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DALE CINE INVITA
ANÁLISIS DE ESTRENOS DE CINE EN BELGRANO
Encuentros coordinados por Sergio Zadunaisky
Encuentros semanales de estrenos cinematográficos en Belgrano. Los sábados en Echeverría al 2400 (entre Cabildo y Ciudad de la Paz). A metros de la estación Juramento de la línea “D”.
Si deseás obtener información acerca de las películas y los temas a tratar en cada encuentro, escribí a dalecine@gmail.com o llamanos al 15 4178 2080.
Nuestros encuentros son los sábados de 17 a 19.
El valor de la entrada es de 50 pesos e incluye un refrigerio con café o té y ricas tortas artesanales. Ambiente climatizado.
Se requiere la puntualidad de los asistentes. Es necesario reservar antes de asistir. La dirección donde se desarrollará la actividad sólo será dada a las personas interesadas.
Este sábado 26 de febrero analizaremos “EL DISCURSO DEL REY”, la película más nominada a los premios Oscar.
El rey Jorge V de Inglaterra se muere y su hijo mayor no da muestras de madurez ni de tener dotes para el gobierno. Por su parte, Albert —segundo en la sucesión al trono— arrastra serios problemas de dicción que le incapacitan para llegar al pueblo con convicción. Mientras, Europa se siente amenazada por un señor con bigote que habla muy bien, que enardece a las masas y que atemoriza al mundo con sus aires de grandeza. Son los albores de la Segunda Guerra Mundial, y es urgente que Albert supere su tartamudez y unos miedos que le encorsetan desde la infancia. “El discurso del rey” es el que tiene que transmitir por radio al pueblo en 1939 para pedir unidad frente al peligro nazi, y también el que debe renacer de su interior para recuperar la autoestima y engrandecer un ánimo constreñido por el pasado y el protocolo.
Su director Tom Hooper se centra en el problema de Bertie —apelativo familiar de Albert y futuro Jorge VI— y prescinde del contexto prebélico, aunque fundamentalmente se interesa por su amistad con un plebeyo que ni es doctor ni es inglés… pero que le enseñará a abrir el alma y a mirar sin miedo a la verdad, ya sea cantando o con trucos que vistan de solemnidad lo que es inseguridad. Con mucho tacto e ironía, Hooper recoge esas formas que distancian a la clase aristocrática de la “gente normal”, pero también sabe ahondar en un alma que arrastra carencias afectivas y comparaciones humillantes desde que era niño. Bertie es retratado con respeto y humanidad, como víctima de una mentalidad que quizá lleve demasiado lejos la privacidad; por eso, su tartamudez esconde otra realidad que debe superar para que el miedo se disuelva en la confianza de un entorno amigo. Tampoco su hermano David/Eduardo VIII es vilipendiado más allá de su evidente frivolidad, pues se le deja una salida airosa y noble… con lo que la posible crítica social queda suavizada con elegancia y humanidad.
Si a la película le basta la anécdota de la superación del trauma, lo más importante es la manera de plasmar una entrañable amistad entre dos personas diametralmente opuestas. Y en eso tiene mucho que ver la gran interpretación de Colin Firth y de Geoffrey Rush, pues si el primero transmite toda la tensión y agitación de su apesadumbrado Bertie de manera equilibrada y sin histrionismos, el segundo da vida a un logopeda de métodos excéntricos —exige igualdad en el trato con el paciente— que “actúa” delante del espectador y del mismo rey… pero que encierra una grandeza interior que sólo su mujer y sus hijos conocen.
El cupo de personas por reunión es limitado (10 personas por encuentro).
El público que asiste a nuestras reuniones se encuentra conformado por lo general por personas que gustan de ver buen cine y aprecian encontrarse con otros para reflexionar y discutir acerca de lo visto. Nuestra experiencia con este tipo de actividades (cursos, cine-debates, charlas) que llevan más de 15 años nos demuestran que en estos encuentros el compartir puntos de vista y enfoques diferentes amplía la mirada, resignificándola. Nuestra intención es abrir nuevos espacios de reflexión y análisis.
Para participar no es necesario poseer conocimiento alguno sobre técnica y lenguaje cinematográfico.
Feb 25
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DALE CINE INVITA
Demonio interior, el cine de Ingmar Bergman - Un curso de Dale Cine dictado por Sergio Zadunaisky
La obra de Bergman, rica y profusa, incluye varias de las obras maestras de la historia del cine. Teniendo en cuenta que es imposible abarcarla en un mes, en este curso intentaremos una aproximación al universo bergmaniano, revisando a través de ocho de sus películas, sus tópicos más significativos, entre ellos, la influencia de Strindberg e Ibsen; el mundo del teatro; Dios, la muerte y el sentido de la vida; la figura del artista; las máscaras; sus mujeres / musas / actrices; la oscura y severa figura del padre; la humillación en las relaciones humanas y las relaciones de pareja.
Al igual que otros maestros del séptimo arte, como F.W. Murnau, John Ford, Robert Bresson o Federico Fellini, la obra de Ingmar Bergman se fundamenta en un estilo demasiado personal e intenso, sin posibilidades de continuidad, sin discípulos conocidos. Nada en ella es lo suficientemente “accesible” como para verse reducida a una serie de gimmicks o fórmulas más o menos magistrales, capaces de ser reproducidas o retomadas por otros. Quizá por ello, numerosos e importantes cineastas han manifestado públicamente su admiración, su perplejidad o sus reparos hacia la obra del realizador sueco con inusual vehemencia. Aquí, comentarios de algunos de ellos:
“En un primer nivel están los directores que ofrecen al público un buen y sólido entretenimiento, año tras año. En un segundo nivel, están los artistas que hacen un cine más profundo, más personal, más original, más excitante… Y finalmente, por encima de todos ellos, está Ingmar Bergman, que es probablemente el mayor de los artistas del séptimo arte, a todos los niveles, desde la invención de la cámara cinematográfica”. (Woody Allen)
“Las películas de Ingmar Bergman se han adentrado en rincones de la mente y el alma humana donde yo jamás me atrevería a asomarme”. (David Cronenberg)
“No veo a Bergman como un director religioso. Creo que es un ateo convencido y que sus películas nos dicen que no hay nada más allá de esta vida. Pero eso no es problema para que haga un cine espiritual y humanista”. (Terence Davies)
“Cada película de Bergman es un retazo de su vida. Por eso me gusta su trabajo. Es sutil y terriblemente personal… es un pedazo de él. Él es un artista verdadero. (Elia Kazan)
“La obra de Bergman ofrece a su espectador la posibilidad de entrar en relación, de forma siempre nueva y totalmente personal con ella y de interpretarla de forma distinta cada vez”. (Andrei Tarkovski)
“La cara humana. Nadie la dibuja en la pantalla como Bergman. En sus películas recientes no hay nada más que bocas que hablan, oídos que escuchan y ojos que expresanla curiosidad, hambre, pánico…”. (François Truffaut)
Programa del curso:
Martes 1º de marzo
“Noche de circo” (Gycklarnas afton, 1953)
Noche de circo, una de las obras más desesperadas y negras de Bergman, es una película fuertemente influenciada por el teatro de Strindberg. La historia transcurre en un circo con unos personajes llenos de dudas y de temor, completamente distintos a los titiriteros festivos y esperanzados que pueblan las películas de Fellini.
Encuadres barrocos y una fotografía deliberadamente opresiva y llena de connotaciones expresionistas, que aparecerían con frecuencia en su cine inmediatamente posterior, y que ya se habían apuntado en su cine anterior, con esos espacios vacíos, donde evolucionaban los personajes y la utilización de los claroscuros.
Una lección de amor (En lektion i kärlek Smultronstället, 1954)
El ginecólogo David Erneman y su mujer Marianne, llevan 15 años casados. Un verano, David, tiene una aventura. Marianne, desesperada, huye de Copenhague para reanudar la relación con su ex-novio, Carl Adam. David, celoso y hastiado de su amante, sólo desea una cosa: reconquistar a su esposa. Los dos vuelven a reencontrarse en el tren que va hacia Copenhague y rememoran las escenas de su vida de pareja….Uno de los temas queIngmar Bergman renueva en su cinematografía es la descripción del matrimonio y de la vida en común. Su enfoque, fue percibido en su época como de una franqueza poco corriente y de un realismo nada romántico. Algunas de las películas de esta época fueron rodadas por razones puramente económicas, lo que no impide que demostrara ser un hábil constructor de intrigas y diálogos cómicos.
Martes 8 de marzo
Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens leende
1955)
“Los ocho personajes principales del film llegan a formar en el transcurso de la acción de la película cuatro parejas perfectas: Egerman y su amante (Dahlbeck); Henrik (Björn Bjelvenstam) y la segunda esposa de su padre (Ulla Jacobsson); el conde Malcolm (Jarl Kulle) y su propia esposa (la extraordinaria Margit Carlquist –es una lástima que ésta sea casi su única aparición en un film de Bergman); la criada Petra (Harriet Andersson) y el cochero Frid (Ake Fridell). Si bien es verdad que ningún personaje del film queda exento de la ironía de Bergman, no lo es menos que todos ellos están tratados con simpatía. Sólo el conde de Malcolm constituye en este sentido casi una excepción: este personaje prefigura al Don Juan de Djävulens Oga (El ojo del diablo), sólo que es un Don Juan que no ha reconocido todavía su propio vacío interior. La complicada intriga del film, la complejidad de relaciones entre los diversos personajes, hacen de Sonrisas de una noche de verano una especie de calidoscopio en el que continuamente se yuxtaponen diferentes actitudes y puntos de vista respecto al amor, que nosotros podemos comparar y evaluar.
Equilibrio es, pues, la palabra clave del film: equilibrio entre ironía y simpatía,
equilibrio entre posturas diferentes. El estilizado montaje “de época” contribuye a este equilibrio total. (…) No obstante, lo más sorprendente son los paralelismos con Las bodas de Fígaro y La flauta mágica.
Lo mismo que en Fígaro, el último “acto” de Sonrisas de una noche de verano
(donde se resuelve por fin la intriga y se hace el reparto de parejas) representa un acercamiento a la naturaleza: La acción se desarrolla en el pabellón del jardín. Frid no se parece demasiado a Fígaro, pero sí bastante al Papageno de La flauta mágica (una ópera que, según propia confesión, Bergman quiere montar algún día, y que desempeña además un papel importante en un film posterior: La hora del lobo). La distancia entre criados y señores es bastante mayor en Sonrisas… que en Las bodas de Fígaro: la contraposición de una historia de amor relativamente seria a otra puramente cómica y terrena, recuerda mucho La flauta mágica (…)”.
(Texto extraído de una crítica de Robin Wood).
“Cuando huye el día” (Smultronstället, 1956)
Cuando huye el día es uno de los pilares del cine de Bergman. Rodada en el mismo año que El séptimo sello, la película nos narra un día en la vida de un hombre, el profesor Isak Borg (Victor Sjöström). Este día concluirá con la entrega por parte de los académicos universitarios de la distinción de Doctor Jubile a Isak después de 50 años de ejercer su profesión de médico con éxito. Durante ese día que transcurre mientras viaja en coche con su nuera (Ingrid Thulin) le sucederán una serie de sueños en los que recordará sus años jóvenes, además se pondrá sobre la mesa la relación dificultosa con su hijo y con su nuera, de la que termina teniendo un concepto bien distinto una vez que termina la película.
Martes 15 de marzo
El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1956)
Considerada por muchos la obra maestra de Bergman, EL SEPTIMO SELLO es, sin dudas, su film más popular y conocido. Utilizando la figura de un caballero que regresa de las Cruzadas y encuentra su tierra arrasada por la peste el autor logra plasmar una profunda reflexión acerca de la fe y valiéndose de una puesta en escena magistral, abrigada por una atmósfera de singular significado, opresiva y esperanzada a la vez consigue ubicar al espectador ante la necesidad de tomar partido. La presencia “física” de la muerte, con la que el caballero juega una partida de ajedrez que pauta los destinos de los personajes, constituye un aporte incomparable a la expresión cinematográfica, arquetípica como la escena de las escalinatas en POTEMKIN
Persona (Idem, 1960)
La anécdota es muy sencilla en apariencia. Una actriz que ha dejado de hablar repentinamente durante una representación teatral es tratada médicamente en una mansión privada, situada en una isla, por una enfermera que intenta conseguir su curación para lo que intenta comunicarse con ella mediante la palabra, sin conseguir de la otra parte más que el silencio. El resto de la película es la especial relación que se crea entre ambas mujeres, donde la actriz se va adueñando pausada pero constantemente de la personalidad de la enfermera, sin decir una sola palabra. Bergman realiza un estudio no sólo de los seres que exhibe sino del propio proceso creativo, introduciendo elementos distanciadores muy brechtianos a lo largo de la película, con el fin de crear consciencia de que lo que estamos viendo es una recreación, manipulada por su director.
Martes 22 de marzo
“Los comulgantes” (Nattvardsgästerna, 1962)
Un pastor protestante realiza su trabajo litúrgico con la iglesia casi vacía. Está enfermo y solitario, y el amor de la maestra Marta se ha vuelto para él una carga insoportable. Su vida está seca y sin sentido y cuando un campesino y su esposa vienen a pedirle un consejo es incapaz de ofrecer ninguna clase de ayuda. Poco después el campesino se suicida y Thomas, el pastor, se encuentra ante un abismo vacío que nada es capaz de llenar.
La crisis de las relaciones personales, la incapacidad de amar, la incomunicación y la soledad, la ausencia de un sentido lógico de la vida y sus arbitrariedades, de la existencia de uno mismo, se entrecruzan a través de la tortuosa vivencia personal del pastor Tomás Ericsson (Gunnar Bjöstrand), quien no puede dar alivio a sus feligreses ni a su propia alma.
Sonata otoñal (Höstsonaten, 1978)
“La idea de trabajar con Ingrid Bergman era antigua, pero no es el origen de esta historia. La última vez que la había visto fue en el festival de Cannes con ocasión de la proyección de Gritos y susurros. Entonces me metió una carta en el bolsillo, donde me recordaba que le había prometido hacer una película juntos” (Ingmar Bergman, en su libro Imágenes).
Sonata otoñal aborda de manera clara la dificultad de conciliar el temperamento artístico con las emociones humanas más simples: el film diserta acerca del papel que juega el artista t su arte en la sociedad, de la figura del artista como trabajador, del arte como disciplina.
Dinámica de trabajo:
Ilustración con proyección de fragmentos de sus películas en pantalla grande.
Se sugiere la visión de las películas antes de cada una de las clases.
Duración: 4 clases de dos horas, frecuencia semanal
Costo: $ 180.
Lugar: Espacio Dale Cine (barrio de Belgrano)
Fechas de inicio (Ofrecemos dos horarios, uno diurno y otro nocturno, para el mismo curso):
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DALE CINE PRESENTA
ANÁLISIS DE ESTRENOS DE CINE EN BELGRANO
Encuentros coordinados por Sergio Zadunaisky
Encuentros semanales de estrenos cinematográficos en Belgrano. Los sábados en Echeverría al 2400 (entre Cabildo y Ciudad de la Paz). A metros de la estación Juramento de la línea “D”.
Si deseás obtener información acerca de las películas y los temas a tratar en cada encuentro, escribinos a dalecine@gmail.com o llamanos al 154 178 2080.
Nuestros encuentros son los sábados de 17 a 19.
El valor de la entrada es de 50 pesos e incluye un refrigerio con café, té y ricas tortas artesanales. Ambiente climatizado.
Se requiere la puntualidad de los asistentes. Es necesario reservar antes de asistir. La dirección donde se desarrollará la actividad sólo será dada a las personas interesadas.
Este sábado 19 de febrero analizaremos “LAZOS DE SANGRE”, película independiente de Debra Granik, con varias nominaciones al Oscar.
Esta película se incluye en el nuevo género de adolescentes luchadoras que tan buenos réditos ha dado estos últimos años: La joven vida de Juno,Pequeña Miss Sunshine, Temple de acero y, por qué no, CrepúsculoyAlicia en el país de las maravillas.
“Lo de la chica fuerte funciona”, comenta Granik, su directora, “porque ellas son más listas que ellos a esas edades, y porque jugamos al concepto niña/mujer”. Desde luego, su protagonista, Ree -encarnada por Jennifer Lawrence, candidata al Oscar- supera miedo y situaciones brutales en pos de salvar la casa en la que vive con su madre impedida y sus dos hermanos. “Para un extranjero debe de ser chocante, ¿no? Niños que disparan, que incluso puede que coman ardillas. Es una zona dura, fría, donde sus habitantessobreviven con muy poco. Yo crecí en Massachussets y Maryland y solo había estado allí antes una vez. En realidad me interesó el libro de Daniel Woodrell (novela del mismo nombre en que se basa la película). La gente está abandonada por el Estado, que no por las drogas, que han arrasado una generación. Como única salida les queda el ejército, sacrificarse en Irak o Afganistán a cambio de que su familia tengan algo de dinero”.
A Granik le atrajo de la novela la supervivencia: “Sufren inviernos muy muy duros y Ree es una chica fuerte, que sobrevive como única muestra de orgullo”. Un empuje que le ha llevado a ella y a la película hasta los Oscar: “Somos la película extraña que se ha colado en la carrera. Pero tal vez porque hay una apertura de mentes, que empieza a incluir entre las más taquilleras al cine auténtico. Nosotros tuvimos la suerte de arrancar con buen pie en Sundance, un festival que, a pesar de lo que oigas, sigue siendo fundamental para pequeñas películas. Ganamos el Gran Premio del Jurado en drama, y con ese galardón empezamos a encontrar distribución, ventas internacionales… a hacernos ver”, concluye la joven directora.
El cupo de personas por reunión es limitado (10 personas por encuentro).
El público que asiste a nuestras reuniones se encuentra conformado por lo general por personas que gustan de ver buen cine y aprecian encontrarse con otros para reflexionar y discutir acerca de lo visto. Nuestra experiencia con este tipo de actividades (cursos, cine-debates, charlas) que llevan más de 15 años nos demuestran que en estos encuentros el compartir puntos de vista y enfoques diferentes amplía la mirada, resignificándola. Nuestra intención es abrir nuevos espacios de reflexión y análisis.
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ANÁLISIS DE ESTRENOS DE CINE EN BELGRANO
Encuentros coordinados por Sergio Zadunaisky
Encuentros semanales de estrenos cinematográficos en Belgrano. Los sábados en Echeverría al 2400 (entre Cabildo y Ciudad de la Paz). A metros de la estación Juramento de la línea “D”.
Si desea obtener información acerca de las películas y los temas a tratar en cada encuentro, puede escribirnos a dalecine@gmail.com o llamarnos al 154 178 2080.
Nuestros encuentros son los sábados, con la posibilidad de optar por dos horarios:
Sábados de 14 a 16 horas
Sábados de 17 a 19 horas
El valor de la entrada es de 50 pesos e incluye un refrigerio con café, té y ricas tortas artesanales. Ambiente climatizado.
Se requiere la puntualidad de los asistentes. Es necesario reservar antes de asistir. La dirección donde se desarrollará la actividad sólo será dada a las personas interesadas.
Este sábado 12 de febrero analizaremos “CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS”, de WOODY ALLEN.
En “Conocerás al hombre de tus sueños”, Woody Allen nos acerca a dos matrimonios, el de Alfie y Helena, y el de su hija Sally y su marido Roy, y nos muestra cómo sus pasiones, ambiciones y obsesiones les acarrean problemas y desvaríos.
Si bien es cierto que desde hace tiempo Woody Allen desistió de realizar obras mayúsculas como “Annie Hall” (1977) o “Crímenes y pecados” (1989) y sus filmes son acusados de “livianos” y “reiterativos”, esta película conlleva polémica. A nosotros en Dale Cine no nos convenció demasiado, pero conversando con gente de nuestros cursos y talleres, encontramos diferentes opiniones, en las cuales se rescataban ciertos aspectos, como la mirada del neoyorkino sobre la inmadurez emocional de sus personajes, la obsesión por la muerte, los psiquiatras, el azar y su infaltable cinismo y pesimismo existencial.
Por todo esto, nos dijimos: “¿Qué mejor que empezar nuestro ciclo con una película de uno de los grandes creadores del cine, para muchos ya en las últimas y para otros aun con chispa y energía como para despertar controversia con sus películas?”. Motivo más que suficiente para acercarnos a la obra de un artista singular que aun sigue dando de qué hablar.
El encuentro está dividido en dos partes. La primera de exposición teórica, de aproximadamente una hora, con comentarios y referencias temático-formales sobre la película elegida a cargo de Sergio Zadunaisky (contexto del film, bio-filmografía del director, proyección en pantalla grande de escenas de la misma película elegida para analizar y de fragmentos de otras películas relacionadas que “dialoguen” con ella). Luego de un corte de 15 minutos para tomar un refrigerio habrá 45 minutos de debate entre todos los asistentes.
El cupo de personas por reunión es limitado (10 personas por encuentro).
El público que asiste a nuestras reuniones se encuentra conformado por lo general por personas que gustan de ver buen cine y aprecian encontrarse con otros para reflexionar y discutir acerca de lo visto. Nuestra experiencia con este tipo de actividades (cursos, cine-debates, charlas) que llevan más de 15 años nos demuestran que en estos encuentros el compartir puntos de vista y enfoques diferentes amplía la mirada, resignificándola. Nuestra intención es abrir nuevos espacios de reflexión y análisis.
Si le interesa la propuesta, solo debe escribirnos a dalecine@gmail.com poniendo en el asunto “Análisis de estreno” y le será enviada todas las semanas, con prioridad, la información acerca de la película de la que se hablará esa semana.
Para participar no es necesario poseer conocimiento alguno sobre técnica y lenguaje cinematográfico.
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DALE CINE PRESENTA
Desgarros y pasiones de un manchego: El cine de Pedro Almodóvar
Coordinado por Sergio Zadunaisky
El cine de Pedro Almodóvar, dotado de una vibrante comunicación lúdica y expresiva, va directo al espectador. Barroco y sensual, narra un universo de emociones que alcanza la identificación del público. Sus películas han convertido, a la manera de Fellini o Hitchcock, el nombre Almodóvar en una marca registrada. El melodrama, la comedia disparatada, el cine negro, la tauromaquia, los amores desgarrados y las pasiones más intensas, son solo algunos de los muchos elementos que configuran la filmografía de un director ecléctico, siempre magnético y atrapante. Antonio Banderas, Carmen Maura, Chus Lampreave, Penélope Cruz, Javier Bardem, Verónica Forqué, son solo algunos de los nombres de esa gran familia que el manchego supo aglutinar con el tiempo. Douglas Sirk, Rainer W. Fassbinder, Fritz Lang, John Cassavetes, Luis Buñuel y Brian de Palma, entre otros, las luces que guiaron/guían su camino.
Dale Cine se complace en invitarte a repasar una de las carreras más intensas del mundo del cine, analizando lo mejor de la obra de Pedro Almodóvar. El curso se dictará en diversos días y horarios en el barrio de Belgrano. Te esperamos.
“La apariencia de mis películas es muy equívoca y en particular en ésta, donde no cuento una historia de amor, sino el horror y las injusticias en las que vive una mujer.. Cuando Carmen (Maura) vio la película me dijo: “¡Qué cruel es el espectador! ¿Cómo puede reírse de todas las desgracias que rodean al personaje? Convierte al personaje en una doble víctima, porque tiene una vida difícil y además la reacción del espectador la convierte en una víctima mayor”. Lo que cuenta es una historia muy patética, en efecto, pero hay mucho humor en la película y a mí personalmente no me molesta que el espectador se ría cuando la ve”. (Pedro Almodóvar sobre “¿Qué he hecho yo para merecer esto”).
“Matador” (1985/86)
Con Matador, el director manchego inicia un cine que busca grandes historias de amor y un romanticismo desaforado, alejándose de la frivolidad de sus primeros filmes. Almodóvar regresa a los grandes sentimientos y ancla su cine en las emociones, rozando, en ocasiones, el más absoluto de los ridículos pero saliendo generalmente airoso del trance.
Entrevistador: Matador, realizada en 1986, casi dos años después de “¿Qué he hecho yo para merecer esto?”, es para mí la película más rara de su carrera, la que menos se parece a las demás. Es su única película en la que, a mi juicio, la temática – la muerte, la fascinación por la muerte y el destino – es más importante que la historia relatada, que no hace sino ilustrar la temática muy fuerte de por sí.
Almodóvar: Sí. Yo estoy de acuerdo con que es la más rara de mis películas. Es una película también absolutamente mía en cuanto a lo que quiero contar. Entiendo también que el tema es más importante que la historia (…) Matador es la película más abstracta que he hecho a pesar de que hable de un tema muy concreto como el placer sexual y la muerte. De todas mis películas es la más lejana del naturalismo o de la realidad objetiva.
(Fragmento de una entrevista del libro “Pedro Almodóvar, un cine visceral”, de Frédéric Strauss -Ediciones El País/Aguilar, 1994
Clase 2
“Mujeres al borde de un ataque de nervios” (1987)
Después de varios años, Iván y Pepa, una pareja de actores de doblaje, deshace su relación, sin que él sepa que ella está embarazada. Mientras espera en vano noticias de Iván, Pepa intenta habituarse a su nueva situación. Su vida se complica aún más cuando llega a su nueva casa su amiga Candela, que huye de la policía porque ésta ha detenido a su novio, un terrorista chiíta y teme que la involucren a ella en el asunto.
Pepa decide conocer a la actual amante de Iván, con lo que sus “nervios” van en aumento. Por si fuera poco, en su vida entra también por casualidad, Carlos, el hijo de su novio, que acude con la retrógrada novia, a ver el piso para alquilarlo. Todos se concentran en la casa, y el cruce de personajes da lugar a toda clase de situaciones divertidas.
“Átame” (1989)
“En “Mujeres al borde…” hablo de la ausencia del hombre y del dolor que produce, y en “Átame!” hablo de la presencia del hombre y del dolor que produce una presencia que uno no ha elegido, lo cual equivale a hablar del matrimonio, en el sentido de la convivencia de dos personas en la misma casa. Me identifico totalmente con esta historia. (…) Comprendo muy bien el principal problema de Ricky: la dificultad que tiene el amante para demostrarle a la otra persona que la quiere, la incertidumbre que tiene sobre si la otra persona sabe cuáles son sus sentimientos, una incertidumbre que siempre hay en el amor.“ (Almodóvar sobre su película).
Clase 3
“La flor de mi secreto” (1995)
Leo Macías es una escritora de novela rosa, que disfruta del éxito bajo el protector pseudónimo de Amanda Gris. Sin embargo, se encuentra en una profunda crisis personal. Su marido es un militar destinado a Bosnia, cuya ausencia ha dejado en suspenso los profundos problemas que atraviesa el matrimonio.
La Flor de Mi Secreto es una película melancólica, algo oscura y profundamente auto-reflexiva, que marca el punto exacto en que Almodóvar cambia su registro narrativo, dejando tal vez de lado la provocación y le irreverencia para volcarse a un cine mucho más adulto y “maduro.”
“Hable con ella” (2002)
“…Aún carezco de la distancia necesaria para observar mi cine en perspectiva. Cada título es independiente y corresponde a una época distinta. En todo caso, si tuviera que fijar una relación, la establecería entre Hable con ella y Matador, pues en ambas se aborda el universo taurino…
Además de la tauromaquia, Matador y Hable con ella coinciden en otro ingrediente: los lazos que unen el sexo y la muerte. Cuando volví de Los Ángeles, ya tenía muchos apuntes sobre la historia de Hable con ella. Entre ellos, destacaban dos ideas: la de un hombre a quien se le escapan las lágrimas porque acaba de darse de bruces con un momento de extraordinaria belleza –en determinados casos, ésta puede tener algo de horroroso–; y la de una mujer que despierta después de muchos años en estado vegetativo…”
(Almodóvar sobre su película).
Clase 4
“Volver” (2006)
“No imaginaba que había tanta expectación por nuestro reencuentro. Me sorprende la cantidad de gente que me ha dicho lo contentos que estaban porque Carmen y yo volviéramos a trabajar juntos! Dice una canción de Chavela: “uno vuelve siempre a los viejos sitios donde amó la vida”. Esto se puede aplicar también a las personas.
Siempre existe la incertidumbre, pero afortunadamente la de Carmen se despejó en los primeros trabajos de mesa.
En el guión de “Volver” hay una larga secuencia, casi un monólogo, porque sólo habla el personaje de Carmen, la abuela fantasma. En dicha secuencia Carmen explica a su hija del alma, Penélope Cruz, las razones de su muerte y las de su vuelta, a lo largo de seis intensas páginas y seis no menos intensos planos. Esta secuencia es una de las razones por las que yo quería rodar la película. He llorado todas y cada una de las veces que he corregido el texto (como el personaje que interpretaba Kathleen Turner en “Tras la esmeralda perdida”, una ridícula escritora de novelas rosa, muy kitch, que lloraba mientras escribía).
La noche que la rodábamos todo el equipo era consciente de su importancia. Había mucha expectación. Esto ponía un poco nerviosa a Carmen que quería abordarla cuanto antes.
Desde “Mujeres…” hasta el “monólogo de Volver” Carmen no ha cambiado como actriz, y descubrirlo ha sido maravilloso.”
(Almodóvar sobre su película). “Los abrazos rotos”(2009)
Un hombre (Lluís Homar) escribe, vive y ama en la oscuridad. Catorce años antes sufrió junto a Lena (Penélope Cruz), la mujer de su vida, un brutal accidente de coche en la isla de Lanzarote que lo dejó ciego. Este hombre usa dos nombres, Harry Caine, lúdico seudónimo bajo el que firma sus trabajos literarios, relatos y guiones y Mateo Blanco, su nombre de pila real, con el que vive y firma las películas que dirige. En la actualidad, Harry Caine vive gracias a los guiones que escribe y a la ayuda de su antigua y fiel directora de producción, Judit García (Blanca Portillo), y de Diego (Tamar Novas), el hijo de ésta, secretario, mecanógrafo y lazarillo. Desde que decidiera vivir y contar historias, Harry es un ciego activo y atractivo que ha desarrollado todos sus otros sentidos para disfrutar de la vida, a base de ironía y una amnesia autoinducida. Ha borrado de su biografía toda sombra de su primera identidad, Mateo Blanco. La historia de Mateo, Lena, Judit y Ernesto Martel es una historia de amour fou, dominada por la fatalidad, los celos, el abuso de poder, la traición y el complejo de culpa…)
A la altura de sus obras mayores, aunque sin alcanzar momentos de emoción deslumbrante, el cerebro de este director singular compone colores, encuadres y diálogos para crear su peculiar arte en la pantalla, manejando contenido, tiempo y espacio bajo una estricta voluntad. Y de nuevo, por encima de la brillantez de su guión y dirección, unos personajes centrales colosales (sin palabras para las recreaciones de Homar y Cruz), y una colección de secundarios de gran fuerza e intensidad, que parecen tener un pasado y un futuro antes de asomarse ante nuestras pupilas.
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DALE CINE PRESENTA
CINE DE VERANO BAJO LAS ESTRELLAS - Coordinado por Sergio Zadunaisky
La película se proyecta al aire libre. La función se realizará igualmente en caso de mal tiempo o lluvia.
Capacidad limitada. Sólo con reserva previa por mail a dalecine@gmail.com o al 154 178 2080, dejando mensaje con nombre, teléfono y número de inscriptos.
Viernes 14 de enero, 21.30 hs
El hueso de invierno (Winter´s bone, Debra Granik, 2010) Duración: 100 minutos
Sobre la película
Aclamada cinta de cine independiente que narra la historia de Ree Dolly (Jennifer Lawrence), una adolescente que busca a su padre, un hombre con antecedentes penales y libertad bajo fianza, que se encuentra desaparecido. Todo parece indicar que ha vuelto a negocios turbios del pasado.
Premios y nominaciones
Sundance: Gran premio del jurado, mejor guión
Independent Spirit Awards: 7 nominaciones (entre ellas, mejor película)
Comentarios de la crítica
“En muy pocas ocasiones, una película se mete por debajo de nuestra piel con fascinante autenticidad, reforzando nuestra fe en el poder maravillosamente evocador de la narración cinematográfica. ‘Winter’s Bone’ es incuestionablemente esa película” (Claudia Puig: USA TODAY)
Intensa, absorbente y controlada, ‘Winter’s Bone’ es una película con alma de cine de autor dentro de una apariencia de serie B y demuestra ser una potente combinación” (Kenneth Turan: Los Angeles Times)
“Es su esqueleto noir lo que le da garra a este drama de realismo social, como si Humphrey Bogart se hubiera convertido en una chica de 17 años arrojada en el rincón más miserable de América (…) Rating: **** (sobre 4)” (Ty Burr: Boston Globe)
Datos del evento
La propuesta es para el viernes 14 de enero a las 21.30 a metros de Cabildo al 4700 (solo con reserva previa, dejar mensaje con número de teléfono y número de reservas para recibir la dirección exacta). Al término de la proyección habrá un debate y se servirá una bebida a los asistentes.
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DALE CINE PRESENTA
CINE DE VERANO BAJO LAS ESTRELLAS - Coordinado por Sergio Zadunaisky
Domingo 2 de enero, 20.15 hs: En julio (Im juli, Fatih Akim, 2000) Duración: 100´
Daniel es un joven maestro en receso, quien, en contraste con todos los demás, planea quedarse en Hamburgo durante el verano. Juli, una chica del mercado de pulgas, está enamorada de él y para acercarse logra venderle un anillo maya que tiene dibujado un sol. Una profecía, divertidas historias que llevan a un lugar, variopintas mujeres que se cruzan por el camino y por la vida de nuestro héroe. Con un estilo fresco, delicioso con impactantes colores y una banda de sonido maravillosa, Im juli es una comedia optimista que nos lleva a reflexionar acerca del destino, el azar y los “camino de la vida”.
Datos del evento
La propuesta es para el domingo 2 de enero a las 20.15 horas a metros de Cabildo al 4700 (solo con reserva previa, dejar mensaje con número de teléfono y número de reservas para recibir la dirección exacta). Al término de la proyección habrá un debate y se servirá una bebida a los asistentes.
Costo: 30 pesos por persona.
La película se proyecta al aire libre. La función se realizará igualmente en caso de mal tiempo o lluvia.
Capacidad limitada. Se ruega hacer reservas con anticipación por mail a dalecine@gmail.com o llamando al 154 178 2080, dejando mensaje con nombre, teléfono y número de reservas. Lox esperamos!
Dec 14
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CURSO EN CRACK-UP
“La palabra en movimiento: Los escritores en el cine”
Dictado por Sergio Zadunaisky
“Creo en muchas cosas: una de ellas es la literatura,
de no ser así no escribiría. Creo en las fuentes de
la vida, una de ellas ha sido para mí, el cine”.
“He aprendido más a escribir con el cine que con la literatura en sí, es decir, muchas de mis referencias son más cinematográficas que literarias. O si tú quieres, literarias a través del cine”.
Guillermo Cabrera Infante
“El cine no es literatura”.
Jean Claude Carriere
En este curso te invitamos a adentrarte, desde diferentes ópticas, en el mundo de los escritores en el cine. Durante cuatro clases, tomaremos diversos largometrajes que de una u otra manera se relacionan con el universo de la creación literaria, los libros y los guiones cinematográficos. Tomaremos a Raymond Chandler y Paul Auster, dos grandes narradores que pasaron al campo del cine, el primero trabajando con Billy Wilder en “Pacto de sangre”, obra maestra del film noir y el segundo, guionando junto a Wayne Wang una historia basada en un relato corto de su autoría. Analizaremos la delgada línea que separa a la ficción literaria de la realidad con dos películas emblemáticas sobre el tema, “Los secretos de Harry” (Woody Allen) y “Expiación, deseo y pecado” (Joe Wright). Veremos cómo el cine tomó a dos de las más grandes figuras de las letras, para reflejar su vida y su esencia, Truman Capote (“Capote”) y Virginia Woolf (“Las horas”) y conoceremos más acerca del mundo de los guionistas y su oficio, con “Barton Fink” (Joel Coen) y “El ladrón de orquídeas” (Spike Jonze).
Las películas no se verán enteras en la clase, por eso se pide a los participantes que miren las películas antes de cada uno de los encuentros.
Datos del curso
Fecha de inicio
Jueves 6 de enero a las 19 horas en la librería Crack-Up, Costa Rica 4767, Palermo.
JUEVES 06 – CLASE 1 ESCRITORES QUE ESCRIBEN PARA EL CINE: RAYMOND CHANDLER (Pacto de sangre, 1944)
PAUL AUSTER(Cigarros, 1995)
Pacto de sangre (Double indemnity, Billy Wilder, 1944)
Fred MacMurray es un vendedor de seguros que, en connivencia con Barbara Stanwyck, elabora un plan para asesinar al marido de ella y quedarse con el dinero de su seguro. Obra cumbre del género, uno de los ejercicios de suspense más fascinantes de todos los tiempos.
El guión que Chandler y Wilder escribieron no sin tensiones (lo cual colaboró seguramente a lograr un texto tan cáustico y brillante), conseguía incluso mejorar la magnífica novela de James M. Cain. Hasta el mismo escritor reconoció que le hubiera gustado que se le hubieran ocurrido algunas de las cosas que ahora añadían los guionistas, como la confesión de Neff. Los magníficos diálogos entre los protagonistas del film, verdadera lección de escritura cinematográfica, nos recuerdan que a veces un personaje puede ser mucho más atractivo por lo que piensa que por lo que dice. Los personajes del cine negro nos obligan a leer entre líneas, a intentar fisgonear en su negra alma a través de unas palabras vacías de sentimentalismo explícito y falsa moral.
Cigarros (Smoke, Wayne Wang, 1995)
Cigarros nació por el deseo de Wayne Wang de trabajar junto a Paul Auster. Seducido por un relato del narrador norteamericano, (“Cuento de Navidad de Auggie Wren”), Wang lo convenció para que escribiera el guión de la película.
Brooklyn, verano de 1987. Un grupo de personas que frecuenta el estanco de un barrio de esa zona de Nueva York. Auggie Wren (Harvey Keitel), el estanquero, es el gran confidente de todos ellos. La rocambolesca historia de cómo consiguió su cámara fotográfica y de por qué se decidió a elaborar su singular colección de fotografías -el mismo encuadre de la casa de enfrente a lo largo de 14 años- le dará por fin un argumento a Paul Benjamin (William Hurt), prestigioso novelista en crisis creativa. Paul, a su vez, ayudará a Rashid (Harold Perrineaud Jr.), un adolescente negro algo perdido, en la búsqueda de su padre. Éste resulta ser Cyrus (Forest Whitaker), un modesto mecánico que intenta recomponer su vida. El círculo vital se cierra cuando estos contactos humanos implican de tal modo al propio Auggie que le obligan a asumir su olvidada responsabilidad respecto a Ruby (Stockard Channing), una antigua novia con la que tuvo una hija (Ashley Judd), que ahora, ya adolescente, pasa por un momento muy difícil.
JUEVES 13 – CLASE 2: LA ESCRITURA Y LA VIDA, CRUCES Y RELACIONES:
LOS SECRETOS DE HARRY (WOODY ALLEN)
EXPIACIÓN, DESEO Y PECADO (JOE WRIGHT)
Los secretos de Harry (Deconstructing Harry, Woody Allen, 1997)
Allen cuenta la historia de un escritor en plena crisis creativa. El hilo argumental de la película es un seguimiento de historias donde se mezclan la ficción y la realidad.
Harry Block prefiere refugiarse en la ficción y vivir en ese mundo antes que afrontar la realidad. Es un escritor de éxito de mediana edad que con frecuencia ha utilizado como fuente sus experiencias sentimentales y familiares para escribir sus obras. Como resultado, la mayor parte de sus amigos, sus parientes y sus ex-mujeres, que se han visto reflejados y deformados en sus personajes, le odian. Por ello le resulta complicado encontrar a alguien que le acompañe en el viaje que ha de llevarle a su vieja universidad, que va a rendirle un homenaje.
Expiación, deseo y pecado (Atonement, Joe Wright, 2007)
En el verano de 1935, Briony Tallis (Saoirse Ronan), una precoz escritora de 13 años, cambia irremediablemente el curso de varias vidas cuando acusa al amante de su hermana mayor Cecilia (Keira Knightley), al joven Robbie Turner (James McAvoy), de haber cometido un crimen en el que no tuvo nada que ver.
El británicoJoe Wrightvuelve a contar con gran parte del equipo técnico y artístico de ”Pride & prejudice” (Orgullo y prejuicio)en este melodrama de tintes trágicos, con el amor y la culpa en la retaguardia de dos hermanas que quisieron al mismo hombre, aunque una lo hiciese con un amor pasional y la otra por puro capricho infantil. Amor en tiempos de guerra para una historia imposible que sólo la literatura y el cine podían enmendar, y eso gracias a la imaginación de una escritora que responde al nombre de Briony, aunque quizá deberíamos decir aIan McEwany a su novela, adaptada aquí extraordinariamente porChristopher Hampton.
JUEVES 20 – CLASE 3 ESCRITORES EN PANTALLA:
VIRGINIA WOOLF (LAS HORAS)
TRUMAN CAPOTE (CAPOTE)
Capote (Capote, Bennett Millar, 2005)
En noviembre de 1959, el escritor Truman Capote lee un artículo en el New York Times que relata el sangriento asesinato de los cuatro miembros de la familia Clutter en su granja de Kansas. Aunque sucesos similares aparecen en los periódicos todos los días, algo llama la atención de Capote, que quiere utilizar este caso para demostrar una teoría: en las manos de un escritor adecuado, la realidad puede resultar tan apasionante como la ficción. Junto a su amiga Harper Lee, Capote consigue que la revista The New Yorker le envíe a Kansas para cubrir la noticia. Su voz aniñada, su amaneramiento y su peculiar forma de vestir despiertan en un principio la hostilidad en esa zona del país, pero Capote se gana pronto la confianza de los lugareños y la del agente encargado de la investigación, Alvin Dewey.
Las horas (The hours, Stephen Daldry, 2002)
Historia de 3 mujeres a la búsqueda de un sentido en sus vidas. Cada una de ellas vive en una época diferente, pero las tres están unidas por sus anhelos y sus miedos. Virginia Woolf, en un suburbio de Londres a principio de los años veinte, lucha contra su locura mientras empieza a escribir su primera gran novela, “Mrs. Dalloway”. Larua Brown, una esposa y madre de Los Ángeles a finales de la Segunda Guerra Mundial, lee “Mrs. Dalloway” y la encuentra tan reveladora que empieza a considerar un cambio radical en su vida. Clarissa Vaughan, una versión contemporánea de “Mrs. Dalloway”, vive en la actualidad en la ciudad de Nueva York, y está enamorada de su amigo Richard, un brillante poeta enfermo de SIDA.
JUEVES 27 – CLASE 4: EL UNIVERSO DEL GUIONISTA:
BARTON FINK (JOEL COEN)
EL LADRON DE ORQUÍDEAS (SPIKE JONZE)
Barton Fink (Joel Coen, 1991)
En esta película, queríamos que el espectador estuviera todo el tiempo desestabilizado, como el mismo personaje de Barton” (Joel & Ethan Coen).
En 1941, el guionista Barton Fink viaja a Hollywood para escribir una película sobre el luchador Wallace Berry. Durante su estancia en el Hotel Earle, Barton sufre de un severo bloqueo intelectual. Su vecino, un jovial vendedor de seguros, trata de ayudar, pero Fink sigue luchando con una serie de desafortunados eventos que lo alejan más y más de su tarea original.
Esta historia, según sus creadores, surge como una catarsis, luego del bloqueo creativo ante el guión de “De paseo a la muerte”. Ellos querían escribir algo especialmente para John Turturro y John Goodman. Nace así la historia de Barton Fink, un reputado escritor de la “intelligentzia” de la costa este americana que es tentado para ir a trabajar a Hollywood.
El ladrón de orquídeas (Adaptation, Spike Jonze, 2002)
El dúo Spike Jonze & Charlie Kaufman propone con ‘Adaptation’ una genial y transgresiva cinta sobre la dificultad de adaptar una novela imposible de llevar al cine
A pesar del éxito logrado con el primer guión que produjo y por el cual recibió una nominación al Oscar, Charlie Kaufman (Nicolas Cage) está plagado de inseguridades tanto en su carrera como en su vida personal. Cuando es con-tratado para adaptar “El ladrón de orquídeas”, un libro acerca del fanático injertador de orquídeas John Laroche (Chris Cooper), Charlie se queda completamente perplejo. Aunque en la superficie el libro trata de las aventuras de Laroche como colector furtivo de orquídeas en los Everglades de la Florida, en el fondo la historia trata del deseo que existe en todos nosotros de experimentar la pasión. Este deseo se ha apoderado de la vida de la autora del libro, Susan Orlean (Meryl Streep), y Charlie se da cuenta de que a él le sucede lo mismo.
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Desde este 24 de noviembre y durante 4 clases te invito a conocer más sobre el mundo y las películas de Hitchcock en el curso “Espiando a Alfred Hitchcock”, que dictaré de forma virtual en Cinescuela. Para obtener más información e inscribirte entrá a http://www.cineescuela.com/notas.php?id=255
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En este programa de Cine son fornteras nos dedicamos a desmenuzar (o a “destripar”, sería el término más adecuado para este caso?) dos versiones de “Halloween”, la primera y fundacional, de John Carpenter, de 1978 y la más actual, del cineasta y músico Rob Zombie (2007). Las opiniones estuvieron divididas, a vos, cuál de las dos te gustó más?
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