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DALE CINE PRESENTA

Desgarros y pasiones de un manchego: El cine de Pedro Almodóvar

Coordinado por Sergio Zadunaisky

El cine de Pedro Almodóvar, dotado de una vibrante comunicación lúdica y expresiva, va directo al espectador. Barroco y sensual, narra un universo de emociones que alcanza la identificación del público. Sus películas han convertido, a la manera de Fellini o Hitchcock, el nombre Almodóvar en una marca registrada. El melodrama, la comedia disparatada, el cine negro, la tauromaquia, los amores desgarrados y las pasiones más intensas, son solo algunos de los muchos elementos que configuran la filmografía de un director ecléctico, siempre magnético y atrapante. Antonio Banderas, Carmen Maura, Chus Lampreave, Penélope Cruz, Javier Bardem, Verónica Forqué, son solo algunos de los nombres de esa gran familia que el manchego supo aglutinar con el tiempo. Douglas Sirk, Rainer W. Fassbinder, Fritz Lang, John Cassavetes, Luis Buñuel y Brian de Palma, entre otros, las luces que guiaron/guían su camino.

Dale Cine se complace en invitarte a repasar una de las carreras más intensas del mundo del cine, analizando lo mejor de la obra de Pedro Almodóvar. El curso se dictará en diversos días y horarios en el barrio de Belgrano. Te esperamos.

Link para ver entrevista a Almodóvar en la Televisión española: http://www.youtube.com/watch?v=-3VAbK0LaU0&feature=fvst

 Dinámica de trabajo:

 Ilustración con proyección de cortometrajes y fragmentos de películas del propio Almodóvar y de otros realizadores afines.

Duración: 4 clases de dos horas (de 20 a 22)

Costo: $ 180.-

Lugar: barrio de Belgrano (solo se le dará la dirección a aquellas personas interesadas)

Fecha de inicio: 2 de febrero. Consultas a dalecine@gmail.com

Informes e inscripción: 154 178 2080 / dalecine@gmail.com

 Programa del curso:

 Clase 1

“¿Qué he hecho yo para merecer esto?” (1984)

“La apariencia de mis películas es muy equívoca y en particular en ésta, donde no cuento una historia de amor, sino el horror y las injusticias en las que vive una mujer.. Cuando Carmen (Maura) vio la película me dijo: “¡Qué cruel es el espectador! ¿Cómo puede reírse de todas las desgracias que rodean al personaje? Convierte al personaje en una doble víctima, porque tiene una vida difícil y además la reacción del espectador la convierte en una víctima mayor”.  Lo que cuenta es una historia muy patética, en efecto, pero hay mucho humor en la película y a mí personalmente no me molesta que el espectador se ría cuando la ve”. (Pedro Almodóvar sobre “¿Qué he hecho yo para merecer esto”).

“Matador” (1985/86)

 Con Matador, el director manchego inicia un cine que busca grandes historias de amor y un romanticismo desaforado, alejándose de la frivolidad de sus primeros filmes. Almodóvar regresa a los grandes sentimientos y ancla su cine en las emociones, rozando, en ocasiones, el más absoluto de los ridículos pero saliendo generalmente airoso del trance.

Entrevistador: Matador, realizada en 1986, casi dos años después de “¿Qué he hecho yo para merecer esto?”, es para mí la película más rara de su carrera, la que menos se parece a las demás. Es su única película en la que, a mi juicio, la temática – la muerte, la fascinación por la muerte y el destino – es más importante que la historia relatada, que no hace sino ilustrar la temática muy fuerte de por sí.

Almodóvar: Sí. Yo estoy de acuerdo con que es la más rara de mis películas. Es una película también absolutamente mía en cuanto a lo que quiero contar. Entiendo también que el tema es más importante que la historia (…) Matador es la película más abstracta que he hecho a pesar de que hable de un tema muy concreto como el placer sexual y la muerte. De todas mis películas es la más lejana del naturalismo o de la realidad objetiva.

(Fragmento de una entrevista del libro “Pedro Almodóvar, un cine visceral”, de Frédéric Strauss -Ediciones El País/Aguilar, 1994

Clase 2

 “Mujeres al borde de un ataque de nervios” (1987)

Después de varios años, Iván y Pepa, una pareja de actores de doblaje, deshace su relación, sin que él sepa que ella está embarazada. Mientras espera en vano noticias de Iván, Pepa intenta habituarse a su nueva situación. Su vida se complica aún más cuando llega a su nueva casa su amiga Candela, que huye de la policía porque ésta ha detenido a su novio, un terrorista chiíta y teme que la involucren a ella en el asunto.

Pepa decide conocer a la actual amante de Iván, con lo que sus “nervios” van en aumento. Por si fuera poco, en su vida entra también por casualidad, Carlos, el hijo de su novio, que acude con la retrógrada novia, a ver el piso para alquilarlo. Todos se concentran en la casa, y el cruce de personajes da lugar a toda clase de situaciones divertidas.

“Átame” (1989)

“En “Mujeres al borde…” hablo de la ausencia del hombre y del dolor que produce, y en “Átame!” hablo de la presencia del hombre y del dolor que produce una presencia que uno no ha elegido, lo cual equivale a hablar del matrimonio, en el sentido de la convivencia de dos personas en la misma casa. Me identifico totalmente con esta historia. (…) Comprendo muy bien el principal problema de Ricky: la dificultad que tiene el amante para demostrarle a la otra persona que la quiere, la incertidumbre que tiene sobre si la otra persona sabe cuáles son sus sentimientos, una incertidumbre que siempre hay en el amor.“ (Almodóvar sobre su película).

Clase 3

“La flor de mi secreto” (1995)

Leo Macías es una escritora de novela rosa, que disfruta del éxito bajo el protector pseudónimo de Amanda Gris. Sin embargo, se encuentra en una profunda crisis personal. Su marido es un militar destinado a Bosnia, cuya ausencia ha dejado en suspenso los profundos problemas que atraviesa el matrimonio. 

La Flor de Mi Secreto es una película melancólica, algo oscura y profundamente auto-reflexiva, que marca el punto exacto en que Almodóvar cambia su registro narrativo, dejando tal vez de lado la provocación y le irreverencia para volcarse a un cine mucho más adulto y “maduro.”

“Hable con ella” (2002)

“…Aún carezco de la distancia necesaria para observar mi cine en perspectiva. Cada título es independiente y corresponde a una época distinta. En todo caso, si tuviera que fijar una relación, la establecería entre Hable con ella y Matador, pues en ambas se aborda el universo taurino…

Además de la tauromaquia, Matador y Hable con ella coinciden en otro ingrediente: los lazos que unen el sexo y la muerte. Cuando volví de Los Ángeles, ya tenía muchos apuntes sobre la historia de Hable con ella. Entre ellos, destacaban dos ideas: la de un hombre a quien se le escapan las lágrimas porque acaba de darse de bruces con un momento de extraordinaria belleza –en determinados casos, ésta puede tener algo de horroroso–; y la de una mujer que despierta después de muchos años en estado vegetativo…”

(Almodóvar sobre su película).

Clase 4

 “Volver” (2006)

“No imaginaba que había tanta expectación por nuestro reencuentro. Me sorprende la cantidad de gente que me ha dicho lo contentos que estaban porque Carmen y yo volviéramos a trabajar juntos! Dice una canción de Chavela: “uno vuelve siempre a los viejos sitios donde amó la vida”. Esto se puede aplicar también a las personas.
Siempre existe la incertidumbre, pero afortunadamente la de Carmen se despejó en los primeros trabajos de mesa.

En el guión de “Volver” hay una larga secuencia, casi un monólogo, porque sólo habla el personaje de Carmen, la abuela fantasma. En dicha secuencia Carmen explica a su hija del alma, Penélope Cruz, las razones de su muerte y las de su vuelta, a lo largo de seis intensas páginas y seis no menos intensos planos. Esta secuencia es una de las razones por las que yo quería rodar la película. He llorado todas y cada una de las veces que he corregido el texto (como el personaje que interpretaba Kathleen Turner en “Tras la esmeralda perdida”, una ridícula escritora de novelas rosa, muy kitch, que lloraba mientras escribía).
La noche que la rodábamos todo el equipo era consciente de su importancia. Había mucha expectación. Esto ponía un poco nerviosa a Carmen que quería abordarla cuanto antes.
Desde “Mujeres…” hasta el “monólogo de Volver” Carmen no ha cambiado como actriz, y descubrirlo ha sido maravilloso.”

(Almodóvar sobre su película).
“Los abrazos rotos” (2009)

Un hombre (Lluís Homar) escribe, vive y ama en la oscuridad. Catorce años antes sufrió junto a Lena (Penélope Cruz), la mujer de su vida, un brutal accidente de coche en la isla de Lanzarote que lo dejó ciego. Este hombre usa dos nombres, Harry Caine, lúdico seudónimo bajo el que firma sus trabajos literarios, relatos y guiones y Mateo Blanco, su nombre de pila real, con el que vive y firma las películas que dirige. En la actualidad, Harry Caine vive gracias a los guiones que escribe y a la ayuda de su antigua y fiel directora de producción, Judit García (Blanca Portillo), y de Diego (Tamar Novas), el hijo de ésta, secretario, mecanógrafo y lazarillo. Desde que decidiera vivir y contar historias, Harry es un ciego activo y atractivo que ha desarrollado todos sus otros sentidos para disfrutar de la vida, a base de ironía y una amnesia autoinducida. Ha borrado de su biografía toda sombra de su primera identidad, Mateo Blanco. La historia de Mateo, Lena, Judit y Ernesto Martel es una historia de amour fou, dominada por la fatalidad, los celos, el abuso de poder, la traición y el complejo de culpa…)

A la altura de sus obras mayores, aunque sin alcanzar momentos de emoción deslumbrante, el cerebro de este director singular compone colores, encuadres y diálogos para crear su peculiar arte en la pantalla, manejando contenido, tiempo y espacio bajo una estricta voluntad. Y de nuevo, por encima de la brillantez de su guión y dirección, unos personajes centrales colosales (sin palabras para las recreaciones de Homar y Cruz), y una colección de secundarios de gran fuerza e intensidad, que parecen tener un pasado y un futuro antes de asomarse ante nuestras pupilas.

 DALE CINE PRESENTA

CINE DE VERANO BAJO LAS ESTRELLAS - Coordinado por Sergio Zadunaisky

La película se proyecta al aire libre. La función se realizará igualmente en caso de mal tiempo o lluvia.

Capacidad limitada. Sólo con reserva previa por mail a dalecine@gmail.com o al 154 178 2080, dejando mensaje con nombre, teléfono y número de inscriptos.

Viernes 14 de enero, 21.30 hs

El hueso de invierno (Winter´s bone, Debra Granik, 2010) Duración: 100 minutos 

Sobre la película

Aclamada cinta de cine independiente que narra la historia de Ree Dolly (Jennifer Lawrence), una adolescente que busca a su padre, un hombre con antecedentes penales y libertad bajo fianza, que se encuentra desaparecido. Todo parece indicar que ha vuelto a negocios turbios del pasado.

Premios y nominaciones

Sundance: Gran premio del jurado, mejor guión

Independent Spirit Awards: 7 nominaciones (entre ellas, mejor película) 

Comentarios de la crítica

“En muy pocas ocasiones, una película se mete por debajo de nuestra piel con fascinante autenticidad, reforzando nuestra fe en el poder maravillosamente evocador de la narración cinematográfica. ‘Winter’s Bone’ es incuestionablemente esa película” (Claudia Puig: USA TODAY)

Intensa, absorbente y controlada, ‘Winter’s Bone’ es una película con alma de cine de autor dentro de una apariencia de serie B y demuestra ser una potente combinación” (Kenneth Turan: Los Angeles Times)

“Es su esqueleto noir lo que le da garra a este drama de realismo social, como si Humphrey Bogart se hubiera convertido en una chica de 17 años arrojada en el rincón más miserable de América (…) Rating: **** (sobre 4)” (Ty Burr: Boston Globe)

Datos del evento

La propuesta es para el viernes 14 de enero a las 21.30 a metros de Cabildo al 4700 (solo con reserva previa, dejar mensaje con número de teléfono y número de reservas para recibir la dirección exacta). Al término de la proyección habrá un debate y se servirá una bebida a los asistentes.

Costo: 30 pesos por persona.

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 CINE DE VERANO BAJO LAS ESTRELLAS - Coordinado por Sergio Zadunaisky

Domingo 2 de enero, 20.15 hs: En julio (Im juli, Fatih Akim, 2000) Duración: 100´

Daniel es un joven maestro en receso, quien, en contraste con todos los demás, planea quedarse en Hamburgo durante el verano. Juli, una chica del mercado de pulgas, está enamorada de él y para acercarse logra venderle un anillo maya que tiene dibujado un sol. Una profecía, divertidas historias que llevan a un lugar, variopintas mujeres que se cruzan por el camino y por la vida de nuestro héroe. Con un estilo fresco, delicioso con impactantes colores y una banda de sonido maravillosa, Im juli es una comedia optimista que nos lleva a reflexionar acerca del destino, el azar y los “camino de la vida”.

Datos del evento

La propuesta es para el domingo 2 de enero a las 20.15 horas a metros de Cabildo al 4700 (solo con reserva previa, dejar mensaje con número de teléfono y número de reservas para recibir la dirección exacta). Al término de la proyección habrá un debate y se servirá una bebida a los asistentes.

Costo: 30 pesos por persona.

La película se proyecta al aire libre. La función se realizará igualmente en caso de mal tiempo o lluvia.

Capacidad limitada. Se ruega hacer reservas con anticipación por mail a dalecine@gmail.com o llamando al 154 178 2080, dejando mensaje con nombre, teléfono y número de reservas. Lox esperamos!

CURSO EN CRACK-UP

“La palabra en movimiento: Los escritores en el cine”

Dictado por Sergio Zadunaisky

“Creo en muchas cosas: una de ellas es la literatura,

 de no ser así no escribiría. Creo en las fuentes de

la vida, una de ellas ha sido  para mí, el cine”.

“He aprendido más a escribir con el cine que con la literatura en sí, es decir, muchas de mis referencias son más cinematográficas que literarias. O si tú quieres, literarias a través del cine”.

                                                          Guillermo Cabrera Infante  

“El cine no es literatura”.

                                                           Jean Claude Carriere

En este curso te invitamos a adentrarte, desde diferentes ópticas, en el mundo de los escritores en el cine. Durante cuatro clases, tomaremos diversos largometrajes que de una u otra manera se relacionan con el universo de la creación literaria, los libros y los guiones cinematográficos. Tomaremos a Raymond Chandler y Paul Auster, dos grandes narradores que pasaron al campo del cine, el primero trabajando con Billy Wilder en “Pacto de sangre”, obra maestra del film noir y el segundo, guionando junto a Wayne Wang una historia basada en un relato corto de su autoría. Analizaremos la delgada línea que separa a la ficción literaria de la realidad con dos películas emblemáticas sobre el tema, “Los secretos de Harry” (Woody Allen) y “Expiación, deseo y pecado” (Joe Wright). Veremos cómo el cine tomó a dos de las más grandes figuras de las letras, para reflejar su vida y su esencia, Truman Capote (“Capote”) y Virginia Woolf (“Las horas”) y conoceremos más acerca del mundo de los guionistas y su oficio, con “Barton Fink” (Joel Coen) y “El ladrón de orquídeas” (Spike Jonze).

Las películas no se verán enteras en la clase, por eso se pide a los participantes que miren las películas antes de cada uno de los encuentros.

Datos del curso

Fecha de inicio 

Jueves  6 de enero a las 19 horas en la librería Crack-Up, Costa Rica 4767, Palermo. 

Arancel

180 pesos.

Informes e inscripción

4831.3502 | libros@crackup.com.ar |

| dalecine@gmail.com |154 178 2080

PROGRAMA

JUEVES 06 – CLASE 1 ESCRITORES QUE ESCRIBEN PARA EL CINE: RAYMOND CHANDLER (Pacto de sangre, 1944)

PAUL AUSTER (Cigarros, 1995)

Pacto  de sangre (Double indemnity, Billy Wilder, 1944)

Fred MacMurray es un vendedor de seguros que, en connivencia con Barbara Stanwyck, elabora un plan para asesinar al marido de ella y quedarse con el dinero de su seguro. Obra cumbre del género, uno de los ejercicios de suspense más fascinantes de todos los tiempos. 

El guión que Chandler y Wilder escribieron no sin tensiones (lo cual colaboró seguramente a lograr un texto tan cáustico y brillante), conseguía incluso mejorar la magnífica novela de James M. Cain. Hasta el mismo escritor reconoció que le hubiera gustado que se le hubieran ocurrido algunas de las cosas que ahora añadían los guionistas, como la confesión de Neff.  Los  magníficos diálogos entre los protagonistas del film, verdadera lección de escritura cinematográfica, nos recuerdan que a veces un personaje puede ser mucho más atractivo por lo que piensa que por lo que dice. Los personajes del cine negro nos obligan a leer entre líneas, a intentar fisgonear en su negra alma a través de unas palabras vacías de sentimentalismo explícito y falsa moral. 

Cigarros (Smoke, Wayne Wang, 1995)

Cigarros nació por el deseo de Wayne Wang de trabajar junto a Paul Auster. Seducido por un relato del narrador norteamericano, (“Cuento de Navidad de Auggie Wren”), Wang lo convenció para que escribiera el guión de la película.

Brooklyn, verano de 1987. Un grupo de personas que frecuenta el estanco de un barrio de esa zona de Nueva York. Auggie Wren (Harvey Keitel), el estanquero, es el gran confidente de todos ellos. La rocambolesca historia de cómo consiguió su cámara fotográfica y de por qué se decidió a elaborar su singular colección de fotografías -el mismo encuadre de la casa de enfrente a lo largo de 14 años- le dará por fin un argumento a Paul Benjamin (William Hurt), prestigioso novelista en crisis creativa. Paul, a su vez, ayudará a Rashid (Harold Perrineaud Jr.), un adolescente negro algo perdido, en la búsqueda de su padre. Éste resulta ser Cyrus (Forest Whitaker), un modesto mecánico que intenta recomponer su vida. El círculo vital se cierra cuando estos contactos humanos implican de tal modo al propio Auggie que le obligan a asumir su olvidada responsabilidad respecto a Ruby (Stockard Channing), una antigua novia con la que tuvo una hija (Ashley Judd), que ahora, ya adolescente, pasa por un momento muy difícil. 

JUEVES 13 – CLASE 2: LA ESCRITURA Y LA VIDA, CRUCES Y RELACIONES:

LOS SECRETOS DE HARRY (WOODY ALLEN)

EXPIACIÓN, DESEO Y PECADO (JOE WRIGHT)

Los secretos de Harry (Deconstructing Harry, Woody Allen, 1997)

Allen cuenta la historia de un escritor en plena crisis creativa. El hilo argumental de la película es un seguimiento de historias donde se mezclan la ficción y la realidad.

Harry Block prefiere refugiarse en la ficción y vivir en ese mundo antes que afrontar la realidad. Es un escritor de éxito de mediana edad que con frecuencia ha utilizado como fuente sus experiencias sentimentales y familiares para escribir sus obras. Como resultado, la mayor parte de sus amigos, sus parientes y sus ex-mujeres, que se han visto reflejados y deformados en sus personajes, le odian. Por ello le resulta complicado encontrar a alguien que le acompañe en el viaje que ha de llevarle a su vieja universidad, que va a rendirle un homenaje. 

Expiación, deseo y pecado (Atonement, Joe Wright, 2007)

En el verano de 1935, Briony Tallis (Saoirse Ronan), una precoz escritora de 13 años, cambia irremediablemente el curso de varias vidas cuando acusa al amante de su hermana mayor Cecilia (Keira Knightley), al joven Robbie Turner (James McAvoy), de haber cometido un crimen en el que no tuvo nada que ver.

El británico Joe Wright vuelve a contar con gran parte del equipo técnico y artístico de ”Pride & prejudice” (Orgullo y prejuicio) en este melodrama de tintes trágicos, con el amor y la culpa en la retaguardia de dos hermanas que quisieron al mismo hombre, aunque una lo hiciese con un amor pasional y la otra por puro capricho infantil. Amor en tiempos de guerra para una historia imposible que sólo la literatura y el cine podían enmendar, y eso gracias a la imaginación de una escritora que responde al nombre de Briony, aunque quizá deberíamos decir a Ian McEwan y a su novela, adaptada aquí extraordinariamente por Christopher Hampton.

JUEVES 20 – CLASE 3 ESCRITORES EN PANTALLA:

VIRGINIA WOOLF (LAS HORAS)

TRUMAN CAPOTE (CAPOTE)

Capote (Capote, Bennett Millar, 2005)

En noviembre de 1959, el escritor Truman Capote lee un artículo en el New York Times que relata el sangriento asesinato de los cuatro miembros de la familia Clutter en su granja de Kansas. Aunque sucesos similares aparecen en los periódicos todos los días, algo llama la atención de Capote, que quiere utilizar este caso para demostrar una teoría: en las manos de un escritor adecuado, la realidad puede resultar tan apasionante como la ficción. Junto a su amiga Harper Lee, Capote consigue que la revista The New Yorker le envíe a Kansas para cubrir la noticia. Su voz aniñada, su amaneramiento y su peculiar forma de vestir despiertan en un principio la hostilidad en esa zona del país, pero Capote se gana pronto la confianza de los lugareños y la del agente encargado de la investigación, Alvin Dewey.  

Las horas (The hours, Stephen Daldry, 2002)

Historia de 3 mujeres a la búsqueda de un sentido en sus vidas. Cada una de ellas vive en una época diferente, pero las tres están unidas por sus anhelos y sus miedos. Virginia Woolf, en un suburbio de Londres a principio de los años veinte, lucha contra su locura mientras empieza a escribir su primera gran novela, “Mrs. Dalloway”. Larua Brown, una esposa y madre de Los Ángeles a finales de la Segunda Guerra Mundial, lee “Mrs. Dalloway” y la encuentra tan reveladora que empieza a considerar un cambio radical en su vida. Clarissa Vaughan, una versión contemporánea de “Mrs. Dalloway”, vive en la actualidad en la ciudad de Nueva York, y está enamorada de su amigo Richard, un brillante poeta enfermo de SIDA.

JUEVES 27 – CLASE 4: EL UNIVERSO DEL GUIONISTA:

BARTON FINK (JOEL COEN) 

EL LADRON DE ORQUÍDEAS (SPIKE JONZE)

Barton Fink (Joel Coen, 1991)

En esta película, queríamos que el espectador estuviera todo el tiempo desestabilizado, como el mismo personaje de Barton” (Joel & Ethan Coen).

En 1941, el guionista Barton Fink viaja a Hollywood para escribir una película sobre el luchador Wallace Berry. Durante su estancia en el Hotel Earle, Barton sufre de un severo bloqueo intelectual. Su vecino, un jovial vendedor de seguros, trata de ayudar, pero Fink sigue luchando con una serie de desafortunados eventos que lo alejan más y más de su tarea original. 

Esta historia, según sus creadores, surge como una catarsis, luego del bloqueo creativo ante el guión de “De paseo a la muerte”. Ellos querían escribir algo especialmente para John Turturro y John Goodman. Nace así la historia de Barton Fink, un reputado escritor de la “intelligentzia” de la costa este americana que es tentado para ir a trabajar a Hollywood.

El ladrón de orquídeas (Adaptation, Spike Jonze, 2002)

El dúo Spike Jonze & Charlie Kaufman propone con ‘Adaptation’ una genial y transgresiva cinta sobre la dificultad de adaptar una novela imposible de llevar al cine

A pesar del éxito logrado con el primer guión que produjo y por el cual recibió una nominación al Oscar, Charlie Kaufman (Nicolas Cage) está plagado de inseguridades tanto en su carrera como en su vida personal. Cuando es con-tratado para adaptar “El ladrón de orquídeas”, un libro acerca del fanático injertador de orquídeas John Laroche (Chris Cooper), Charlie se queda completamente perplejo. Aunque en la superficie el libro trata de las aventuras de Laroche como colector furtivo de orquídeas en los Everglades de la Florida, en el fondo la historia trata del deseo que existe en todos nosotros de experimentar la pasión. Este deseo se ha apoderado de la vida de la autora del libro, Susan Orlean (Meryl Streep), y Charlie se da cuenta de que a él le sucede lo mismo.

Desde este 24 de noviembre y durante 4 clases te invito  a conocer más sobre el mundo y las películas de Hitchcock en el  curso “Espiando a Alfred Hitchcock”, que dictaré de forma virtual en Cinescuela.  Para obtener más información e inscribirte entrá a http://www.cineescuela.com/notas.php?id=255

En este programa de Cine son fornteras nos dedicamos a desmenuzar (o a “destripar”, sería el término más adecuado para este caso?) dos versiones de “Halloween”, la primera y fundacional, de John Carpenter, de 1978 y la más actual, del cineasta y músico Rob Zombie (2007). Las opiniones estuvieron divididas, a vos, cuál de las dos te gustó más?

“Cine sn fronteras” es un emprendimiento radial generado por personas de diferentes países. Adolfo Gorosito, uruguayo radicado en Miami, Luis Hernández y Fidel Santiago, desde las tierras mexicanas y yo, Sergio Zadunaisky, desde Buenos Aires, Argentina.

El programa va variando de temas semanalmente. El que posteo aquí va sobre el fenómeno (?) del cine en 3 D, formato que personalmente no me convence como herramienta para una película.

Hoy vamos a dedicarnos a “Red social”, de David Fincher y repasaremos “Pecados capitales” (Seven, 1995) del mismo realizador.

Acá te dejamos parte del programa y la secuancia de títulos de Seven.

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ENCUENTRO CON EL CINE INGLÉS - Un curso dictado por Sergio Zadunaisky

Detalle de la programación del curso

CLASE 1

MIÉRCOLES 03/11: 20 A 22

SABADO 06 /11: 11 A 13

Breve Encuentro (Brief encounter, David Lean, 1945)

La casualidad hace que un hombre y una mujer, ambos de edad madura y casados, coincidan en la estación de tren cuando se dirigen a sus trabajos. Su amistad inicial pronto se convertirá en un amor tan intenso como prohibido

Una historia sencilla, con personajes comunes y fácilmente reconocibles, que ganó varios premios, entre ellos el Gran Premio del Festival de Cannes y 3 nominaciones al Oscar (mejor director, actriz y guión).

El sirviente (The servant, Joseph Losey, 1963)

Un intrigante y maquinador mayordomo consigue, gradualmente, dominar la vida del señor al que sirve. Ambos pertenecen a distintas clases sociales, pero aprovechándose de sus debilidades sexuales, el sirviente será capaz de manejar la relación a su  voluntad. Radiografía despiadada de las paradójicas relaciones de poder entre las clases sociales de la Inglaterra de los 60, un tenso y adulto drama psicológico basado en una novela de Robin Maugham, con guión de Harold Pinter, que obtuvo excelentes críticas.

CLASE 2

MIÉRCOLES 10/11: 20 A 22

SABADO 13/11: 11 A 13

Sábado noche, domingo mañana (Saturday night, Sunday morning; Karel Reisz, 1960)

Arthur Seaton, joven agrio y rebelde, empleado de una fábrica en un pueblo de Inglaterra, trata de huir de la rutina semanal bebiendo y divirtiéndose cuanto puede los fines de semana. Su única meta en la vida es pasarlo lo mejor posible. Mantiene una relación con la mujer de un compañero, pero todo se complica cuando se queda embarazada. Mientras, conoce a una joven de estricta moral de la que se enamora, sin embargo, le exige un compromiso serio… 

La soledad del corredor de fondo (The loneliness of the long distance runner, Tony Richardson, 1962)

Colin Smith es un joven de clase obrera que vive en los alrededores de Nottingham. Un día, comete un robo en una panadería y es enviado a un reformatorio, donde cumplirá condena. Una vez allí, empieza a correr y, gracias a sus cualidades como corredor de fondo, va ganando puestos en la institución penitenciaria. Durante sus entrenamientos, piensa en su vida anterior y empieza a ver que la situación actual en la que se encuentra es privilegiada.

En los años sesenta el Free Cinema inglés, al igual que la Nouvelle Vague, retrató a menudo la juventud de su época, centrándose especialmente en sus elementos más conflictivos, su relación con una sociedad que detestaban, y los métodos educativos, represivos y obsoletos, con los que ésta intentaba reeducarlos. Tres años más tarde que “Los 400 golpes”, del francés Truffaut, pero seis antes de “If…”, de su compatriota Anderson, Richardson dirigía esta excelente obra, en la que un joven internado en un reformatorio desahoga su frustración y rabia corriendo. La magnífica interpretación de Courtenay, el inteligente intercalado de flash-backs para contar la vida anterior del protagonista, y la contundente dirección de Richardson, se quedan en la retina. El final, sencillamente impecable.

CLASE 3

MIÉRCOLES 17/11: 20 A 22

SABADO 20/11: 11 A 13

Secretos y mentiras, (Secrets and lies, Mike Leigh, 1996)

Acuciada por la muerte de su madre adoptiva, Hortense (Marianne Jean-Baptiste), una joven optometrista negra, decide iniciar la búsqueda de su madre biológica. En cuanto la maquinaria burocrática se pone en marcha ya no hay vuelta atrás, así se lo advierte la asistenta social que la guía en el proceso. También deja caer que va a ser un camino doloroso, porque quien busca la verdad corre el riesgo de encontrarla. Hortense no sabe que ella es el secreto de una familia, el secreto de una madre que la dio en adopción nada más nacer. Una señora —Cynthia (Brenda Blethyn)— que además es blanca, vive en un suburbio de Londres y trabaja en una fábrica para pagar el alquiler de la casa que comparte con su hija Roxanne (Claire Rushbrook).

El británico Leigh ha hecho de sus películas contundentes y muy personales crónicas alrededor de su sociedad. Intransferiblemente inglés como muy pocos de sus contemporáneos, ha sabido mantenerse tercamente alrededor de la idiosincrasia que tanto le interesa y que se ha visto reflejada en toda su dimensión a través de su cine. Es por ello que el universo familiar, base de cualquier cultura o nación, se convierte en el escenario más recurrente en el que nos describe las relaciones afectivas y las características de su gente con gran detallismo y esfuerzo, aunque la limpieza con la cual se hace de los mecanismos de géneros como el melodrama o la comedia costumbrista lo disimulen. Esta película registra esa vuelta de tuerca a motivos conocidos de manera brillante. Es la historia de una familia desarraigada a través de los años por diversos motivos, el mal de los raudos tiempos que corren asoman por sus rostros con el gesto de la insatisfacción. Melodrama atípico en el que las caretas impuestas habrán de caer ante una postergada revelación.

This is England (Idem, Shane Meadows, 2006)

Aclamada cinta británica de cine independiente ambientada en los años ochenta. This Is England es la historia de unas vacaciones escolares, esas largas semanas de verano que transcurren entre un curso escolar y otro, cuando pueden producirse acontecimientos que marcan un cambio en la vida. Estamos en 1983, y los colegios están de vacaciones. Shaun, que tiene 12 años, es un niño solitario que crece en un pueblo costero muy gris, cuyo padre ha muerto en combate en la guerra de Las Malvinas. En el transcurso de esas vacaciones, encuentra nuevos modelos masculinos cuando le “adoptan” los cabezas rapadas (skinheads) locales. Con sus nuevos amigos, Shaun descubre un mundo de fiestas, conoce su primer amor y descubre los encantos de las botas Dr. Martins. Es entonces cuando conoce a Combo (Stephen Graham) un skin racista, mayor que él, que acaba de salir de la cárcel. Mientras la banda de Combo acosa a las minorías étnicas locales, todo parece preparado para el arranque de un proceso de maduración que llevará a Shaun de la inocencia a la experiencia.

CLASE 4

MIÉRCOLES 24/11: 20 A 22

SABADO 27/11: 11 A 13

Expiación, deseo y pecado, (Atonement, Joe Wright, 2007)

En el verano de 1935, Briony Tallis (Saoirse Ronan), una precoz escritora de 13 años, cambia irremediablemente el curso de varias vidas cuando acusa al amante de su hermana mayor Cecilia (Keira Knightley), al joven Robbie Turner (James McAvoy), de haber cometido un crimen en el que no tuvo nada que ver.

El británico Joe Wright vuelve a contar con gran parte del equipo técnico y artístico de ”Orgullo y prejuicio” (2005) en este melodrama de tintes trágicos, con el amor y la culpa en la retaguardia de dos hermanas que quisieron al mismo hombre, aunque una lo hiciese con un amor pasional y la otra por puro capricho infantil. Amor en tiempos de guerra para una historia imposible que sólo la literatura y el cine podían enmendar, y eso gracias a la imaginación de una escritora que responde al nombre de Briony, aunque quizá deberíamos decir a Ian McEwan y a su novela, adaptada aquí extraordinariamente por Christopher Hampton.

El viento que acaricia el prado, (The wind that shakes the Barley, Ken Loach, 2006)

Esta película recibió la Palma de Oro en el Festival de Cannes, un galardón que muchos entendieron como el reconocimiento global a la carrera de su autor. El muy prolífico Ken Loach pasaría por una especie de guerrillero del cine: que hay que denunciar injusticias y hacer crítica social en casa, Inglaterra, tiene donde elegir (“Rainig stones”, “Ladybird, Ladybird”, “Mi nombre es Joe”); que toca hacer una incursión en los desequilibrios de Centroamérica, “La canción de Carla”; darse una vuelta por los derechos de los hispanos en EEUU, ”Pan y rosas“; rastrear la Guerra Civil Española, “Tierra y libertad”.

La vida de dos hermanos se ve marcada por las dos guerras consecutivas que vivió Irlanda desde el 1919 hasta el 1923. La primera debida a la ocupación del imperio británico y la segunda es la guerra civil irlandesa, causa y causante de las futuras escisiones y variantes del IRA. No se basa en personajes históricos ni eventos concretos. Se nos explica el día a día de una pequeña aldea irlandesa y cómo se sufría en un paraje así la ocupación británica. El director no ahorra esfuerzos en poner a los invasores británicos como auténticos seres despiadados, sometiendo a torturas, vejaciones e insultos gratuitos a toda la población irlandesa. Tras ver la película uno se queda con la sensación de que los irlandeses no tuvieron otro remedio que alzarse en armas y formar un ejercito revolucionario. Un film que busca agitar conciencias y se universaliza en su historia.

TODOS LOS CAMINOS CONDUCEN A FELLINI

Un curso de cine dictado por Sergio Zadunaisky

Histriónico, imprevisible, tierno, sensible, ingenioso, mordaz… son solo algunos de los adjetivos con los que se ha definido al maestro Federico Fellini. Creador de un universo cinematográfico mágico y poético de un marcado carácter autobiográfico, Fellini es uno de los directores más controvertidos e imitados de la historia. Sus filmes presentan un mundo en el que la remisión a una realidad que coexiste con lo fantástico es la condición misma de la existencia de unos personajes situados a medio camino entre lo cotidiano, lo grotesco y el delirio poético. Para el italiano, no es necesario que las cosas que se ofrecen sean auténticas, lo que debe serlo es la emoción que se advierte cuando se ve, cuando se expresa. Su vasta influencia llega a directores de la talla de Martín Scorsese, David Lynch, Emir Kusturica, Woody Allen, Wes Anderson y Tim Burton, entre otros.

En este curso analizaremos sus filmes más importantes, en donde podremos ver su recorrido desde las fuentes del neorrealismo italiano hasta la consolidación de un lenguaje propio, que llegaría a convertirse en una verdadera marca registrada (lo comúnmente denominado “Fellinesco”). También fragmentos de películas de otros directores relacionados y del documental “Soy un gran mentiroso”, sobre el propio Fellini.

Comenzamos el primer lunes de octubre a las 20 horas en Sucre 2725,  barrio de Belgrano. Para recibir  más detalles acerca de éste y otros cursos de Dale Cine, escribinos a dalecine@gmail.com o llamá al 154 178 2080.

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PERFIL DEL DOCENTE

Sergio Zadunaisky

Egresó como realizador de la Escuela de Cine de Avellaneda. También desarrolló cursos y seminarios con Rodolfo Hermida, Krzysztof Kieslowski, Mauricio Kartun y María Inés Andrés, entre otros.

Desde 1995 se dedica a desarrollar actividades relacionadas con el cine. Entre ellas los cursos “Qué es el cine” (introducción al lenguaje, historia y estética del cine), “Grandes directores de la historia” (análisis de la vida y la obra de David Lynch, Alfred Hitchcock, Luis Buñuel, John Cassavetes, Werner Herzog, Francis Coppola, Pedro Almodóvar, Tim Burton, entre otros), “Cine y pintura”, “Las ciudades en el cine”, además de cursos de guión y estructura dramática. También encuentros de análisis de estrenos y cine – debate. Coordina y programa ciclos de proyecciones para adultos y para niños y hace ciclos de cine argentino para extranjeros.

También desarrolla actividades para grupos en casas particulares.

Algunos de los lugares en los que ha desarrollado estas actividades: C. C. Konex, C. C. Borges, Hospital de Niños, UBA, Universidad Maimónides, Espacio Y , Venática Usina Creativa, Fundación de Musicoterapia Profesor Dr. Rolando Benenzon, Espacio Björk, Fundación Agulla y Baccetti y las librerías Crack-up, Boutique del libro, Eterna Cadencia y Espacio Prometeo.

Escribió crítica de cine en varias publicaciones, entre ellas la revista “Leer Cine” y el sitio web “Cineismo”. Desarrolló un blog propio, en donde difunde sus actividades.

Películas de Fellini que se analizarán en el curso:

Clase 1

-El sheik (1952)

Un joven matrimonio llega a Roma en viaje de luna de miel, pero la chica -fanática de las fotonovelas- se pierde en la ciudad buscando a su héroe y amor imposible, el Sheik Blanco, interpretado por Alberto Sordi. Mientras, su esposo la busca a ella y por separado tienen toda clase de aventuras, ridículas o extrañas. Comedia negra que se ríe de la devoción popular a las estrellas, El Sheik Blanco es considerado por muchos como el primer gran filme de Fellini. En el guión colaboró un entonces desconocido Michelangelo Antonioni.

-Los inútiles (1953)

Fellini nos cuenta la no-vida de un grupo de jóvenes habitantes de una ciudad de provincias en la Italia de los ´50. Ya pasada la posguerra y con el país en plena recuperación, pero aun con miseria y necesidad, el director nos acerca a ver de cerca a un grupo de jóvenes que nunca han conocido el hambre o el sufrimiento. Su vida consiste en salir de fiesta por la noche, al bar o el billar, intentar ligar con alguna de las chicas del lugar, llegar tarde por la noche, dormir hasta el mediodía, y repetir la misma rutina día tras día. Solo uno de ellos puede tomar conciencia de la realidad en que vive para tomar una decisión que le cambie su vida.

Clase 2

-La strada (1954)

Recorriendo el mundo con su espectáculo, el vigoroso Zampanò conoce por casualidad a una pobre y numerosa familia campesina, que le vende por poco dinero a la graciosa Gelsomina. Violento y posesivo, Zampanò obliga a la chica a acompañarlo en sus actuaciones, en las cuales la ridiculiza sin escrúpulos mientras él parte cadenas ante un público incrédulo.

La Strada es una de las películas de Fellini, que pertenecen a la etapa más cercana al neorrealismo en la carrera del cineasta. Período que comprende desde la película Luci dil varietà (1950) hasta la La dolce vita,(1961).

-La dolce vita (1960)

“El primer gran film “social” de Fellini, su primer gran retablo histórico, su primer intento también de hacer un retrato que aúne simultaneidad y pluridimensionalidad. (…) Es el inicio de su obsesión de hacer un film-fresco que pueda ser abarcado en sus múltiples detalles con un solo golpe de vista. El objetivo elegido es la sociedad italiana que eufóricamente deja la década de los cincuenta, que quiere olvidar definitivamente el horror de la guerra y la miseria de la posguerra, que pretende construir un sistema de vida basado en la irresponsabilidad, el confort y la relatividad moral, que quiere tapar sus desgarrones con la doble moral y el silencio censor”. (Brunello Rondi, guionista de La Dolce Vita).

Clase 3

-Fellini  8 ½ (1963)

Aunque su título original iba a ser “La bella confusione(la bella confusión)” Fellini lo dejó simplemente en “8 y 1/2″, ya que esta película según el propio cineasta, hacía la número 8 y medio en su filmografía, contando con que su anterior obra, “Bocaccio 70″ fue un proyecto “sui generis” en el que 4 directores italianos; Vittorio De Sica, Mario Monicelli, Luchino Visconti y el propio Fellini acometieron la tarea de adaptar a la gran pantalla historias del celebérrimo poeta toscano, Bocaccio…
Fellini, en este retrato semi-autobiográfico (con Fellini nunca sabemos qué es verdad y qué no) nos habla a su manera del conflicto creativo de un autor (Marcello Mastroianni, su alter ego ideal) en plena etapa de confusión, tal y como quería darnos a entender su titulación original…
Películas como “Stardust Memories” y en menor medida “Los secretos de Harry”, ambas de Woody Allen son evidentes deudoras de la forma y fondo de esta emblemática cinta del director italiano.

-Amarcord (1973)

Película realizada por Federico Fellini, entre Roma (1972) y Casanova (Il Casanova de Federico Fellini, 1976), vista hoy en día, continúa revelándose como un hito; una crónica nostálgica y personal, impregnada de la poesía y de la dosis de surrealismo tan propia de sus obras, que abraza sin ningún tipo de pudor la adolescencia del propio autor. Con 53 años a su espalda, el viejo Fellini regresaba a una región casi irreconocible por la bruma que el paso del tiempo había depositado en ella, el territorio de su infancia y juventud. En Amarcord, Fellini echó mano a sus recuerdos infanto-juveniles para elaborar una obra de un marcado tono nostálgico. Sin embargo, el recuerdo poco tiene que ver con un testimonio fidedigno del pasado. En el recuerdo, la imaginación disfruta de espacios abiertos para campar a sus anchas. El pasado puede ser evocación de un tiempo que no regresará jamás. No obstante, esta verdad de Perogrullo no esconde que, en ocasiones, la mentira se pueda convertir en la proyección del presente porque vemos lo que ocurrió, no como de verdad aconteció, sino embriagados por el aroma de la idealización —cosa ésta, bastante más atractiva que la propia realidad.

Clase 4

-Y la nave va (1983)

“Hay quien ha querido ver en Ensayo de orquesta, La città delle donne, E la nave va, Ginger e Fred, La voce della luna, variaciones metafóricas sobre la situación política de Italia, sobre la sensación de inminente colapso del sistema, sobre la pérdida de capacidad comunicativa, sobre el triunfo de los rumores y de un caos irreversible.

El velo fúnebre que poco a poco se extiende sobre la escena felliniana nace también del proceder sincrónico, de catástrofe en catástrofe, hasta alcanzar dimensiones apocalípticas. E la nave va, por ejemplo, predice la llegada del íncubo nuclear y sugiere, mediante sólo dos elementos, el hombre y el rinoceronte, una versión minimalista del arca de Noé. Es el fin del mundo, que Italo Calvino señala como uno de los temas más recurrentes del último Fellini. De entre sus películas, E la nave va es quizá la más explícita en este sentido, pero también la que menos quiere imponer este tipo de pathos. Como si todos hubiéramos comprendido que el fin del mundo es nuestro hábitat natural y no pudiéramos imaginarnos una forma distinta de vivir. Aunque durante más de una década Fellini se enfundó los hábitos de una Casandra mediática, también tuvo la capacidad de seguir confiando en el futuro del cine y en la posibilidad de hacer películas y de conseguir encontrar siquiera un punto de fuga y de salvación, una isla en la que refugiarse junto con sus personajes y continuar dando vida a los fantasmas de su imaginación.”

Gian Piero Brunetta, en Dizionario dei registi del cinema mondiale, Einaudi, 2005.

-Ginger y Fred (1986)

Fiametta Profili, asistente personal de Fellini, asegura que en los últimos años, el director italiano (siempre dispuesto a la improvisación, gustase esto o no a sus actores) sólo escribía historias de una página y que los productores tenían que elaborar la película a partir de ahí. No es difícil imaginar que fuese eso mismo lo que precisamente ocurrió con Ginger y Fred, una película construida en torno a una idea básica, el reencuentro de Amelia y Pippo, dos bailarines, que en su época de gloria formaban una inseparable pareja que imitaba al dúo de baile por excelencia, Fred Astaire y Ginger Rogers, pero que no se ven desde hace treinta años, tras truncarse su relación profesional. El motivo de la reunión: la participación de ambos en un programa especial de Navidad. La pareja protagonista es también la pareja de actores favorita de Fellini, que sin embargo no había compartido antes la pantalla: su esposa, Giuletta Masina, y Marcello Mastroianni. Era Claudia Cardinale la que decía que Mastroianni era el actor preferido de Fellini, además de su mejor amigo, para terminar concluyendo que ambos eran una misma persona. Desde este singular punto de vista también sería posible contemplar el reencuentro ficticio de Ginger y Fred como el reencuentro real de Masina y Fellini como director y actriz en una misma película, algo que no sucedía desde hacía veintiún años, con Giulietta de los espiritus (Giulietta degli spiriti, Federico Fellini, 1965). Quizá sea precisamente por eso, Masina desprende un aura especial con la que logra componer un personaje auténticamente conmovedor.