Detrás de un vidrio oscuro, el cine de  Ingmar Bergman

Curso dictado por Sergio Zadunaisky

Al igual que otros maestros del séptimo arte, como F.W. Murnau, John Ford, Robert Bresson o Federico Fellini, el cine de Ingmar Bergman se fundamenta en un estilo demasiado personal e intenso, sin posibilidades de continuidad, sin discípulos conocidos. Nada en ella es lo suficientemente “accesible” como para verse reducida a una serie de gimmicks o fórmulas más o menos magistrales, capaces de ser reproducidas o retomadas por otros. Quizá por ello, numerosos e importantes cineastas han manifestado públicamente su admiración, su perplejidad o sus reparos hacia la obra del realizador sueco con inusual vehemencia:

“En un primer nivel están los directores que ofrecen al público un buen y sólido entretenimiento, año tras año. En un segundo nivel, están los artistas que hacen un cine más profundo, más personal, más original, más excitante… Y finalmente, por encima de todos ellos, está Ingmar Bergman, que es probablemente el mayor de los artistas del séptimo arte, a todos los niveles, desde la invención de la cámara cinematográfica”. (Woody Allen)

“Las películas de Ingmar Bergman se han adentrado en rincones de la mente y el alma humana donde yo jamás me atrevería a asomarme”. (David Cronenberg)

“No veo a Bergman como un director religioso. Creo que es un ateo convencido y que sus películas nos dicen que no hay nada más allá de esta vida. Pero eso no es problema para que haga un cine espiritual y humanista”. (Terence Davies)

Dinámica de trabajo:

Ilustración con proyección de fragmentos de películas en pantalla grande.

Duración: 4 clases de dos horas, frecuencia semanal

Lugar: Librería Crack-Up, Costa Rica 4767. Palermo

Fecha de inicio: Jueves 08 de abril de 2010

Costo: $ 150.-

Informes e inscripción

4831.3502 | libros@crackup.com.ar |

| dalecine@gmail.com |154 178 2080

Se pide a los participantes que en lo posible vean las películas antes de cada uno de los encuentros, ya que de las mismas se verán solamente algunas escenas para su análisis.

 Programa del curso:

Clase 1

Charla introductoria al cine de Bergman, con visionado de fragmentos de sus películas más representativas y de directores relacionados con su obra (Woody Allen, Michael Haneke, entre otros).

Además, repasaremos los temas más significativos en su obra:

La influencia de Strindberg y de Ibsen

El teatro

La existencia de Dios

La muerte y el sentido de la vida

La figura del artista

Las máscaras

Sus mujeres / sus musas / sus actrices.

La oscura y severa figura del padre

La humillación en las relaciones humanas

Las relaciones de pareja

Clase 2

“Noche de circo” (Gycklarnas afton, 1953)

Noche de circo, una de las obras más desesperadas y negras de Bergman, es una película fuertemente influenciada por el teatro de Strindberg.  La historia transcurre en un circo con unos personajes llenos de dudas y de temor, completamente distintos a los titiriteros festivos y esperanzados que pueblan las películas de Fellini.

Encuadres barrocos y una fotografía deliberadamente opresiva y llena de connotaciones expresionistas, que aparecerían con frecuencia en su cine inmediatamente posterior, y que ya se habían apuntado en su cine anterior, con esos espacios vacíos, donde evolucionaban los personajes y la utilización de los claroscuros.

“Cuando huye el día” (Smultronstället, 1956)

Cuando huye el día es uno de los pilares del cine de Bergman. Rodada en el mismo año que El séptimo sello, la película nos narra un día en la vida de un hombre, el profesor Isak Borg (Victor Sjöström). Este día concluirá con la entrega por parte de los académicos universitarios de la distinción de Doctor Jubile a Isak después de 50 años de ejercer su profesión de médico con éxito. Durante ese día que transcurre mientras viaja en coche con su nuera (Ingrid Thulin) le sucederán una serie de sueños en los que recordará sus años jóvenes, además se pondrá sobre la mesa la relación dificultosa con su hijo y con su nuera, de la que termina teniendo un concepto bien distinto una vez que termina la película.

 Clase 3

El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957)

Considerada por muchos la obra maestra de Bergman, EL SEPTIMO SELLO es, sin dudas, su film más popular y conocido. Utilizando la figura de un caballero que regresa de las Cruzadas y encuentra su tierra arrasada por la peste el autor logra plasmar una profunda reflexión acerca de la fe y valiéndose de una puesta en escena magistral, abrigada por una atmósfera de singular significado, opresiva y esperanzada a la vez consigue ubicar al espectador ante la necesidad de tomar partido. La presencia “física” de la muerte, con la que el caballero juega una partida de ajedrez que pauta los destinos de los personajes, constituye un aporte incomparable a la expresión cinematográfica, arquetípica como la escena de las escalinatas en POTEMKIN

“Los comulgantes” (Nattvardsgästerna, 1962)

Un pastor protestante realiza su trabajo litúrgico con la iglesia casi vacía. Está enfermo y solitario, y el amor de la maestra Marta se ha vuelto para él una carga insoportable. Su vida está seca y sin sentido y cuando un campesino y su esposa vienen a pedirle un consejo es incapaz de ofrecer ninguna clase de ayuda. Poco después el campesino se suicida y Thomas, el pastor, se encuentra ante un abismo vacío que nada es capaz de llenar.

La crisis de las relaciones personales, la incapacidad de amar, la incomunicación y la soledad, la ausencia de un sentido lógico de la vida y sus arbitrariedades, de la existencia de uno mismo, se entrecruzan a través de la tortuosa vivencia personal del pastor Tomás Ericsson (Gunnar Bjöstrand), quien no puede dar alivio a sus feligreses ni a su propia alma.

 Clase 4

Gritos y susurros (Viskningar och rop, 1972)

La película nos cuenta la historia de 3 hermanas que han estado distanciadas durante mucho tiempo y que vuelven a encontrarse cuando una de ellas padece un cáncer terminal. Las tres en la casa, acompañadas por la fiel sirvienta (Anna) se quedarán para hacer compañía en las últimas horas a Agnes (Harriet Andersson). En su libro Imágenes, Bergman comenta que la utilización del color rojo en esta película simboliza el interior del alma humana. Además de estos recursos fotográficos, al director utiliza procedimientos oníricos (p. ej. la resurrección de Agnes) para tratar en esta obra algunos de los temas predominantes en su filmografía: la muerte, la fe religiosa y la incomunicación entre las personas.

Sonata otoñal (Höstsonaten, 1978)

“La idea de trabajar con Ingrid Bergman era antigua, pero no es el origen de esta historia. La última vez que la había visto fue en el festival de Cannes con ocasión de la proyección de Gritos y susurros. Entonces me metió una carta en el bolsillo, donde me recordaba que le había prometido hacer una película juntos” (Ingmar Bergman, en su libro Imágenes).

Sonata otoñal aborda de manera clara la dificultad de conciliar el temperamento artístico con las emociones humanas más simples: el film diserta acerca del papel que juega el artista t su arte en la sociedad, de la figura del artista como trabajador, del arte como disciplina.

CURSO DE CINE:

“LOS FANTÁSTICOS MUNDOS DE TIM BURTON”

DICTADO POR SERGIO ZADUNAISKY

En la figura de Tim Burton encontramos a uno de los directores más personales dentro del mundo del cine, aunque paradójicamente su obra deba construirse en los grandes estudios de Hollywood. Y es que este artista sigue su propio camino, sin adherirse a ninguna moda o corriente. Cada una de sus películas se nutre de diversas influencias, que van desde el expresionismo alemán hasta los filmes fantásticos “clase B”, desde el cine catástrofe al universo de Federico Fellini, desde el comic al cuento de hadas.

El escenario de sus filmes no tiene personajes buenos ni malos, en todo caso, criaturas desoladas, alienadas o dejadas de lado por su entorno. “Me gustan los personajes que están un poco apartados, que viven en un mundo propio, con valores que no son necesariamente los de otras personas”, dirá Burton  en un momento. Y si el mundo que recrea este artista se encuentra claramente dividido en dos partes, veremos que la integración nunca es posible.

En este curso de 4 clases repasaremos la bio-filmografía de Tim Burton, uno de los directores que mejor combina lo artesanal con lo tecnológico y que se da el lujo de criticar a la sociedad americana desde el seno de los grandes estudios de su país.

Dinámica de trabajo:

Ilustración con proyección de fragmentos de películas en pantalla grande.

Duración: 4 clases de dos horas, frecuencia semanal

Costo:

-Por el módulo completo (se abona en la primera clase): 150 pesos.

-Costo por clases separadas: 50 pesos cada una.

Lugar: Librería – Café Crackup, Costa Rica 4767, Palermo.

Fecha de inicio: Sábado 27 de marzo de 2010 de 15.30 a 17

Se sugiere ver antes de cada clase las películas seleccionadas.

Informes e inscripción:

libros@crackup.com.ar / 4831 3502

dalecine@gmail.com / 154 178 2080

PROGRAMA

 Clase 1

Entrando al laberinto detrás del espejo: Introducción al cine de Burton

En esta clase analizaremos sus influencias y referentes, entre ellos a Ray Harryhausen, Federico Fellini, los artistas expresionistas, los cuentos de hadas, la imaginería pop, el músico Danny Elfman, el cine clase B, Roal Dhal, entre otros. Además, veremos algunos de sus primeros trabajos, entre ellos “Vincent” (homenaje al actor Vincent Price hecho en 1982) y “Frankenweenie” (su particular recreación de Frankenstein de 1984).

Además, analizaremos “El gran pez” (2003), obra en la que Burton explora la relación de un padre con su hijo.

EL GRAN PEZ (2003)

Pocas veces una película se vuelve una experiencia tan personal para un director como ha sido para Tim Burton “El gran pez”. En su nuevo film Burton se mete de lleno en un tema del que acaba de salir él mismo: la conflictiva relación entre un padre agonizante y su hijo adulto.

El mismo enterró a su padre, del que estuvo distanciado durante años, poco antes de comenzar a filmar y, como para incrementar el peso emocional, apenas unos meses después de terminar de editar tuvo un hijo, Billy, con su esposa, la actriz británica Helena Bonham Carter. “Nadie te prepara para tener un hijo y a mí me resultó la cosa más rara que me ha pasado en la vida. La experiencia más extraña, natural y antinatural, algo que jamás había imaginado. Es alucinante”, dice. Y agrega -”Estás completamente desprevenido para esta mezcla de sentimientos. Se siente como una película de “Alien”; es muy raro”, asegura Burton, que relaciona toda la vida con el cine.

“Cuando uno pierde a un padre es todo un shock, aunque esté enfermo; es una verdadera sorpresa -explicó-. Me llamó la atención cuánto me afectó y cuánto me puse a pensar en nuestra relación, era difícil ponerlo en palabras. Por eso estoy tan agradecido con este guión porque identificó todo lo que yo estaba analizando y me ayudó a hacer catarsis sin necesidad de ir a un psicólogo, antes de tener a mi hijo. A veces, ni siquiera puedo entender mis percepciones.”

Clase 2

Burton, el caballero de la noche: ANÁLISIS DE “BATMAN” (1989) Y “BATMAN VUELVE” (1992)

“Nunca fui un gran fanático de los comics, pero siempre amé la imagen de Batman y El Guasón. Yo amé siempre a Batman, con su personalidad dividida, su personalidad oculta. Con un lado luminoso, y a la vez con su lado oscuro, algo muy frecuente entre la gente corriente” (Tim Burton).

Primera mega-producción burtoneana, Batman se erige como un icono dark de la cultura de masas del fin del siglo XX. Gótica, fastuosa y personal, esta obra de Burton fue un suceso de recaudaciones en el mundo entero. Su héroe, nos muestra una faz sociable y hasta simpática, encarnada en Bruno Díaz, un multimillonario algo soso y predecible. Pero, su otro lado, que podríamos llamar su dark side, nos muestra a un Batman cuyos orígenes se fundan en una orfandad precoz, y en unas ansias de venganza infinitas. El Guasón, su archienemigo, no está tan lejos de él como puede suponerse en un principio, ya que la personalidad psicótica y dividida que ambos arrastran, los acerca hasta casi tocarse. El gran éxito de esta entrega, pone a Burton nuevamente detrás de las cámaras, para realizar la segunda parte.

BATMAN VUELVE (1992)

Más oscura que su predecesora, Batman Vuelve muestra todo lo que Burton no pudo hacer en la primera entrega. El Pingüino, un ser que sólo busca tener un reconocimiento social, y que fue expulsado de la familia por sus propios padres, pone en evidencia uno de los grandes temas de Tim Burton, el encuentro de dos mundos diferentes, que sólo pueden repelerse el uno al otro, ya sea con la destrucción de uno de ellos, o con la existencia de ambos, pero cada uno por su lado. La galería de freaks se agranda, ya que aparece Gatúbela, otro ser con graves trastornos de personalidad.

Los héroes de Burton no son nunca normales, aunque en su mayoría guarden buenas intenciones y bondad en su interior. Y los que parecen normales, esconden muchas veces maldad y ansias de destrucción.

Clase 3

BurtonDepp. el  extraño hombre con dos cabezas: ANALISIS DE EL JOVEN MANOS DE TIJERA (1990) Y ED WOOD (1994)

EL JOVEN MANOS DE TIJERA (1990)

La historia que Burton propuso a la Warner, la productora de sus tres films anteriores, sobre un joven cuyas manos son tijeras, fue rechazada, y finalmente vendida a la Twenty Century Fox. Con el formato de un cuento infantil clásico, Tim Burton construye lo que es hasta hoy una de sus obras más personales. Con guión de Caroline Thompson (luego guionista de El Extraño Mundo de Jack) la historia es, ante todo, la de un amor imposible entre un extraño y enigmático ser y una sensible chica americana de los suburbios. Más profundo de lo que parece mostrar en su superficie, el film de Burton nos cuenta la historia de Edward (Johnny Depp), típico héroe burtoniano, quien posee la capacidad de crear y destruir al mismo tiempo, gracias a las tijeras que su creador (el admirado por Burton Vincent Price) no llegó reemplazar por unas manos comunes y corrientes. A su alrededor, giran las miserias de un pueblito que lo utiliza y lo mira alternativamente con intriga, admiración y temor. Tan sólo con Kim (Wynona Ryder) podrá expresar realmente sus sentimientos, aunque finalmente la unión entre ambos quede trunca, dejando en ellos una huella imborrable.

ED WOOD (1994)

Si nos acercaramos a un set donde se filma una película, veremos que sus integrantes parecen seres sacados de otro planeta. Podremos encontrar allí personajes alienados, con vestimentas de distinto tipo, actores hablando solos mientras ensayan sus papeles, cholulos tratando de ver a sus estrellas favoritas, gente corriendo de acá para allá, escenógrafos e iluminadores preparando una escena, y otras cosas por el estilo. Ed Wood trata un poco sobre esto, y pone al frente a uno de los seres más optimistas del planeta, secundado por una troupe de lunáticos.

Lejos del afán documental o testimonial, este film de acertada fotografía en blanco y negro, nos acerca la personalidad de un director de culto, maldito, considerado el hacedor de las peores películas de la historia del cine (?) y que osaba compararse nada menos que con Orson Welles. Quién otro si no Tim Burton para retratar su personalidad extravagante (le gustaba, sin ser gay, usar ropa de mujer) y contagiosamente esperanzadora.

Clase 4

Animado y triste a la vez: ANÁLISIS DE EL EXTRAÑO MUNDO DE JACK (1993) Y EL CADÁVER DE LA NOVIA (2006)

EL EXTRAÑO MUNDO DE JACK (1994)

Si bien “El extraño mundo de Jack” fue dirigido por Henry Selick, el guión y la producción corrieron por cuenta de Burton. La historia de un torturado personaje, hastiado de su mundo, que parte en la búsqueda de nuevas sensaciones y conoce la “verdadera Navidad”, es un muestrario del poder de la imaginería poético-visual-musical de Burton y equipo (el propio Selick, Danny Elfman).

EL CADAVER DE LA NOVIA (2006)

Ambientada en un pueblecito europeo en el siglo XIX, esta película de animación fotograma a fotograma cuenta la historia de Victor (a quien pone voz Johnny Depp), un joven que es llevado de repente al infierno, donde se casa con una misteriosa Novia Cadáver (con la voz de Helena Bonham Carter), mientras que su verdadera novia, Victoria (a quien pone voz Emily Watson) espera en el mundo de los vivos. A pesar de que la tierra de los muertos resulta ser más colorista que su estricta educación victoriana, Victor aprende que no hay nada en este mundo, ni en el siguiente, que pueda separarle de su único y verdadero amor. Es un cuento de optimismo, romance y una “otra vida” muy animada, contada con el clásico estilo Tim Burton.

 Los cortometrajes se verán completos en la clase. En cuanto a los largometrajes, se recomienda su visión previa, ya que sólo se verán fragmentos para su análisis. También veremos ejemplos de diferentes filmes relacionados de una u otra manera con la obra del autor estudiado.

Se entregará a los participantes material bibliográfico y apuntes sobre las clases.

“¿Qué es el cine?”

Curso de lenguaje, estética e historia del cine

Dictado por Sergio Zadunaisky

Objetivos

Este es un curso orientado a aquellos a los que les interese conocer y aprender más sobre el lenguaje y la historia del cine. El objetivo principal es que los concurrentes manejen herramientas de análisis para enfrentar un film. Para participar no es necesario tener conocimientos previos en la materia.

Dinámica

Las clases son semanales y duran dos horas cada una. Para enriquecer el análisis, cada uno de los temas se ilustrará con ejemplos de películas de los más diversos orígenes, para así poder comparar diferentes propuestas estéticas, narrativas y temáticas. Del cine mudo al sonoro, de los cineastas europeos a los directores americanos, así como los distintos géneros y vanguardias artísticas, llegando a las películas más representativas de la época actual.

Al final del curso tomaremos un largometraje a designar, para aplicar lo aprendido.

Fecha de inicio: Miércoles 17 de marzo a las 20.30 horas.

Duración: 8 clases (2 meses)

Arancel: 180 pesos por mes.

Promoción: Pagando los dos meses por adelantado: 300 pesos. 

Se dictará en el barrio de Belgrano (La dirección solo se brindará a aquellas personas interesadas que se comuniquen con el docente).

Informes e inscripción: 154 178 2080 / dalecine@gmail.com

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PARA ASISTIR NO SE REQUIEREN CONOCIMIENTOS PREVIOS.

CONTENIDO DEL CURSO

EL CINE Y SUS ORÍGENES

Relación del cine con el teatro y la pintura.

Orígenes del  lenguaje cinematográfico: El cine primitivo

EL DISCURSO CINEMATOGRÁFICO

La mirada sobre el mundo: La puesta en escena.

Personajes: El modelo americano. El modelo europeo.

La profundidad de campo.

La banda sonora.

Tiempo y Montaje.

ESTRUCTURAS

El modelo clásico en tres actos.

La estructura dramática en el cine moderno.

EL CINE Y LA MANIPULACIÓN DE LA REALIDAD

El cine documental.

El cine de propaganda.

El documental apócrifo.

GÉNEROS Y ESTILOS

Los géneros clásicos del cine americano.

Conceptos y orígenes.

Estudio de algunos géneros.

Los géneros en el cine “posmoderno”.

MOVIMIENTOS HISTÓRICOS DEL CINE

El Expresionismo.

El Surrealismo.

La Nouvelle Vague.

APLICACIÓN DE CONCEPTOS.

Análisis de un largometraje entre todos los participantes.

Conclusiones finales.

“Su cuarto de baño es una sala de montaje, su dormitorio una sala de proyección. Los magnetoscopios no descansan durante las 24 horas, la música no se interrumpe jamás, la noche se confunde con el día y viceversa”. Estas palabras del realizador Michael Powell, mentor, consejero y amigo de Martin Scorsese, sirven para introducirnos en el particular universo de uno de los directores más personales del actual cine americano.

Cinéfilo empedernido, trabajador incansable del cine, no para de generar proyectos (películas de ficción, documentales, producciones de otros realizadores). De los cineastas americanos surgidos en las últimas décadas, Martín Scorsese es, con diferencia, uno de los más lúcidos e interesantes. Tras una primera etapa en el cine independiente, cada película suya se ha transformado en un acontecimiento, tanto por la polémica que arrastraba (Taxi Driver ó La última tentación de Cristo) como por su trabajo en común con Robert de Niro o, simplemente, por su maestría (Toro Salvaje o Buenos muchachos). Dividido entre su respeto por el gran cine hollywoodense (el de los estudios) y sus ambiciones de autor nutridas por el cine europeo, Martin Scorsese ha sabido mantener el equilibrio convirtiéndose en el más clásico y el más moderno de los cineastas de su generación.

Dinámica de trabajo:

Ilustración con proyección de fragmentos de películas en pantalla grande.

 Duración:

 -4 clases de dos horas, frecuencia semanal

Costo:

-Por el módulo completo (se abona en la primera clase): 150 pesos.

-Costo por clases separadas: 50 pesos cada una.

Lugar:

-Librería – Café Crackup, Costa Rica 4767, Palermo.

Fecha de inicio:

-Sábado 13 de marzo, 11 a 13 horas.

Se sugiere ver antes de cada clase las películas seleccionadas. A la persona que lo desee, se le entregará las mismas (a un costo de 5 pesos cada una).

Informes e inscripción:

libros@crackup.com.ar / 4831 3502

dalecine@gmail.com / 154 178 2080

Películas de Scorsese que se analizarán en el curso:

Clase 1

-Calles salvajes (Mean streets, 1973)

-Taxi Driver (Idem, 1976)

Clase 2

-¿Quién golpea a mi puerta? (Who’s That Knocking at My Door?, 1967)

-El rey de la comedia (The king of comedy, 1982)

Clase 3

-Toro salvaje (Raging Bull, 1980)

-Después de hora (Alter hours, 1985)

Clase 4

-La última tentación de Cristo (The last temptation of Christ, 1988)

-Buenos muchachos (Goodfellas, 1990)

PASIÓN Y DESEO, EL MELODRAMA EN EL CINE

Curso dictado por Sergio Zadunaisky y Edith Russo.

“No quiero necesitarte…porque no puedo tenerte” (Robert Kincaid, el personaje encarnado por Clint Eastwood en Los puentes de Madison)

Pese a ser, cuantitativamente,  -y junto a la comedia-, el más amplio y variado de los géneros cinematográficos, el melodrama (o “melo”, como también se lo conoce) sigue siendo el que disfruta de un menor prestigio entre el público, e incluso entre muchos estudiosos. La dificultad de definirlo, de acotar sus límites y variantes, así como su vinculación con las formas más degradadas de la literatura y los espectáculos populares, han contribuido a que melodrama sea el término con que se designa de manera perezosa a muchos filmes pertenecientes a un modelo fílmico difuso y lleno de zonas opacas, por lo que su sentido ha terminado de diluirse y vaciarse. Retomar sus orígenes dará lugar a un recorrido que se inicia en la tragedia griega, pasando por la ópera que musicaliza el deseo, para llegar al drama y su puesta en escena con su forma Melo.

“Los viejos sueños eran buenos sueños. No se cumplieron, pero me alegro de haberlos tenido”. (Francesca Johnson, el personaje de Meryl Streep en Los puentes de Madison).

Sin embargo, lo melodramático se presenta como uno de los sistemas más interesantes y poco estudiados – sobre todo en el ámbito de habla castellana – de la expresión fílmica; rara es la película que no esté impregnada de su emocionante iconografía, de su hiperbólica dramaturgia, de sus estructuras narrativas o de su densa puesta en forma. El cine, desde sus orígenes, ha elegido el melodrama como el vehículo más apropiado para hablar del deseo, la infelicidad, el dolor, el sacrificio y la melancolía. Representación de los sentimientos, género de géneros, el melodrama aparece así como un apasionante campo de estudio no solo sobre la propia naturaleza del cine, sino sobre la complejidad del alma humana tejida  por el deseo y el destino, como coordenadas del saber hacerse. La pasión y la posibilidad o no de la renuncia, como riesgo de vivir una historia que entrame la potencialidad que está en cada persona. El riesgo de sostener lo propio, y el precio que esta posición conlleva en el marco socio cultural. 

En este curso nos proponemos acercar al espectador el lenguaje del cine melodramático, estudiando sus principales características y grandes autores. Comenzaremos por una somera introducción al género en nuestra primera clase, para centrarnos luego en tres de las películas más representativas del melodrama, relacionadas entre sí por su historia central, el amor condenado por  los prejuicios sociales.

Nuestro enfoque será desde lo cinematográfico (contexto histórico de las películas, relación del director con el género. Forma y estilo, puesta en escena) y lo temático (acciones, deseos y función de los personajes, análisis de su problemática social e histórica).

Se sugiere ver las películas antes de cada una de las clases, ya que no se exhibirán en forma completa.

El curso consta de 4 clases, los miércoles de febrero de 20 a 22 horas en Cabildo y Pico (la dirección exacta se le dará solo a aquellas personas inscriptas).

Informes e inscripción:

dalecine@gmail.com / 154 178 2080

Clase 1

 Introducción al cine melodramático.

El melodrama y lo melodramático, modelos de cine popular.

El melodrama: radiografía de la búsqueda de la felicidad en el ser humano.

El deseo suspendido.

Los ideales.

Los diferentes finales propuestos por el género  como modelos para la resolución de la conflictiva subjetiva. Su relación con los modelos socioculturales vigentes.

Reglas compositivas de la puesta en escena del melodrama clásico hollywoodense.

El melodrama desde el cine clásico a nuestros días.

La mezcla de géneros: El melo junto al western y el film noir

Películas citadas: El suplicio de una madre (Michael Curtiz, 1945), Duelo al sol (King Vidor, 1946), Carta de una desconocida (Max Ophuls, 1948), Cautivos del mal (Vincente Minnelli, 1952), Tacones lejanos (Pedro Almodóvar, 1991), Los puentes de Madison (Clint Eastwood, 1995), Con ánimo de amar (Wong Kar-Wai, 2000)

Clase 2

Lo que el cielo nos da (All that heaven allows, Douglas Sirk, 1955)

Sinopsis: Una viuda de buena familia inicia un romance con su apuesto jardinero. A pesar de pertenecer a dos mundos completamente diferentes deciden casarse, pero su amor se encuentra con el rechazo de los hijos de la mujer y de su círculo social. 

Temas a tratar sobre la película:

Una mujer sola y el impacto en su medio social.

La sexualidad cuestionada.

La función de la amistad y la envidia en la feminidad.

Los hijos.

Los ideales. 

Clase 3

La angustia corroe el alma (Angst essen Seele auf, Rainer W. Fassbinder, 1974)

Sinopsis: En un café al que acuden los trabajadores inmigrantes, Emmi Kurowski, viuda de unos sesenta años, conoce a Salem, marroquí treintañero. Inducido por la dueña del bar, Salem invita a Emmi a bailar con él, le habla, le acompaña a casa y, al día siguiente, se instala en casa de Emmi. Su unión suscita el escándalo, y las vecinas denuncian a la mujer al propietario del edificio…

Temas a tratar sobre la película:

Cuando la soledad no se elige ni se inventa.

El encuentro en las diferencias.

La función de una historia de amor.

Del destierro de Edipo a la marginación social. 

Clase 4

Lejos del paraíso (Far from heaven, Todd Haynes, 2002)

Sinopsis: Durante los años cincuenta, una acomodada ama de casa de Connecticut, con su vida aparentemente asentada y programada según los cánones y etiquetas de la sociedad y el modelo de familia americana, se enfrenta a una crisis matrimonial y a un mundo exterior donde se deben limitar las emociones. Un mundo donde las fronteras entre racismo y tolerancia sexual no permiten ser cruzadas.

Temas a tratar sobre la película:

El camino de los ideales al deseo.

Duelar lo que no se ha sido.

Encontrarse con lo que se es.

La aceptación de las diferencias y la renuncia a la completud.

WOODY ALLEN nació en el barrio del Bronx, en la ciudad de Nueva York, el 1 de diciembre de 1935. Tras ser rechazado por las universidades de Nueva York y el City College inició una carrera como escritor para humoristas de televisión hasta que, animado por sus amigos, productores y, entonces agentes, Jack Rollins y Charles H. Joffe, comenzó a escribir para él mismo, convirtiéndose en un humorista renombrado. En 1964 escribió su primer guión para el cine, ¿Qué hay de nuevo, Pussycat? En 1969 escribió y protagonizó su primera película como director, Robó, huyó y lo pescaron.

Desde que en 1977 consiguiera el Oscar a la mejor película por Annie Hall realiza prácticamente una película al año y, a veces, incluso más de una, lo que, junto a la calidad de sus obras le ha convertido en un fenómeno cinematográfico único en el mundo durante las tres últimas décadas.

Sus películas, atravesadas por múltiples referencias a la filosofía y al psicoanálisis, no excluyen ecos del cine de Búster Keaton, los hermanos Marx, Ingmar Bergman y Federico Fellini, o de escritores como Fedor Dostoievsky y Antón Chejov. Su ecléctica carrera como director incluye historias cómicas (El dormilón, Bananas), falsos documentales (Zelig), musicales (Todos dicen te quiero), obras de cámara (Interiores),  thrillers (Misterioso asesinato en Manhattan) y hasta ensayos sobre la condición humana como Crímenes y pecados (quizás su mejor película) o Match Point.

Dinámica del curso

En este curso de cuatro clases analizaremos sus diferentes etapas como realizador, deteniéndonos en los aspectos formales y temáticos más relevantes de sus mejores filmes. Se analizarán por encuentro dos películas y se verán fragmentos de obras de directores relacionados, además del documental Woody Allen, a life in film. El cronograma es el siguiente:

Programa

Clase 1

Los comienzos, las comedias puras y el homenaje al cine mudo. El absurdo llevado al delirio. El guiño cómplice a Groucho Marx.

-Robó, huyó y lo pescaron (1969)

-El dormilón (1973)

Clase 2

La influencia de Bergman y Antonioni. La autocompasión como estilo de vida. Annie Hall: Una película “bisagra”.  New York, la ciudad amada para un cineasta urbano. La mezcla entre la vida privada y los personajes de ficción.

-Annie Hall (1977)

-Interiores ((1978)

Clase 3

Dios; ¿estás ahí? La diferencia entre “fantasía” y “realidad”. El mundo de Chejov y la novelización del cine.

-La rosa púrpura del Cairo (1985)

-Hannah y sus hermanas (1986)

Clase 4

Los ojos de Dios. El deseo y la culpa. La vida, ¿favorece a los justos? La cruel indiferencia del Universo. La vida matrimonial en tono documental.

-Crímenes y pecados (1989)

-Maridos y esposas (1992)

Se pide a los participantes que en lo posible vean las películas antes de cada uno de los encuentros, ya que de las mismas se verán solamente algunas escenas para su análisis.

Fecha de inicio

Martes  9 de febrero a las 19 horas en la librería Crack-Up, Costa Rica 4767. Palermo.

Arancel

150 pesos.

Informes e inscripción

4831.3502 | libros@crackup.com.ar |

| dalecine@gmail.com |154 178 2080

Amor sin escalas (Up in the air, Jason Reitman, 2009)

 La vida tomada como un no lugar

 Un “no-lugar” es un término arquitectónico creado por Marc Augé para designar esos lugares en donde no hay identidad, ni vínculos directos entre el que lo ocupa y el lugar mismo. Un espacio donde se es anónimo, donde nada afecta al individuo.

Según Marc Augé,  “Si un lugar puede definirse como lugar de identidad, relacional e histórico, un espacio que no puede definirse ni como espacio de identidad ni como relacional ni como histórico, definirá un no lugar. La sobremodernidad es productora de no lugares, es decir, de espacios que no son lugares antropológicos y que no integran los lugares antiguos: [lugares de memoria].”

En su escrito: Sobremodernidad. Del mundo de hoy al mundo de mañana. Marc Augé menciona algunos ejemplos de estos lugares:

- Los espacios de circulación: autopistas, áreas de servicios en las gasolineras, aeropuertos, vías aéreas…
- Los espacios de consumo: super e hipermercados, cadenas hoteleras
- Los espacios de la comunicación: pantallas, cables, ondas con apariencia a veces inmateriales.

 EL VÉRTIGO DE LA SOBREMODERNIDAD: “NO LUGARES”, ESPACIOS PÚBLICOS Y FIGURAS DEL ANONIMATO (Adolfo Vásquez Rocca)

Todos, también, hemos estado solos en algún aeropuerto, en ese terminal de una red inmensa e indeterminada de flujos que se mueven y se mezclan en todas direcciones, en esa situación de tránsito tan propio de los no-lugares, se experimentan ciertos estados de gracia posmodernos como el del viaje, cuando en lugar de estar nos deslizamos, transcurrimos, sin afincar nuestra identidad ni tener que comprometernos más allá de dos horas. Aquí, en estos nuevos espacios de indefinición, donde el tiempo se extiende como goma de mascar advienen nuevas y extrañas enfermedades como las cronopatías –derivadas del abrupto cambio de husos horarios no asimilables a los ciclos biológicos. Este extraño personaje, el viajero, nunca está, ni nunca estuvo realmente en un sitio, sino que más bien se traslada, se desplaza, él mismo es sólo ese tránsito que efectúa y en el momento justo en que lo efectúa.

 Curiosamente el pasajero de los no lugares sólo encuentra su identidad en el control aduanero. Mientras espera, obedece al mismo código que los demás, registra los mismos mensajes, responde a las mismas apelaciones. El espacio de no-lugar no crea ni identidad singular ni relación, sino soledad y similitud.

El título en castellano puede llamar a engaño y hacernos pensar que estamos ante una comedia romántica, “Amor sin escalas” no es el nombre más feliz para reemplazar a “Up in the air”, título que hace justicia a la historia que se nos narra.

Ryan Bingham (George Clooney) es un viajero consumado. Su trabajo lo mantiene en el aire más horas de las que está en tierra. Su espacio es el no-lugar (en un momento la compañía en la que viaja lo premia como pasajero VIP al haber alcanzado un millaje de vuelo extraordinario, y cuando el capitán se acerca a felicitarlo, conversa con él y le pregunta de dónde es, Ryan responde: “De acá, yo soy de acá”).

Sin compromisos afectivos, habiendo roto los lazos familiares y manteniendo relaciones ocasionales con las mujeres, Ryan es un viajero sin lastre, sin mochila, como el mismo suele aconsejar a quienes lo escuchan en sus múltiples conferencias. Su trabajo es un trabajo “sucio”, desagradable, ése que ninguna compañía quiere hacer, contarle a la gente que la empresa “ha decidido prescindir de sus servicios”, que han quedado afuera del sistema.

DENTRO y FUERA

La noticia debe ser dada como algo positivo, la nueva oportunidad (en un juego que de azaroso no tiene nada y en el cual el individuo, luego de años de trabajo y de esfuerzo, es arrojado a la calle), con supuesta chance de rehacerse y encontrarle un nuevo sentido a su vida.

Son épocas de despidos masivos y de condiciones laborales cuasi-infrahumanas (recordemos el caso de Telecom en Francia, donde una treintena de empleados se suicidó o intentó hacerlo`dadas- sus condiciones de trabajo). Épocas donde lo virtual tiene más peso que lo real y donde la persona pierde identidad.

VÍNCULOS

En un momento Ryan encuentra una mujer con la que parece que algo puede ser diferente y reestablece el vínculo con su familia cuando una de sus hermanas le pide que asista a su casamiento. (Es significativa y nada caprichosa la idea de que esta hermana le solicite que con una gigantografía de la foto de ella con Jim, su novio, saque fotos de ellos con los diversos fondos de las ciudades que él va visitando, ya que el dinero de la luna de miel lo están guardando para un emprendimiento).

Los vínculos parecen afianzarse, pero las cosas no son fáciles. A Ryan también le han puesto de prepo a una especie de nerd, una chica que se acercó a su compañía con una idea renovadora, despedir a la gente de manera virtual, dialogando a través de una computadora. Las razones esgrimidas, bajar costos. Ryan, cuya vida es un viaje permanente, toma la noticia con desagrado. Él necesita seguir viajando. La virtualidad lo dejaría en tierra, sin posibilidades de volar. O sea, sin posibilidades de vivir (o con el riesgo de tener que enfrentarse con el mundo real).

No estamos ante una comedia, más bien ante una película que con humor sardónico dibuja el panorama de las relaciones y los vínculos hoy día. Nada complaciente (el final poco consolador así nos lo dice), “Amor sin escalas” propone, con mirada entre cómplice y distante, el retrato de un mundo en descomposición.

Sergio Zadunaisky

En el 2009, Dale Cine te ofreció proyecciones, cursos y cine-debates. Juntos vimos y discutimos, entre otras, “Hablame de la lluvia”, “Vicky Cristina Barcelona”, “Entre los muros”, “La ola”, “Los abrazos rotos”, “Si la cosa funciona”, “Río congelado” y El árbol de lima”.

También aprendimos sobre aspectos del lenguaje cinematográfico en nuestros talleres ”Qué es el cine”, “El cine y la pintura” y “Las ciudades en el cine” y en los cursos de directores, analizando las obras de Pedro Almodóvar, Alfred Hitchcock, David Lynch, Federico Fellini, John Cassavetes, Ingmar Bergman, Nuri Bilge Ceylan, Werner Herzog y Francois Truffaut.

Nos convocaron distintos grupos académicos, entre ellos, profesores de la Facultad de Arquitectura de la UBA y profesionales del Hospital de Niños.

Dale Cine ya está pensando para el 2010 nuevas propuestas para que disfrutes del mejor cine y los grandes directores de la historia. Habrá cursos sobre Luchino Visconti, Francis Coppola, Michelangelo Antonioni, Martin Scorsese y Eric Rohmer. También, realizadores que son clásicos de Dale Cine: Luis Buñuel, Federico Fellini, David Lynch, Tim Burton y los hermanos Coen.

Además, ofreceremos talleres con los siguientes temas:

-  ”De Bela Lugosi a Ingmar Bergman: Drácula, vampiros y el vampirismo en el cine”

- “Eso no se muestra, eso no se dice: la censura en el cine”

-”El Cine Negro: de los grandes clásicos a El silencio de los inocentes y Pecados Capitales”.  

Ahora, además del barrio de Belgrano y Palermo (librería Crackup), sumamos a San Isidro (La Boutique del libro). Y ya contamos con varios grupos en casas particulares (si tenés un grupo de amigos, no dudes en consultarnos para que Dale Cine vaya a tu casa).

Por todo esto, te decimos,

¡Muchas felicidades!

&

¡Mucho (y buen) cine para el 2010!

ES UN DESEO DE DALE CINE

FEDERICO FELLINI,  POESÍA Y EXCESOS DE UN GRAN MENTIROSO
Curso de cine dictado por Sergio Zadunaisky

Histriónico, imprevisible, tierno, sensible, ingenioso, mordaz… son solo algunos de los adjetivos con los que se ha definido al maestro Federico Fellini. Creador de un universo cinematográfico mágico y poético de un marcado carácter autobiográfico, Fellini es uno de los directores más controvertidos e imitados de la historia. Sus filmes presentan un mundo en el que la remisión a una realidad que coexiste con lo fantástico es la condición misma de la existencia de unos personajes situados a medio camino entre lo cotidiano, lo grotesco y el delirio poético. Para el italiano, no es necesario que las cosas que se ofrecen sean auténticas, lo que debe serlo es la emoción que se advierte cuando se ve, cuando se expresa. Su vasta influencia llega a directores como Martín Scorsese, David Lynch, Emir Kusturica, Woody Allen, Wes Anderson y Tim Burton, entre muchos otros.

En este curso analizaremos sus filmes más importantes, en donde podremos ver su recorrido desde las fuentes del Neorrealismo Italiano hasta la consolidación de un lenguaje propio, que llegaría a convertirse en una verdadera marca registrada (lo comúnmente denominado “Fellinesco”). También fragmentos de películas de otros directores relacionados y del documental “Soy un gran mentiroso”, sobre el propio Fellini.

Películas de otros directores relacionadas con el universo de Fellini:

El gran pez (Tim Burton), Terciopelo azul (David Lynch), Stardust Memories (Woody Allen), Underground (Emir Kusturika), Calles salvajes (Martin Scorsese), La casa de los engaños (Andrei Konchalovski), Vida acuática (Wes Anderson).

Dinámica de trabajo:

Ilustración con proyección de fragmentos de películas en pantalla grande.

Duración: 4 clases de dos horas, frecuencia semanal

Costo por el módulo completo (se abona en la primera clase): 150 pesos.

Costo por clases separadas: 50 pesos cada una.

Lugar: Librería – Café Crackup, Costa Rica 4767, Palermo.

Fecha de inicio: Martes 5 de enero de 2010, de 19 a 21

Se sugiere ver antes de cada clase las películas seleccionadas.

Informes e inscripción:

libros@crackup.com.ar / 4831 3502

dalecine@gmail.com / 154 178 2080

Películas de Fellini que se analizarán en el curso:

Clase 1

 -El sheik (1952)

Un joven matrimonio llega a Roma en viaje de luna de miel, pero la chica -fanática de las fotonovelas- se pierde en la ciudad buscando a su héroe y amor imposible, el Sheik Blanco, interpretado por Alberto Sordi. Mientras, su esposo la busca a ella y por separado tienen toda clase de aventuras, ridículas o extrañas. Comedia negra que se ríe de la devoción popular a las estrellas, El Sheik Blanco es considerado por muchos como el primer gran filme de Fellini. En el guión colaboró un entonces desconocido Michelangelo Antonioni.

-Los inútiles (1953)

Fellini nos cuenta la no-vida de un grupo de jóvenes habitantes de una ciudad de provincias en la Italia de los ´50. Ya pasada la posguerra y con el país en plena recuperación, pero aun con miseria y necesidad, el director nos acerca a ver de cerca a un grupo de jóvenes que nunca han conocido el hambre o el sufrimiento. Su vida consiste en salir de fiesta por la noche, al bar o el billar, intentar ligar con alguna de las chicas del lugar, llegar tarde por la noche, dormir hasta el mediodía, y repetir la misma rutina día tras día. Solo uno de ellos puede tomar conciencia de la realidad en que vive para tomar una decisión que le cambie su vida.

Clase 2

 -La strada (1954)

Recorriendo el mundo con su espectáculo, el vigoroso Zampanò conoce por casualidad a una pobre y numerosa familia campesina, que le vende por poco dinero a la graciosa Gelsomina. Violento y posesivo, Zampanò obliga a la chica a acompañarlo en sus actuaciones, en las cuales la ridiculiza sin escrúpulos mientras él parte cadenas ante un público incrédulo.

La Strada es una de las películas de Fellini, que pertenecen a la etapa más cercana al neorrealismo en la carrera del cineasta. Período que comprende desde la película Luci dil varietà (1950) hasta la La dolce vita,(1961).

-La dolce vita (1960)

“La dolce vita es el primer gran film “social” de Fellini, su primer gran retablo histórico, su primer intento también de hacer un retrato que aúne simultaneidad y pluridimensionalidad. (…) Es el inicio de su obsesión de hacer un film-fresco que pueda ser abarcado en sus múltiples detalles con un solo golpe de vista. El objetivo elegido es la sociedad italiana que eufóricamente deja la década de los cincuenta, que quiere olvidar definitivamente el horror de la guerra y la miseria de la posguerra, que pretende construir un sistema de vida basado en la irresponsabilidad, el confort y la relatividad moral, que quiere tapar sus desgarrones con la doble moral y el silencio censor”. (Brunello Rondi, guionista de La Dolce Vita).

Clase 3

 -Fellini  8 ½ (1963)

Aunque su título original iba a ser “La bella confusione(la bella confusión)” Fellini lo dejó simplemente en “8 y 1/2″, ya que esta película según el propio cineasta, hacía la número 8 y medio en su filmografía, contando con que su anterior obra, “Bocaccio 70″ fue un proyecto “sui generis” en el que 4 directores italianos; Vittorio De Sica, Mario Monicelli, Luchino Visconti y el propio Fellini acometieron la tarea de adaptar a la gran pantalla historias del celebérrimo poeta toscano, Bocaccio…
Fellini, en este retrato semi-autobiográfico (con Fellini nunca sabemos qué es verdad y qué no) nos habla a su manera del conflicto creativo de un autor (Marcello Mastroianni, su alter ego ideal) en plena etapa de confusión, tal y como quería darnos a entender su titulación original…
Películas como “Stardust Memories” y en menor medida “Los secretos de Harry”, ambas de Woody Allen son evidentes deudoras de la forma y fondo de esta emblemática cinta del director italiano.

-Amarcord (1973)

Película realizada por Federico Fellini, entre Roma (1972) y Casanova (Il Casanova de Federico Fellini, 1976), vista hoy en día, continúa revelándose como un hito; una crónica nostálgica y personal, impregnada de la poesía y de la dosis de surrealismo tan propia de sus obras, que abraza sin ningún tipo de pudor la adolescencia del propio autor. Con 53 años a su espalda, el viejo Fellini regresaba a una región casi irreconocible por la bruma que el paso del tiempo había depositado en ella, el territorio de su infancia y juventud. En Amarcord, Fellini echó mano a sus recuerdos infanto-juveniles para elaborar una obra de un marcado tono nostálgico. Sin embargo, el recuerdo poco tiene que ver con un testimonio fidedigno del pasado. En el recuerdo, la imaginación disfruta de espacios abiertos para campar a sus anchas. El pasado puede ser evocación de un tiempo que no regresará jamás. No obstante, esta verdad de Perogrullo no esconde que, en ocasiones, la mentira se pueda convertir en la proyección del presente porque vemos lo que ocurrió, no como de verdad aconteció, sino embriagados por el aroma de la idealización —cosa ésta, bastante más atractiva que la propia realidad.

Clase 4

 -Y la nave va (1983)

“Hay quien ha querido ver en Ensayo de orquesta, La città delle donne, E la nave va, Ginger e Fred, La voce della luna, variaciones metafóricas sobre la situación política de Italia, sobre la sensación de inminente colapso del sistema, sobre la pérdida de capacidad comunicativa, sobre el triunfo de los rumores y de un caos irreversible.

El velo fúnebre que poco a poco se extiende sobre la escena felliniana nace también del proceder sincrónico, de catástrofe en catástrofe, hasta alcanzar dimensiones apocalípticas. E la nave va, por ejemplo, predice la llegada del íncubo nuclear y sugiere, mediante sólo dos elementos, el hombre y el rinoceronte, una versión minimalista del arca de Noé. Es el fin del mundo, que Italo Calvino señala como uno de los temas más recurrentes del último Fellini. De entre sus películas, E la nave va es quizá la más explícita en este sentido, pero también la que menos quiere imponer este tipo de pathos. Como si todos hubiéramos comprendido que el fin del mundo es nuestro hábitat natural y no pudiéramos imaginarnos una forma distinta de vivir. Aunque durante más de una década Fellini se enfundó los hábitos de una Casandra mediática, también tuvo la capacidad de seguir confiando en el futuro del cine y en la posibilidad de hacer películas y de conseguir encontrar siquiera un punto de fuga y de salvación, una isla en la que refugiarse junto con sus personajes y continuar dando vida a los fantasmas de su imaginación.”

Gian Piero Brunetta, en Dizionario dei registi del cinema mondiale, Einaudi, 2005.

-Ginger y Fred (1986)

Fiametta Profili, asistente personal de Fellini, asegura que en los últimos años, el director italiano (siempre dispuesto a la improvisación, gustase esto o no a sus actores) sólo escribía historias de una página y que los productores tenían que elaborar la película a partir de ahí. No es difícil imaginar que fuese eso mismo lo que precisamente ocurrió con Ginger y Fred, una película construida en torno a una idea básica, el reencuentro de Amelia y Pippo, dos bailarines, que en su época de gloria formaban una inseparable pareja que imitaba al dúo de baile por excelencia, Fred Astaire y Ginger Rogers, pero que no se ven desde hace treinta años, tras truncarse su relación profesional. El motivo de la reunión: la participación de ambos en un programa especial de Navidad. La pareja protagonista es también la pareja de actores favorita de Fellini, que sin embargo no había compartido antes la pantalla: su esposa, Giuletta Masina, y Marcello Mastroianni. Era Claudia Cardinale la que decía que Mastroianni era el actor preferido de Fellini, además de su mejor amigo, para terminar concluyendo que ambos eran una misma persona. Desde este singular punto de vista también sería posible contemplar el reencuentro ficticio de Ginger y Fred como el reencuentro real de Masina y Fellini como director y actriz en una misma película, algo que no sucedía desde hacía veintiún años, con Giulietta de los espiritus (Giulietta degli spiriti, Federico Fellini, 1965). Quizá sea precisamente por eso, Masina desprende un aura especial con la que logra componer un personaje auténticamente conmovedor.

PESADILLA AMERICANA

EL CINE DE DAVID LYNCH

Pesadilla americana, el cine de David Lynch

Dictado por Sergio Zadunaisky

“El cine es un lenguaje. Puede decir cosas: grandes, abstractas. Y eso me encanta. No siempre se me dan bien las palabras. Algunas personas son poetas y dicen las cosas con palabras bellas. Pero el cine posee un lenguaje propio. Y con él pueden decirse muchas cosas porque cuentas con el tiempo y las secuencias. Tienes diálogo. Tienes música. Tienes efectos sonoros. Tienes muchísimas herramientas. Y, por tanto, puedes expresar  un sentimiento o un pensamiento que no podrían comunicarse de ningún otro modo. Es un medio mágico. (…) Se trata de contar historias. De inventar un mundo, una experiencia que la gente no tendría de no ver esa película.

Cuando pesco una idea para una película, me enamoro del modo en que el cine es capaz de expresarla. Me gustan las historias que contienen abstracciones, y eso es lo que el cine puede hacer.” (David Lynch, de su libro “Atrapa el pez dorado”).

“Tengo ideas, imágenes, que me llegan a la mente y me excitan mucho. Hay una opinión muy generalizada que afirma que los personajes siempre buscan un sentido a todo. Eso no es verdad en lo más mínimo. ¿Por qué razón debería tener sentido el arte si la vida no lo tiene? Lo que más me gusta en esta vida es el absurdo. Y he de reconocer que el hecho de vivir en la ignorancia tiene mucho humor”.
(David Lynch, 1990)  

La intensa obra de David Lynch se define a sí misma por su total falta de subordinación a modas y gustos imperantes y por una arriesgada utilización del lenguaje cinematográfico. La minuciosa construcción de un espacio temático coherente y personal, dan a su obra un toque único e inconfundible. Creador de la inolvidable serie Twin Peaks y de películas como Eraserhead, Corazón Salvaje y Terciopelo Azul, Lynch es, como su admirado Franz Kafka, un artista obsesionado por lo oscuro, lo siniestro y lo absurdo que domina la voluntad de vivir, preocupado por un orden paralelo al cotidiano, un mundo de desconocida perversidad, locura y muerte.

Dinámica de trabajo:
Ilustración con proyección de cortometrajes y fragmentos de películas de Lynch y de otros realizadores afines. Las películas las ve antes en su casa cada uno de los participantes
Duración: 3 clases de dos horas
Costo: $ 150.-
Lugares y fecha de inicio:
Sábado 28 de noviembre a las 17 en Sucre y Moldes, Belgrano
 
Inscripción e informes: dalecine@gmail.com 

Películas que se analizarán en el curso

CLASE 1

Cabeza borradora (Eraserhead, 1977)

Luego de cinco años de filmación en condiciones de producción precarias, David Lynch presenta al mundo Eraserhead, su primer largometraje, un film experimental en blanco y negro, que ya presenta obsesiones y temas que el director tomará en sus producciones posteriores.

Con una fotografía terriblemente contrastada que a veces adquiere un cariz agresivo y violento, y con un tratamiento sonoro irreal que altera el ambiente, Eraserhead es, en palabras de su director “un sueño sobre cosas oscuras y turbadoras que reproduce un estado de semi-inconsciencia en el que flotan todas las posibilidades de una pesadilla.”

Eraserhead nos recuerda a films como “El perro andaluz” (1928), el increíble y también perturbador film de Luis Buñuel y Salvador Dalí, estandarte del Surrealismo. Eraserhead queda inscripta como una de las óperas primas más deslumbrantes y sorprendentes de toda la historia del cine.

Terciopelo azul (Blue velvet, 1986)

En Terciopelo azul, como en El hombre elefante, el cine de Lynch vuelve a mostrarnos lo que se esconde debajo de la superficie, de lo aparente. Lumberton nos es mostrada desde el comienzo como una ciudad paradisíaca, en donde el sueño americano parece haber llegado a la cumbre. Pero la ilusión pronto es demolida por las imágenes de una ciudad nocturna y perversa, en donde la corrupción policial y el crimen marcan el pulso.

El film noir, Edward Hopper, Fellini y Hitchcock, son sólo algunas de las referencias más tangibles que podemos observar a lo largo del film.

Terciopelo azul se erige en un auténtico viaje a las tinieblas. Según Lynch, “es una combinación de love story, thriller, murder, mystery, sexo explícito y violencia”.

Jeffrey Beaumont, el personaje principal, funciona sugestivamente como un alter ego de Lynch, en una historia que muestra el lado oscuro de un típico pueblito americano, con personajes siniestros y atractivos a la vez. El Mal y el Bien libran una batalla impiadosa, en la que Jeffrey cede a la tentación de la aventura, primero como un detective aficionado, luego como un voyeur y finalmente como una pieza más del oscuro mundo que representa Frank, cediendo a las masoquistas pretensiones de Dorothy, la mujer fatal y a la vez frágil que lo seduce.

CLASE 2

Carretera perdida (Lost Highway, 1997)

“Un film de terror del siglo XXI. Una investigación gráfica sobre crisis paralelas. Un mundo donde el tiempo está peligrosamente fuera de control. Un paseo terrorífico por la carretera perdida hacia abajo.” (Primera página del guión de Carretera perdida.)

“Esta película trata de una historia de amor obsesivo… de la oscuridad de la mujer. Del elemento destructivo de una mujer.” (Patricia Arquette, actriz del film)

“Carretera perdida representa una síntesis muy interesante de los diferentes films que ha hecho. David está desarrollando su arte y su lenguaje. En cada nueva película, le pide al camarógrafo cosas más sofisticadas y dinámicas. Realmente piensa mucho cómo hacer que cada escena sea visual y emocionalmente interesante”. (Mary Sweeney, productora, editora y pareja de Lynch)

En Carretera perdida, al espectador no se le permite reconstruir un tiempo narrado casi estático, como congelado, y cuyas huellas han sido visiblemente canceladas (dónde empieza, dónde termina?) ¿La historia es sobre dos historias diferentes, ó de una sola presentada desde distintos puntos de vista? Lynch manifestó que el concepto de “fuga psicogénica”, utilizado en psicología para designar el estado que lleva a una persona a adoptar una entidad y una vida diferentes, tenía algo que ver con esta película y se le podía aplicar perfectamente al protagonista, Fred Madison.

Sin embargo, la historia aquí es lo de menos, y nos invita a sentirla en plenitud, con sus imágenes sugerentes e inquietantes, y una banda sonora (ruidos, sonidos, música) potente y significativa. Nuevamente, como en Terciopelo azul, lo extraño, lo absurdo, lo inexplicable, invade el mundo cotidiano y “normal”. El policial negro, una de las tantas facetas con las que cuenta el film, aparece sobre todo en la segunda parte de la historia, con la fría y manipuladora rubia interpretada por Arquette. Y también, dentro de la mezcla de géneros con la que Lynch gusta de condimentar sus historias, aparecen el terror, el thriller y el misterio.

Una historia sencilla (The straight story. 1999)

Basada en una historia real y financiada por la última productora imaginable para un director como Lynch, la Disney, estamos frente a la más amable y afectiva de las películas de este director, por lo menos en su superficie.

En Una historia sencilla, vamos a encontrar algunos elementos opuestos al de las películas anteriores de Lynch:

Una narración con una sola historia lineal y sin mezcla de géneros.

Un “Happy end” más cercano al estilo de finales hollywoodenses.

Una historia más realista.

Un protagonista casi único.

Aunque también vamos a encontrar otros elementos afines al mundo lynchiano:

La descripción de la América “profunda”, con sus personajes y paisajes.

La escena surrealista de los ciervos.

La escena del comienzo, muy parecida en estilo a la de Terciopelo azul.

El uso de la banda sonora.

Si bien es una película luminosa, tiene, como no podía ser de otra manera en Lynch, su lado opaco, ya que el protagonista lleva consigo una carga de oscuridad en su interior, que nos va develando a medida que se encuentra con otros personajes (la muerte de un nieto a su cargo, su alcoholismo, el profundo distanciamiento con su hermano, el asesinato involuntario de un compañero en la guerra)

CLASE 3

El camino de los sueños (Mulholland Dr.  2001)

Pensada inicialmente como una serie para la televisión y rechazada como tal por los estudios, Lynch encontró financiación en Francia para producir con ese material y algunos agregados, un largometraje.

El camino de los sueños tiene todos los elementos a los que Lynch nos tiene acostumbrados, aunque no faltan sorpresas y personajes delirantes e imposibles.

Lo que subyace debajo de la superficie; en este caso la mafia oscura y tenebrosa debajo del glamour hollywoodense, el tema del doble, el cruce de géneros, que va desde el terror, pasando por el noir, la comedia absurda y el drama romántico. También hay un vaquero misterioso, un club muy particular, un hombre que sueña

De la misma forma que Mulholland Drive serpentea desde Los Angeles hasta las colinas de Hollywood, Lynch teje con los hilos de los sueños de la ciudad del espectáculo una historia llena de personajes misteriosos y difíciles. Betty (Naomi Watts – “Tank Girl”) llega a Los Angeles decidida a convertirse en estrella. Adam (Justin Theroux – American Psycho) es un joven director de moda que descubre que la Mafia es la que manda en su película.  Rita (Laura Herring – “Exit to Eden”) es una joven enigmática que pierde la memoria tras un accidente de coche en el que resultan muertos dos hombres que aparentemente retenían a la joven contra su voluntad. Sin saber quién es, elige un nuevo nombre cuando ve el cartel de una película de Rita Hayworth. Lynch muestra cómo la capital del cine permite a las personas moldear su identidad: “Quieres saber de verdad quién eres y la amnesia se parece de alguna manera a la interpretación. Un gran actor o una gran actriz renuncia a su propia identidad y se convierte en otra persona. Todo el mundo, incluso yo, a veces tiene ganas de perderse y entrar en un mundo nuevo. El cine te da esa oportunidad”.  El director conoce bien la historia y tradiciones de Hollywood. Dio un papel secundario a Ann Miller, la coprotagonista junto a Fred Astaire de “Easter Parade”, y evoca la época posguerra con los nombres de sus personajes principales: Betty y Rita. Explica la fascinación que ejerce Hollywood al decir lo siguiente: “Todo el mundo anhela no necesariamente la fama sino la oportunidad de expresarse y es algo que me encanta de Los Angeles”.