En Quémese después de leerse no falta ningún tópico coeniano. Está la mujer vulgar (Frances Mc Dormand) que solo desea dinero para operarse y “reinventarse” como persona. Está el derrotado Osbourne Cox (Jhn Malkovich), que no conoce otro camino que el de la bajada sin retorno. El tonto de Chad (Brad Pitt), que trata de sacar partido de una situación que claramente lo excede. Y la lista continúa. Hasta el Servicio de Inteligencia se ve superado por la zonceras y vueltas de tuerca desopilantes de una trama que va ganando fuerza a medida que el metraje de la película avanza.

Sin llegar al nivel de películas como “De paseo a la muerte” y “El gran Lebowski”, “Quémse después de leer” no desentona con una filmografía que ha desplegado con mayor o menor fortuna ciertos temas que a los Coen les gusta tocar (el errático rumbo de la sociedad norteamericana, el patetismo de algunos personajes, desplazados y fuera de un sistema que los margina, la desproporcionada ambición que lleva a catástrofes personales (que incluyen, a veces, una muerte inesperada y absurda), el azar que juega en contra y escribe en la frente de cada uno de los personajes: “Si algo puede salir mal, va  a salir peor”.
Lo que me pasó viendo esta película, es algo parecido al comentario de una amiga que había visto “Lutherapia”, lo último de Les Luthiers, “sí, me gustó, pero no me sorprendió”.

El gran golpe

(Reino Unido, 2008)

Dirigida por Roger Donaldson, con Jason Statham, Saffrom Burrows, Stephen Campbell Moore, Daniel Mays, James Faulkner.

Las películas de robos tienen un atractivo especial. El espectador se siente generalmente implicado e identificado con los ladrones y busca que estos se salgan con la suya y logren burlar la ley. En El gran golpe, los atracadores resultan ser las víctimas, por lo que la identificación se produce casi al instante.

Estamos en la década del ´70, Terry (Jason Statham) es un hombre de familia con algunos problemas financieros y un pasado delictivo de bajo perfil, de barrio podríamos decir. Una mujer con la que alguna vez tuvo un affaire, lo busca para proponerle el robo a un banco, fácil, sin complicaciones, ya que por unos días no va a tener sus alarmas conectadas. Terry muerde el anzuelo, sin saber que esta chica es la enviada de un prestigioso político inglés que no quiere que unas fotos comprometedoras, guardadas en una de las cajas de seguridad del banco, salgan a la luz. El buenazo de Terry junta a su vieja banda y a un par más para realizar el robo. Ninguno tiene experiencia en el tema, pero el botín es demasiado sabroso como para dejarlo escapar.

La película plantea rápidamente las reglas del juego y el espectador conoce a cada uno de los jugadores de entrada. Hay un señor que maneja un cabaret al que concurre gran parte de la plana mayor del stablishment inglés y que soborna a la policía para que no lo molesten. Hay un líder negro, Michael X, que es el dueño de esas fotos y que las utiliza a modo de chantaje para que no lo encarcelen por sus actividades ilegales. Y a medida que la trama se desarrolla van apareciendo nuevos personajes que buscarán que nada salga a la luz.

El australiano Roger Donaldson no se caracteriza por ser un director de primera plana. Realizador de películas tan dispares como Sin salida (1987), Cocktail (1988), Especies (1995) y 13 días (2000), logra en El gran golpe imprimirle ritmo, acción y suspenso a una historia que, más allá de sus convencionalismos, logra mantener nuestra atención por casi dos horas sin que decaiga su ritmo. La película utiliza el contexto de un caso real para dejar de lado la denuncia política, y centrarse en sus (anti)héroes, ladrones de medio pelo que sin saberlo, pusieron en jaque al gobierno y a algunos de los miembros de la realeza británica.

Sergio Zadunaisky

 
Nota escrita para el sitio CINEISMO (www.cineismo.com)

El sueño de Cassandra (Woody Allen, 2007)

Con “El sueño de Cassandra”, Woody Allen se despide de Londres cerrando una trilogía que comienza con “Crímenes y pecados” (1989) y continúa con “Match – Point” (2005). Desde la cima hasta el ocaso, estas tres obras se centran en el tema de la culpa, el azar, el destino y la mentira, bañadas de un pesimismo y misantropía cada vez mayor. En la primera, obra cumbre de la carrera del neoyorkino, la doble vida de un exitoso oftalmólogo que para no caer en desgracia decide mandar a matar a su amante antes de que ella lo denuncie, la obra “Crimen y Castigo”, de Fedor Dostoievski, aparece como un fiel reflejo de una historia que equilibra de manera casi perfecta el humor de pura cepa alleniana con el drama e incluso el thriller. La misma novela de Dostoievski vuelve a aparecer citada con mayor énfasis en “Match-Point”, aunque los resultados esta vez no hayan sido del todo satisfactorios. Costaba reconocer al director, que desaparecía por momentos en trazos del filme donde su firma de autor se diluía y decoloraba. En “El sueño de…” la obsesión de Allen vuelve a cobrar vida, pero sin encanto ni vigor. Y si bien es cierto que Allen se repite en muchas de sus películas, siempre lo hace con una vuelta de tuerca sobre sus pasos anteriores. Acá no hay sorpresa ni vuelo, sí un sabor a comida pasada y recalentada varias veces.

Es raro que una película de Allen no tenga nada (pero nada) para rescatar. Una de mis frases favoritas es “cualquiera de las películas de un Allen, por más que sea mediocre, estará por arriba de la media de casi cualquier otro director”. Siempre está ese “toque” que las distingue del resto y hace que valga la pena correr al cine para ver un Allen en pantalla grande. Pero debo decir que en esta cinta no puedo hallar el placer que encontraba en “Annie Hall”, “Zelig”, “Hannay y sus hermanas” o en obras “menores” como “Misterioso asesinato en Manhattan”. El tono solemne y pomposo de Allen termina por cansar y aburrir. Será cuestión de ver “Vicky Cristina Barcelona”, que según dicen, es más fresca y liviana y menos pretenciosa. Mientras tanto, corro al video para rever “Interiores” y “El dormilón”.
Sergio Zadunaisky

I´m a cyborg, but that´s Ok

(Corea, 2006)

Dirigida por Park Chan-Wok, con Su-jeong Lim, Rain, Hie-Jin Choi.

Luego de la “trilogía de la venganza” (Sympathy for Mr. Vengeance, Old-boy y Sympathy for Lady Vengeance) Park Chan-Wok decidió tomarse un respiro haciendo una comedia romántica. Bueno, lo de comedia romántica viniendo del director que viene y del país de origen, no debe leerse tan literalmente. La historia transcurre en un hospicio, donde una chica, Cha Young-goon, convencida de ser un cyborg, pasa sus días junto a otros internos. 
En esta película la historia es bastante lineal, con bruscos cambios de tono y de registro, en donde realidad y fantasía se encuentran bien diferenciadas. Algunas imágenes recuerdan a “Criaturas celestiales”, de Peter Jackson o a películas de hospitales siquiátricas como “Atrapado sin salida”, dirigida por Milos Forman, “Hombre mirando al sudeste”, de Eliseo Subiela y “La casa de los engaños”, de Andrei Konchalovski. La locura de los personajes le sirve a Chan-Wok de coartada para trabajar imágenes surrealistas, poéticas.

“Un cyborg no debe comer”, dice la chica a sus médicos y guardias, y sin saberlo comienza a dejarse morir de inanición. Un chico que también está internado, hará lo posible porque vuelva a alimentarse. Y casi si querer se enamora de ella. Así, el director transita por un camino conocido pero dándole a su historia rasgos personales y de una gran belleza formal. Una de las marcas de autor vistas en películas anteriores, la violencia estilizada con fondo de música clásica, aparece en las escenas donde la chica, convertida literalmente en un cyborg, asesina a todo aquel que lleve guardapolvo blanco. Única marca reconocible, quizás, relacionada con formas ya experimentadas en su trilogía de la venganza.

I´m a cyborg es también una película sobre la madurez, la época de transición de la adolescencia a la edad adulta y las relaciones familiares. Cha Young-goon, por un mandato materno, guarda celosamente un secreto, el de su identidad como máquina y se relaciona fuertemente con su abuela, mujer que fue sacada de su casa y llevada en una ambulancia cuando ella era más chica. La anciana intentó decirle algo, pero nunca llegó a completar la frase: “el propósito de tu existencia es…”.  Ella deberá encontrarlo por su cuenta.

La película demuestra que el director coreano puede filmar con sabiduría la historia que le venga en gana, con total dominio formal sobre el material tratado y que puede seguir sorprendiendo a los espectadores con recursos de una gran inventiva e imaginación.

Sergio Zadunaisky

Redacted

(EEUU/Canadá, 2007)

Dirigida por Brian de Palma, con Eric Anderson, Patrick Carroll, Rob Devaney, Izzy Díaz.

(Crítica escrita por mí para el sitio de cine Cineismo, www.cineismo.com)

La filósofa, escritora y guionista Susan Sontag escribió en 2004, a partir de la exposición pública de fotos de soldados en Irak torturando con alegría a hombres y mujeres en Abu Ghraib, un artículo titulado “¿Qué hemos hecho?” Allí, Sontag hablaba del uso de las imágenes en las guerras modernas, que antes eran de patrimonio exclusivo de los corresponsales  periodísticos y hoy, cámaras digitales mediante, son de los soldados mismos, que se las intercambian entre ellos o las envían rápidamente a cualquier lugar del planeta. Y agrega que “son esos mismos soldados los que posan, pulgares hacia arriba, ante las atrocidades que cometen (…). Lo que se deja ver a través de estas fotografías es tanto la cultura de la desvergüenza como el reinado de la admiración por una brutalidad imperdonable.”

La película de De Palma, ganadora del León de Oro a la mejor dirección en el último Festival de Cine de Venecia, pone el foco sobre un tema que también tratan otras películas recientes, como “El sospechoso” (Rendition, Gavin Hood, 2007) y como “La conspiración” (In the Valley of Elah, Paul Haggis, 2007), film que podría funcionar como una continuación de Redacted, una contracara de la moneda de la violencia y el comportamiento del ejército estadounidense en Irak. Basada en un caso real de violación y masacre de un grupo de civiles indefensos por parte de soldados estadounidenses, Redacted nos introduce en la intimidad de los uniformados, filmada por uno de ellos, aspirante a director de cine. La película de De Palma trata sobre hechos ocurridos en Medio Oriente, donde pelean los soldados  de E.E.U.U. y la de Haggis es sobre esos mismos soldados cuando vuelven a casa. Las dos películas comparten el uso de las imágenes registradas por los soldados para mostrar la banalidad del horror con toda su indolencia y ferocidad.

El italo-americano vuelve a sus comienzos haciendo un film puramente político y contestatario sin abandonar su constante uso de las imágenes como motor y fundamento principal de sus historias. Y la fuente de esas imágenes no es sólo la de una cámara de video, sino también las páginas web de uno y otro bando, You tube, las cámaras de seguridad y las de la televisión. Este mosaico multimediático se completa con aquellas imágenes registradas en la cabeza de cada uno de los soldados, imágenes que, como denuncia uno de ellos al terminar la película, no se borrarán jamás de su mente, torturándolo hasta el fin de sus días.

En su país, de Palma es considerado un terrorista potencial, que con su película impulsa la creación de nuevos atentados. Acá la discusión no es sobre qué muestran las imágenes, sino qué pasa cuando toman estado público. En su artículo, Sontag decía : “Así que ahora las fotos continuarán “agrediéndonos” – como muchos estadounidenses seguramente se sienten. ¿La gente se acostumbrará a ellas? Algunos estadounidenses ya están diciendo que han visto “suficiente”. No así, sin embargo, el resto del mundo. La guerra sin fin: un fluir sin fin de imágenes. ¿Los editores de los diarios, las revistas, la televisión estadounidense considerarán ahora si mostrar más de ellas o mostrarlas sin cortes (lo cual, en algunas de las imágenes más conocidas, da una visión diferente y en algunas instancias más espantosa de las atrocidades cometidas en Abu Ghraib) sería de “mal gusto” o demasiado implícitamente político? Por político, léase: crítico de la administración Bush. Porque no puede haber dudas de que las fotografías dañan, como lo expresó el Sr Rumsfeld, la reputación de “los honorables hombres y mujeres de las fuerzas armadas que están protegiendo con coraje, con responsabilidad y con profesionalidad, nuestras libertades en todo el planeta.” Este daño – a nuestra reputación, a nuestra imagen, a nuestro éxito como poder imperial – es lo que principalmente deplora la administración Bush. Cómo es que la protección de “nuestras libertades” – y aquí se está hablando sólo de la libertad de los estadounidenses, el 6 % de la población del planeta – llegó a requerir la presencia de los soldados estadounidenses en cualquier país donde quiera estar (“en todo el planeta”) todavía no llegó a debatirse tampoco. Se está atacando a los Estados Unidos. Estados Unidos se ve a sí mismo como víctima del terror potencial o futuro. Estados Unidos solamente se está defendiendo contra enemigos implacables y furtivos.”

Sergio Zadunaisky

Persépolis
(Francia, 2007)
Dirigida por Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, con las voces de Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve, Danielle Darrieux, Simon Abkarian.

 

Marjane Satrapi, nacida en 1969 es probablemente la única dibujante e historietista iraní. Retrató su vida en un cómic (éxito de ventas en Francia y fenómeno a nivel mundial) y luego la plasmó en una película. Persépolis cuenta sus vivencias e impresiones desde la época del Sha hasta nuestros días. Y, respetando los códigos de su origen, está hecha en dibujos animados y casi en su totalidad en blanco y negro. Satrapi construye un relato en forma de gran flashback para contar una historia de tintes políticos y dramáticos, en donde repasa la época de su infancia bajo el gobierno del Sha, su posterior derrocamiento por un fundamentalismo más brutal, su exilio forzado a Europa y su vuelta a la Irán post-11 de septiembre.
La visión de la directora, de claras referencias expresionistas (cita a “El grito”, de Munich incluida) y no exenta de humor y poesía, habla de temas universales como el derecho a la libertad de expresión, la madurez, la discriminación (racial y sexual), y las relaciones familiares. Lejos de caer en clichés, decide mostrar el sufrimiento de sus personajes con cierto pudor y esperanza. Marji, el personaje principal, es una poderosa mezcla de Mafalda (la de Quino), Juno (la de la reciente película de Jason Reitman) y Sagreh, la protagonista de “A las 5 de la tarde”, de Samira Makhmalbaf. Rebeldía, desobediencia a códigos sociales que considera injustos, pasión, se mezclan con una mirada por momentos risueña sobre la realidad que la rodea. Su mirada sobre el mundo occidental no está exenta de críticas y demuestra su inconformismo ante la tierra (Europa) a la que llegó para vivir.
Hace un par de días descubrí gracias a un sitio web (http://www.adlatinaladob.com/) a Sarah Maple, una joven artista de 23 años, mezcla de musulmana y cristiana que se crió y vive en Inglaterra. Viendo su más que recomendable página en Internet (http://www.sarahmaple.com/) pude ver que Satrapi no es la única artista dedicada a retratar artísticamente el conflictivo cruce de orígenes en su historia.
Sergio Zadunaisky
 

Los Paranoicos – Gabriel Medina, Argentina, 2008

Luciano es un personaje. De varias formas. Un “personaje” en sí mismo, personaje involuntario de una serie televisiva exitosa en España y personaje al fin, de la película que estamos viendo. En los tres niveles funciona como un ser disfuncional, un antihéroe del que todos tenemos algo también. Inseguro, al borde del despegue o del hundimiento sin remedio, su relación con las mujeres y los amigos nos descubre a un ser inestable y frágil.

Los paranoicos es una película con momentos bien diferenciados, bloques que se unen por algo que trasciende la mera causalidad. Hay “algo” detrás de las imágenes, un poder hipnótico, una música interna con melodías y ritmos que construyen una narración de una fuerte voz personal. Cada una de las escenas posee identidad propia, con variadas intensidades y tonalidades y va mostrando la evolución de un personaje que, con tropiezos, busca su identidad.

El humor aparece en situaciones inesperadas (el vómito en el baño, la nuez de un amigo averiada accidentalmente) y la banda musical de la película es utilizada dramáticamente y no como un simple acompañamiento de la acción de sus personajes. Escenas como las del baile de Luciano al comienzo y la del mismo Luciano con Sofía casi al final, marcan la película de manera indeleble. Medina confía en las imágenes y las dota de una banda sonora rica en matices.

Puede sonar impropio y apresurado mencionar a uno de los más grandes cineastas argentinos a la hora de hablar de Los paranoicos, pero la figura de Leonardo Favio se cuela por momentos en esta película, a la que con justicia se podría calificar de despareja e irregular, pero no como una falla sino todo lo contrario, como un atributo que le da fuerza y seducción.

Sergio Zadunaisky

Trailer: http://es.youtube.com/watch?v=4-GTqlZQPpE http://es.youtube.com/watch?v=4-GTqlZQPpE

La joven vida de Juno (Jason Reitman, 2007)

Con uno de los comienzos más emotivos que vi en los últimos tiempos, comienza Juno (prefiero su simple pero contundente título original). El personaje principal de la película, convertido en un dibujo animado al estilo de “Despertando a la vida” (Richard Linklater), camina con una canción (que no es de fondo simplemente y que nos habla ya sobre qué va la película) que la acompaña en su recorrido. Sin rodeos, el guión nos sitúa rápidamente en la trama, Juno está embarazada, y tiene solo 16 años. Su tercer test de embarazo vuelve a marcarle con científica contundencia un signo positivo en el cuadrante. Ella intenta cambiarlo de forma moviéndolo con frenesí, ante lo que el farmacéutico le dice: “-No nena, no es como las pizarras mágicas, que cuando las movés desaparece la forma”. Y es así que el signo positivo se convierte no sólo en el denunciante del estado de Juno, sino en el signo que marca a una película “positiva”, que a fuerza de calidez y sentimientos logra su cometido.

Otra vez una película “chiquita” logra colarse en las pomposas marquesinas del Oscar, como ocurrió con Pequeña Miss Sunshine el año pasado. Otra vez los estudios, acostumbrados a los éxitos asegurados, deben rendirse ante la potencia de un director que con un puñado de personajes y muy poco dinero logra hacer una película que no busca complacer, sino hacer disfrutar genuinamente a su espectador.

Sergio Zadunaisky

Link para leer la crítica de ”Gracias por fumar”, de J. Reitman: http://dalecine.blogargentina.com/1195542/

LA REINA es una película que se deja ver solo porque la mano hábil de Stephen Frears se ocupa de llevar adelante la radiografía de una familia real aburrida y sosa imprimiéndole algo de interés y porque Helen Mirren (segura ganadora de un Oscar en pocos minutos) compone su personaje con sutileza e intensidad. La historia se centra en la conmoción y el escándalo que se produjo con la muerte (¿accidental?) de la descastada Lady Di. La familia real carecía de los reflejos necesarios como para acompañar a una opinión pública que requería una respuesta inmediata ante los hechos.

La reina trató de mantener una postura fría y distanciada y solo en contadísimas ocasiones (la escena del ciervo es una de ellas) parecerá quebrarse y mostrarse como un ser humano y no como una figura más tiesa que la que la representa en el museo Madame Tussaud. El recién nombrado Primer Ministro Tony Blair fue el principal beneficiado porque supo entender hacia dónde soplaba el viento e interpretar las demandas de la gente. Y fue él el encargado de tomar las riendas y guiar a la reina por el camino correcto y así mantener el amor de sus súbditos por ella.

No sé si la historia que refleja la película es real o no ( y no es un juego de palabras), pero sí sé que la película arranca con una mirada crítica a la realeza para terminar reivindicándola. Después de todo Frears es un miembro más del reino británico y su otrora miráda crítica al sistema no aparece aquí como en ROPA LIMPIA, NEGOCIOS SUCIOS (1985) o SAMMY Y ROSIE VAN A LA CAMA (1987). Quizás sea porque la familia real, anacrónica y  (lujosamente) polvorienta, está fuera del sistema desde hace mucho tiempo.

Un film medianamente interesante que por suerte no dura más de una hora y media, cosa que hoy en día es un componente más que suficiente para tomar en cuenta a la hora de elegir ir al cine a ver una película.

Sergio Zadunaisky