redujo el interés de la película, que, sin embargo, no es en absoluto despreciable, ni siquiera en el contexto de su obra.

Sonata otoñal (Höstsonaten, 1978)

“La idea de trabajar con Ingrid Bergman era antigua, pero no es el origen de esta historia. La última vez que la había visto fue en el festival de Cannes con ocasión de la proyección de Gritos y susurros. Entonces me metió una carta en el bolsillo, donde me recordaba que le había prometido hacer una película juntos” (Ingmar Bergman, en su libro Imágenes).

Sonata otoñal aborda de manera clara la dificultad de conciliar el temperamento artístico con las emociones humanas más simples: el film diserta acerca del papel que juega el artista t su arte en la sociedad, de la figura del artista como trabajador, del arte como disciplina.

FEDERICO FELLINI,  POESÍA Y EXCESOS DE UN GRAN MENTIROSO
Curso de cine dictado por Sergio Zadunaisky

Histriónico, imprevisible, tierno, sensible, ingenioso, mordaz… son solo algunos de los adjetivos con los que se ha definido al maestro Federico Fellini. Creador de un universo cinematográfico mágico y poético de un marcado carácter autobiográfico, Fellini es uno de los directores más controvertidos e imitados de la historia. Sus filmes presentan un mundo en el que la remisión a una realidad que coexiste con lo fantástico es la condición misma de la existencia de unos personajes situados a medio camino entre lo cotidiano, lo grotesco y el delirio poético. Para el italiano, no es necesario que las cosas que se ofrecen sean auténticas, lo que debe serlo es la emoción que se advierte cuando se ve, cuando se expresa. Su vasta influencia llega a directores de la talla de Martín Scorsese, David Lynch, Emir Kusturica, Woody Allen, Wes Anderson y Tim Burton, entre otros.

En este curso analizaremos sus filmes más importantes, en donde podremos ver su recorrido desde las fuentes del Neorrealismo Italiano hasta la consolidación de un lenguaje propio, que llegaría a convertirse en una verdadera marca registrada (lo comúnmente denominado “Fellinesco”). También fragmentos de películas de otros directores relacionados y del documental “Soy un gran mentiroso”, sobre el propio Fellini.

Películas de Fellini que se analizarán en el curso:

Clase 1

-El sheik (1952)

Un joven matrimonio llega a Roma en viaje de luna de miel, pero la chica -fanática de las fotonovelas- se pierde en la ciudad buscando a su héroe y amor imposible, el Sheik Blanco, interpretado por Alberto Sordi. Mientras, su esposo la busca a ella y por separado tienen toda clase de aventuras, ridículas o extrañas. Comedia negra que se ríe de la devoción popular a las estrellas, El Sheik Blanco es considerado por muchos como el primer gran filme de Fellini. En el guión colaboró un entonces desconocido Michelangelo Antonioni.

-Los inútiles (1953)

Fellini nos cuenta la no-vida de un grupo de jóvenes habitantes de una ciudad de provincias en la Italia de los ´50. Ya pasada la posguerra y con el país en plena recuperación, pero aun con miseria y necesidad, el director nos acerca a ver de cerca a un grupo de jóvenes que nunca han conocido el hambre o el sufrimiento. Su vida consiste en salir de fiesta por la noche, al bar o el billar, intentar ligar con alguna de las chicas del lugar, llegar tarde por la noche, dormir hasta el mediodía, y repetir la misma rutina día tras día. Solo uno de ellos puede tomar conciencia de la realidad en que vive para tomar una decisión que le cambie su vida.

Clase 2

-La strada (1954)

Recorriendo el mundo con su espectáculo, el vigoroso Zampanò conoce por casualidad a una pobre y numerosa familia campesina, que le vende por poco dinero a la graciosa Gelsomina. Violento y posesivo, Zampanò obliga a la chica a acompañarlo en sus actuaciones, en las cuales la ridiculiza sin escrúpulos mientras él parte cadenas ante un público incrédulo.

La Strada es una de las películas de Fellini, que pertenecen a la etapa más cercana al neorrealismo en la carrera del cineasta. Período que comprende desde la película Luci dil varietà (1950) hasta la La dolce vita,(1961).

-La dolce vita (1960)

“La dolce vita es el primer gran film “social” de Fellini, su primer gran retablo histórico, su primer intento también de hacer un retrato que aúne simultaneidad y pluridimensionalidad. (…) Es el inicio de su obsesión de hacer un film-fresco que pueda ser abarcado en sus múltiples detalles con un solo golpe de vista. El objetivo elegido es la sociedad italiana que eufóricamente deja la década de los cincuenta, que quiere olvidar definitivamente el horror de la guerra y la miseria de la posguerra, que pretende construir un sistema de vida basado en la irresponsabilidad, el confort y la relatividad moral, que quiere tapar sus desgarrones con la doble moral y el silencio censor”. (Brunello Rondi, guionista de La Dolce Vita).

Clase 3

-Fellini  8 ½ (1963)

Aunque su título original iba a ser “La bella confusione(la bella confusión)” Fellini lo dejó simplemente en “8 y 1/2″, ya que esta película según el propio cineasta, hacía la número 8 y medio en su filmografía, contando con que su anterior obra, “Bocaccio 70″ fue un proyecto “sui generis” en el que 4 directores italianos; Vittorio De Sica, Mario Monicelli, Luchino Visconti y el propio Fellini acometieron la tarea de adaptar a la gran pantalla historias del celebérrimo poeta toscano, Bocaccio…
Fellini, en este retrato semi-autobiográfico (con Fellini nunca sabemos qué es verdad y qué no) nos habla a su manera del conflicto creativo de un autor (Marcello Mastroianni, su alter ego ideal) en plena etapa de confusión, tal y como quería darnos a entender su titulación original…
Películas como “Stardust Memories” y en menor medida “Los secretos de Harry”, ambas de Woody Allen son evidentes deudoras de la forma y fondo de esta emblemática cinta del director italiano.

-Amarcord (1973)

Película realizada por Federico Fellini, entre Roma (1972) y Casanova (Il Casanova de Federico Fellini, 1976), vista hoy en día, continúa revelándose como un hito; una crónica nostálgica y personal, impregnada de la poesía y de la dosis de surrealismo tan propia de sus obras, que abraza sin ningún tipo de pudor la adolescencia del propio autor. Con 53 años a su espalda, el viejo Fellini regresaba a una región casi irreconocible por la bruma que el paso del tiempo había depositado en ella, el territorio de su infancia y juventud. En Amarcord, Fellini echó mano a sus recuerdos infanto-juveniles para elaborar una obra de un marcado tono nostálgico. Sin embargo, el recuerdo poco tiene que ver con un testimonio fidedigno del pasado. En el recuerdo, la imaginación disfruta de espacios abiertos para campar a sus anchas. El pasado puede ser evocación de un tiempo que no regresará jamás. No obstante, esta verdad de Perogrullo no esconde que, en ocasiones, la mentira se pueda convertir en la proyección del presente porque vemos lo que ocurrió, no como de verdad aconteció, sino embriagados por el aroma de la idealización —cosa ésta, bastante más atractiva que la propia realidad.

Clase 4

-Y la nave va (1983)

“Hay quien ha querido ver en Ensayo de orquesta, La città delle donne, E la nave va, Ginger e Fred, La voce della luna, variaciones metafóricas sobre la situación política de Italia, sobre la sensación de inminente colapso del sistema, sobre la pérdida de capacidad comunicativa, sobre el triunfo de los rumores y de un caos irreversible.

El velo fúnebre que poco a poco se extiende sobre la escena felliniana nace también del proceder sincrónico, de catástrofe en catástrofe, hasta alcanzar dimensiones apocalípticas. E la nave va, por ejemplo, predice la llegada del íncubo nuclear y sugiere, mediante sólo dos elementos, el hombre y el rinoceronte, una versión minimalista del arca de Noé. Es el fin del mundo, que Italo Calvino señala como uno de los temas más recurrentes del último Fellini. De entre sus películas, E la nave va es quizá la más explícita en este sentido, pero también la que menos quiere imponer este tipo de pathos. Como si todos hubiéramos comprendido que el fin del mundo es nuestro hábitat natural y no pudiéramos imaginarnos una forma distinta de vivir. Aunque durante más de una década Fellini se enfundó los hábitos de una Casandra mediática, también tuvo la capacidad de seguir confiando en el futuro del cine y en la posibilidad de hacer películas y de conseguir encontrar siquiera un punto de fuga y de salvación, una isla en la que refugiarse junto con sus personajes y continuar dando vida a los fantasmas de su imaginación.”

Gian Piero Brunetta, en Dizionario dei registi del cinema mondiale, Einaudi, 2005.

-Ginger y Fred (1986)

Fiametta Profili, asistente personal de Fellini, asegura que en los últimos años, el director italiano (siempre dispuesto a la improvisación, gustase esto o no a sus actores) sólo escribía historias de una página y que los productores tenían que elaborar la película a partir de ahí. No es difícil imaginar que fuese eso mismo lo que precisamente ocurrió con Ginger y Fred, una película construida en torno a una idea básica, el reencuentro de Amelia y Pippo, dos bailarines, que en su época de gloria formaban una inseparable pareja que imitaba al dúo de baile por excelencia, Fred Astaire y Ginger Rogers, pero que no se ven desde hace treinta años, tras truncarse su relación profesional. El motivo de la reunión: la participación de ambos en un programa especial de Navidad. La pareja protagonista es también la pareja de actores favorita de Fellini, que sin embargo no había compartido antes la pantalla: su esposa, Giuletta Masina, y Marcello Mastroianni. Era Claudia Cardinale la que decía que Mastroianni era el actor preferido de Fellini, además de su mejor amigo, para terminar concluyendo que ambos eran una misma persona. Desde este singular punto de vista también sería posible contemplar el reencuentro ficticio de Ginger y Fred como el reencuentro real de Masina y Fellini como director y actriz en una misma película, algo que no sucedía desde hacía veintiún años, con Giulietta de los espiritus (Giulietta degli spiriti, Federico Fellini, 1965). Quizá sea precisamente por eso, Masina desprende un aura especial con la que logra componer un personaje auténticamente conmovedor.

Películas de otros directores relacionadas en mayor o menor medida con el universo de Fellini:

El gran pez (Tim Burton), Terciopelo azul (David Lynch), Stardust Memories (Woody Allen), Underground (Emir Kusturika), Calles salvajes (Martin Scorsese), La casa de los engaños (Andrei Konchalovski), Vida acuática (Wes Anderson).

Cine y Pintura, diálogos e influencias

Docentes: Soledad Obeid (Licenciada y docente en Artes Plásticas)

                  Sergio Zadunaisky, (docente y crítico de cine)

Desde el nacimiento del cine a fines del siglo XIX, su lenguaje se conectó de forma natural con la pintura, arte que le precedía largamente en el tiempo. Desde ese momento, se manifestaron múltiples cruces y correspondencias entre ambas disciplinas, en un intercambio que lejos está de agotarse. En este curso haremos una aproximación a este diálogo, haciendo foco en la vinculación de las artes de representación de imágenes ( cine y pintura) y en su desarrollo a lo largo de la historia, los artistas plásticos que influenciaron en la conformación del lenguaje cinematográfico (Brunelleschi, Rembrandt, Velásquez y Goya), las vanguardias artísticas del siglo XX y sus exponentes en el campo de la pintura y del cine (Futurismo, Constructivismo, Expresionismo, Dadaísmo, Surrealismo); la influencia de la pintura en directores enmarcados en el cine de autor, como Alfred Hitchcock, Peter Greenaway y David Lynch; la pintura y los pintores como ejes de la representación cinematográfica en diferentes películas, que van desde La chica del aro de perlas (Vermeer) hasta Vincent and Theo (Van Gogh), pasando por El amor es el diablo (Francis Bacon) y el documental Edward Hopper, el pintor del silencio (Edward Hopper), entre otras. 

Dinámica de trabajo:

4 Clases teóricas de 2 horas de duración

Ilustración con diapositivas, material bibliográfico y proyección de películas en pantalla grande.

Duración: 4 clases, frecuencia semanal

Costo: $ 180.-

Lugar: Fundación TIDO. Castillo 460. Ciudad de Buenos Aires.

Fecha de inicio: Martes 27 de enero

Horario:
19.30 a 21.30 hs.

Informes e inscripción:

Cel: 155852 2881

Mail: soledadobeid@yahoo.com.ar

         dalecine@gmail.com         

Programa:

Clase 1: Acercamiento al cruce de lenguajes entre el cine y la pintura

Proyección  del documental “Edward Hopper, el pintor del silencio”

Esta película, producida por la Televisión Española, cuenta acerca de la estrecha relación de este pintor con el cine, su influencia estética en el filme noir y en directores como Wim Wenders, Douglas Sirk y Todd Haynes, entre muchos otros. Con entrevistas a la biógrafa del célebre pintor norteamericano, pintores, cineastas y al mismo Hopper, este documental acerca sus espectadores, con un lenguaje accesible y ameno, algo más que una simple mirada biográfica, adentrándose en los múltiples cruces entre los lenguajes del cine y la pintura. 

-         Directores y artistas plásticos, relaciones y correspondencias.

Clase 2: Las Vanguardias artísticas en la pintura y en el cine

-  El modo de representación renacentista: la perspectiva. Tipos y cambios

Renacimiento como momento de concreción y posterior exaltación.

Ruptura primeros pasos en el manierismo y posteriormente con el cubismo.

-El Montaje y la construcción del relato cinematográfico. Desde la plástica con el Dadaísmo y el constructivismo ruso.

Futurismo: Giacomo Balla

Constructivismo ruso: Rodchenko – Eisenstein (El acorazado Potemkin)

Dadaísmo: Marcel Duchamp- René Clair (Entreacto)

Cubismo: Picasso – Robert Wiene (El Gabinete del Dr. Caligari) – Marcel Duchamp (El ballet mecánico)

Surrealismo: Man Ray Dalí / Buñuel (El perro andaluz)

Expresionismo: Los grupos de El puente y de El jinete azul- Friedrich W. Murnau  (Nosferatu). Fritz Lang (Metrópolis) Xul Solar

Clase 3: Cine de autor y artistas plásticos.

- Alfred Hitchcock: Su relación con el mundo de Edward Hopper. Las problemáticas estéticas de los años 40, 50 y 60 interrelacionada con su producción cinematográfica: temas, modos de representación, abordajes políticos y interpretaciones psicológicas.  

Películas citadas: La ventana indiscreta, Psicosis, Los pájaros, Vértigo, La sombra de una duda

- Peter Greenaway: La influencia renacentista, barroca y flamenca. Su relación  con las obras de Annibale Carracci y Francis Bacon. El tratamiento de la luz, el color y temas.

Películas citadas: El contrato del pintor, Z00, El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante, La tempestad

- David Lynch: Citas a Francis Bacon, Norman Rockwell y Edward Hopper en el cine de Lynch.

Películas citadas: Cabeza borradora; El hombre elefante; Terciopelo azul; Corazón salvaje; Twin Peaks, fuego camina conmigo; Imperio.

Clase 4: La pintura y los pintores en el cine

Films citados: “La chica del aro de perlas” (Vermeer), “Caravaggio”, “Vincent y Theo” (Van Gogh), “Rembrandt”, “Los fantasmas de Goya” y “Las amante de Goya” (Goya), “Sobreviviendo a Picasso” y “El misterio Picasso” (Picasso), “Pollock”, “Pulqui” (Santoro), “El amor es el diablo” (Bacon), Edward Hopper, el pintor del silencio (Hopper).

Cómo desde un lenguaje (el cinematográfico) se reinterpreta otro (la pintura), desde la interpretación biográfica de los artistas hasta la reproducción de las obra en la pantalla.

FEDERICO FELLINI,  POESÍA Y EXCESOS DE UN GRAN MENTIROSO
Curso de cine dictado por Sergio Zadunaisky

Histriónico, imprevisible, tierno, sensible, ingenioso, mordaz… son solo algunos de los adjetivos con los que se ha definido al maestro Federico Fellini. Creador de un universo cinematográfico mágico y poético de un marcado carácter autobiográfico, Fellini es uno de los directores más controvertidos e imitados de la historia. Sus filmes presentan un mundo en el que la remisión a una realidad que coexiste con lo fantástico es la condición misma de la existencia de unos personajes situados a medio camino entre lo cotidiano, lo grotesco y el delirio poético. Para el italiano, no es necesario que las cosas que se ofrecen sean auténticas, lo que debe serlo es la emoción que se advierte cuando se ve, cuando se expresa. Su vasta influencia llega a directores de la talla de Martín Scorsese, David Lynch, Emir Kusturica, Woody Allen, Wes Anderson y Tim Burton, entre otros.

En este curso analizaremos sus filmes más importantes, proyectados en pantalla grande, en donde podremos ver su recorrido desde las fuentes del Neorrealismo Italiano hasta la consolidación de un lenguaje propio, que llegaría a convertirse en una verdadera marca registrada (lo comúnmente denominado “Fellinesco”). También fragmentos de películas de otros directores relacionados y el documental “Soy un gran mentiroso”, sobre el propio Fellini.

Películas de Fellini que se analizarán en el curso:

Clase 1: sábado 5 de julio

-El sheik (1952)

Un joven matrimonio llega a Roma en viaje de luna de miel, pero la chica -fanática de las fotonovelas- se pierde en la ciudad buscando a su héroe y amor imposible, el Sheik Blanco, interpretado por Alberto Sordi. Mientras, su esposo la busca a ella y por separado tienen toda clase de aventuras, ridículas o extrañas. Comedia negra que se ríe de la devoción popular a las estrellas, El Sheik Blanco es considerado por muchos como el primer gran filme de Fellini. En el guión colaboró un entonces desconocido Michelangelo Antonioni.

-Los inútiles (1953)

Fellini nos cuenta la no-vida de un grupo de jóvenes habitantes de una ciudad de provincias en la Italia de los ´50. Ya pasada la posguerra y con el país en plena recuperación, pero aun con miseria y necesidad, el director nos acerca a ver de cerca a un grupo de jóvenes que nunca han conocido el hambre o el sufrimiento. Su vida consiste en salir de fiesta por la noche, al bar o el billar, intentar ligar con alguna de las chicas del lugar, llegar tarde por la noche, dormir hasta el mediodía, y repetir la misma rutina día tras día. Solo uno de ellos puede tomar conciencia de la realidad en que vive para tomar una decisión que le cambie su vida.

Clase 2: sábado 12 de julio

-La strada (1954)

Recorriendo el mundo con su espectáculo, el vigoroso Zampanò conoce por casualidad a una pobre y numerosa familia campesina, que le vende por poco dinero a la graciosa Gelsomina. Violento y posesivo, Zampanò obliga a la chica a acompañarlo en sus actuaciones, en las cuales la ridiculiza sin escrúpulos mientras él parte cadenas ante un público incrédulo.

La Strada es una de las películas de Fellini, que pertenecen a la etapa más cercana al neorrealismo en la carrera del cineasta. Período que comprende desde la película Luci dil varietà (1950) hasta la La dolce vita,(1961).

-La dolce vita (1960)

“La dolce vita es el primer gran film “social” de Fellini, su primer gran retablo histórico, su primer intento también de hacer un retrato que aúne simultaneidad y pluridimensionalidad. (…) Es el inicio de su obsesión de hacer un film-fresco que pueda ser abarcado en sus múltiples detalles con un solo golpe de vista. El objetivo elegido es la sociedad italiana que eufóricamente deja la década de los cincuenta, que quiere olvidar definitivamente el horror de la guerra y la miseria de la posguerra, que pretende construir un sistema de vida basado en la irresponsabilidad, el confort y la relatividad moral, que quiere tapar sus desgarrones con la doble moral y el silencio censor”. (Brunello Rondi, guionista de La Dolce Vita).

Clase 3: sábado 19 de julio

-Fellini  8 ½ (1963)

Aunque su título original iba a ser “La bella confusione(la bella confusión)” Fellini lo dejó simplemente en “8 y 1/2″, ya que esta película según el propio cineasta, hacía la número 8 y medio en su filmografía, contando con que su anterior obra, “Bocaccio 70″ fue un proyecto “sui generis” en el que 4 directores italianos; Vittorio De Sica, Mario Monicelli, Luchino Visconti y el propio Fellini acometieron la tarea de adaptar a la gran pantalla historias del celebérrimo poeta toscano, Bocaccio…
Fellini, en este retrato semi-autobiográfico (con Fellini nunca sabemos qué es verdad y qué no) nos habla a su manera del conflicto creativo de un autor (Marcello Mastroianni, su alter ego ideal) en plena etapa de confusión, tal y como quería darnos a entender su titulación original…
Películas como “Stardust Memories” y en menor medida “Los secretos de Harry”, ambas de Woody Allen son evidentes deudoras de la forma y fondo de esta emblemática cinta del director italiano.

-Amarcord (1973)

Película realizada por Federico Fellini, entre Roma (1972) y Casanova (Il Casanova de Federico Fellini, 1976), vista hoy en día, continúa revelándose como un hito; una crónica nostálgica y personal, impregnada de la poesía y de la dosis de surrealismo tan propia de sus obras, que abraza sin ningún tipo de pudor la adolescencia del propio autor. Con 53 años a su espalda, el viejo Fellini regresaba a una región casi irreconocible por la bruma que el paso del tiempo había depositado en ella, el territorio de su infancia y juventud. En Amarcord, Fellini echó mano a sus recuerdos infanto-juveniles para elaborar una obra de un marcado tono nostálgico. Sin embargo, el recuerdo poco tiene que ver con un testimonio fidedigno del pasado. En el recuerdo, la imaginación disfruta de espacios abiertos para campar a sus anchas. El pasado puede ser evocación de un tiempo que no regresará jamás. No obstante, esta verdad de Perogrullo no esconde que, en ocasiones, la mentira se pueda convertir en la proyección del presente porque vemos lo que ocurrió, no como de verdad aconteció, sino embriagados por el aroma de la idealización -cosa ésta, bastante más atractiva que la propia realidad.

Clase 4: sábado 26 de julio

-Y la nave va (1983)

“Hay quien ha querido ver en Ensayo de orquesta, La città delle donne, E la nave va, Ginger e Fred, La voce della luna, variaciones metafóricas sobre la situación política de Italia, sobre la sensación de inminente colapso del sistema, sobre la pérdida de capacidad comunicativa, sobre el triunfo de los rumores y de un caos irreversible.

El velo fúnebre que poco a poco se extiende sobre la escena felliniana nace también del proceder sincrónico, de catástrofe en catástrofe, hasta alcanzar dimensiones apocalípticas. E la nave va, por ejemplo, predice la llegada del íncubo nuclear y sugiere, mediante sólo dos elementos, el hombre y el rinoceronte, una versión minimalista del arca de Noé. Es el fin del mundo, que Italo Calvino señala como uno de los temas más recurrentes del último Fellini. De entre sus películas, E la nave va es quizá la más explícita en este sentido, pero también la que menos quiere imponer este tipo de pathos. Como si todos hubiéramos comprendido que el fin del mundo es nuestro hábitat natural y no pudiéramos imaginarnos una forma distinta de vivir. Aunque durante más de una década Fellini se enfundó los hábitos de una Casandra mediática, también tuvo la capacidad de seguir confiando en el futuro del cine y en la posibilidad de hacer películas y de conseguir encontrar siquiera un punto de fuga y de salvación, una isla en la que refugiarse junto con sus personajes y continuar dando vida a los fantasmas de su imaginación.”

Gian Piero Brunetta, en Dizionario dei registi del cinema mondiale, Einaudi, 2005.

-Ginger y Fred (1986)

Fiametta Profili, asistente personal de Fellini, asegura que en los últimos años, el director italiano (siempre dispuesto a la improvisación, gustase esto o no a sus actores) sólo escribía historias de una página y que los productores tenían que elaborar la película a partir de ahí. No es difícil imaginar que fuese eso mismo lo que precisamente ocurrió con Ginger y Fred, una película construida en torno a una idea básica, el reencuentro de Amelia y Pippo, dos bailarines, que en su época de gloria formaban una inseparable pareja que imitaba al dúo de baile por excelencia, Fred Astaire y Ginger Rogers, pero que no se ven desde hace treinta años, tras truncarse su relación profesional. El motivo de la reunión: la participación de ambos en un programa especial de Navidad. La pareja protagonista es también la pareja de actores favorita de Fellini, que sin embargo no había compartido antes la pantalla: su esposa, Giuletta Masina, y Marcello Mastroianni. Era Claudia Cardinale la que decía que Mastroianni era el actor preferido de Fellini, además de su mejor amigo, para terminar concluyendo que ambos eran una misma persona. Desde este singular punto de vista también sería posible contemplar el reencuentro ficticio de Ginger y Fred como el reencuentro real de Masina y Fellini como director y actriz en una misma película, algo que no sucedía desde hacía veintiún años, con Giulietta de los espiritus (Giulietta degli spiriti, Federico Fellini, 1965). Quizá sea precisamente por eso, Masina desprende un aura especial con la que logra componer un personaje auténticamente conmovedor.

Películas de otros directores relacionadas en mayor o menor medida con el universo de Federico Fellini:             

El gran pez (Tim Burton), Terciopelo azul (David Lynch), Stardust Memories (Woody Allen), Underground (Emir Kusturika), Calles salvajes (Martin Scorsese), La casa de los engaños (Andrei Konchalovski), Vida acuática (Wes Anderson).

Lugar: Juramento y O´higgins (La dirección exacta se dará solo a aquellas personas que se inscriban en el curso).

Día y horario: Sábados de 17.15 a 19 horas

Arancel: 130 pesos.

Informes e inscripción: dalecine@gmail.com / 154 178-2080

“Nadie como él ha sido tan consciente de las posibilidades visuales del cine, de su poder hipnótico y de las posibilidades de manipulación del público que ofrecía. Tenido durante décadas por un técnico superdotado, por un simple mago del suspenso, un hábil fabricante de sensaciones fuertes, poco a poco se fue descubriendo que Hitchcock fue el más consumado estilista, el mayor creador de formas, de puro cine, de su tiempo, que es como decir de todos los tiempos, pues su obra abarca el mudo y el sonoro y hasta la televisión, Europa y Hollywood.(…) Hitchcock demostró que incumpliendo todas las reglas clásicas uno podía fabricar no sólo obras maestras sino además éxitos de taquilla, como cuando en Psicosis hace morir a la protagonista a mitad de la película.

Hitchcock era un complicado ser humano, lleno de frustraciones, complejos e inseguridades. Sus películas están por ello llenas de sueños, pesadillas, amenazas y culpabilidades. Sus obsesiones están siempre presentes. Es un cine de la paranoia, lleno de sadismo y de contenidos subliminales. Hitchcock es un gran pornógrafo latente y, junto con Buñuel, el gran surrealista y el gran humorista del cine.” (Fernando Trueba, director español de, entre otras películas, Belle Epoque y La niña de mis ojos.)

COMIENZA EL 19 DE ABRIL

PELICULAS A ANALIZAR

CLASE 1

Rebeca
La novela de Daphne du Maurier llevada a la pantalla por Hitchcock, en su primera producción en los Estados Unidos. A pesar del sello del omnipresente productor David O. Selznick, el maestro se sale con la suya y hace de este film uno de los mejores melodramas de la historia del cine.

Tuyo es mi corazón (Notorius)
Ingrid Bergman y Cary Grant se sacan chispas en una película en donde el espionaje funciona como excusa para contar una gran historia de amor. La favorita de François Truffaut.

CLASE 2

La soga (Festín diabólico)
La frase de Hitchcock “los mejores crímenes son domésticos”, se confirma en esta historia en donde un cadáver permanece en escena los 90 minutos de película. Un tour de force cinematográfico, filmado como si hubiese sido hecho en una sola toma, mucho antes que “El arca rusa”, de A. Sokurov.

Extraños en un tren (Pacto siniestro)
Luego de mantener una charla casual en un vagón de tren con otro hombre, la vida de Guy ya no volverá a ser la misma. El crimen que su mente había idealizado se convierte en realidad, y lo peor es que todo indica que el culpable es él. El tema del doble se hace presente en un film en donde el villano, como en casi toda la filmografía de Hitchcock, se roba la película.

CLASE 3

Vértigo
Oscuro y sombrío, este es uno de los films más personales del director inglés. Otra vez con James tewart, esta vez enamorado locamente de Madeleine, una mujer misteriosa y fantasmagórica. La historia da un giro inesperado luego del suicidio de ésta y su “resurrección” posterior en la figura de otra mujer, a quien James intenta convertir a toda costa en su antiguo amor.

Psicosis
Norman Bates, el desquiciado psicópata interpretado de manera sobresaliente por Anthony Perkins, vive en un aislado motel en compañía de su madre, o de lo que queda de ella. Allí llegará la incauta Marion Crane (Janet Leigh) a tomar el último baño de su vida. Psicosis está considerada una de las obras cumbres del género y del cine de todos los tiempos.

CLASE 4

Los pájaros
Apocalíptica y devastadora, esta obra de Hitchcock estremece aún hoy. Los pájaros del título atacan un poblado americano, horrorizando a sus moradores, que no encuentran una explicación racional a los hechos. Tippi Hedren, como Melanie, sufre estoicamente los embates de las bestias aladas. El film más abstracto y por ello, más aterrador del maestro.

Se recomienda ver antes de cada clase los films propuestos para la misma.

Material bibliográfico utilizado en el curso: Guillermo Cabrera Infante, François Truffaut, Robin Wood, Eric Rohmer, Raymond Chandler, entre otros.

Los Sábados,
a las 17:30,
en el barrio de Belgrano.

Informes e inscripción a dalecine@gmail.com o a 1541782080

El objetivo del curso “¿QUÉ ES EL CINE?” es el de brindar a cada participante las herramientas necesarias para ampliar y enriquecer su capacidad de comprensión y análisis de las películas. El programa propuesto contempla los elementos para profundizar en la lectura del texto cinematográfico, viendo diferentes ejemplos de grandes películas para hablar del papel creador de la cámara, el uso expresivo de la fotografía o la sabia utilización por parte de algunos directores de la banda sonora, entre otros elementos técnico-expresivos. Además, se hará un repaso de los momentos más importantes en la historia del cine, puntualizando en las vanguardias europeas más destacadas, la creación de los estudios en Hollywood y el lenguaje y los temas del cine contemporáneo.

Orientado a personas a las que les interese conocer y aprender más sobre el lenguaje y la historia del cine, el curso tiene como objetivo principal que los concurrentes manejen las herramientas de análisis básicas a la hora de pensar y analizar un film.

Para participar no es necesario tener conocimientos previos en la materia.

Día y horario

Miércoles de 20.15 a 22 hs. (Fecha de inicio: Miércoles 2 de Abril).

Dirección de los encuentros

Manuela Pedraza 2751

Informes e inscripción

dalecine@gmail.com

1541782080

Espacio Prometeo & Dale Cine te invitan a compartir junto a otros espectadores sus encuentros de análisis de estrenos. Nuestra idea es enriquecer la mirada sobre el filme generando diferentes abordajes para su comprensión. Según el título elegido, que debe ser visto previamente, estudiaremos la propuesta temática y formal de la película, conoceremos más sobre el director y su obra previa y lo relacionaremos con títulos afines.

El análisis y las charlas estarán a cargo de Sergio Zadunaisky, docente y crítico de cine.

Espacio Prometeo

Matienzo 1642, Las Cañitas

Martes de 17 a 18.30 horas.

(fecha de inicio a confirmar)

Informes e inscripción

5778-1858 / berenice@prometeolibros.com  o  dalecine@hotmail.com

http://www.prometeolibros.com/

http://www.dalecine.blogargentina.com/