dale cine

Muy pronto, el programa completo del segundo curso sobre el célebre realizador sueco. Entre otras películas, analizaremos, “El silencio”, “Ni hablar de esas mujeres”, “Escenas de la vida conyugal” y “Fanny y Alexander”.
Está abierta la inscripción para los miércoles a las 22.00  y los sábados a las 16.00. Se dicta en Belgrano y comienza en Junio.

Informes e inscripción: dalecine@gmail.com

ESPACIO CULTURAL BAR ABIERTO 1 er PISO,
TE INVITA A SU TALLER DE:

DALE CINE PRESENTA

Ciclo de análisis de directores: Ingmar Bergman

Coordinado por Sergio Zadunaisky, especialista en cine

Desde el  06 de mayo durante cuatro miércoles a las 20.15 horas en Belgrano.

Al igual que otros maestros del séptimo arte, como F.W. Murnau, John Ford, Robert Bresson o Federico Fellini, el cine de Ingmar Bergman se fundamenta en un estilo demasiado personal e intenso, sin posibilidades de continuidad, sin discípulos conocidos. Nada en ella es lo suficientemente “accesible” como para verse reducida a una serie de gimmicks o fórmulas más o menos magistrales, capaces de ser reproducidas o retomadas por otros. Quizá por ello, numerosos e importantes cineastas han manifestado públicamente su admiración, su perplejidad o sus reparos hacia la obra del realizador sueco con inusual vehemencia:

“En un primer nivel están los directores que ofrecen al público un buen y sólido entretenimiento, año tras año. En un segundo nivel, están los artistas que hacen un cine más profundo, más personal, más original, más excitante… Y finalmente, por encima de todos ellos, está Ingmar Bergman, que es probablemente el mayor de los artistas del séptimo arte, a todos los niveles, desde la invención de la cámara cinematográfica”. (Woody Allen)

“Las películas de Ingmar Bergman se han adentrado en rincones de la mente y el alma humana donde yo jamás me atrevería a asomarme”. (David Cronenberg)

“No veo a Bergman como un director religioso. Creo que es un ateo convencido y que sus películas nos dicen que no hay nada más allá de esta vida. Pero eso no es problema para que haga un cine espiritual y humanista”. (Terence Davies)

Dinámica de trabajo:

Ilustración con proyección de fragmentos de películas en pantalla grande.

Duración: 4 clases de dos horas, frecuencia semanal

Costo: $ 150.-

Lugar: barrio de Belgrano

Fecha de inicio: Consultar enviando mje. a dalecine@gmail.com

Programa del curso:

Clase 1

“Noche de circo” (Gycklarnas afton, 1953)

Noche de circo, una de las obras más desesperadas y negras de Bergman, es una película fuertemente influenciada por el teatro de Strindberg.  La historia transcurre en un circo con unos personajes llenos de dudas y de temor, completamente distintos a los titiriteros festivos y esperanzados que pueblan las películas de Fellini.

Encuadres barrocos y una fotografía deliberadamente opresiva y llena de connotaciones expresionistas, que aparecerían con frecuencia en su cine inmediatamente posterior, y que ya se habían apuntado en su cine anterior, con esos espacios vacíos, donde evolucionaban los personajes y la utilización de los claroscuros.

“Cuando huye el día” (Smultronstället, 1956)

Cuando huye el día es uno de los pilares del cine de Bergman. Rodada en el mismo año que El séptimo sello, la película nos narra un día en la vida de un hombre, el profesor Isak Borg (Victor Sjöström). Este día concluirá con la entrega por parte de los académicos universitarios de la distinción de Doctor Jubile a Isak después de 50 años de ejercer su profesión de médico con éxito. Durante ese día que transcurre mientras viaja en coche con su nuera (Ingrid Thulin) le sucederán una serie de sueños en los que recordará sus años jóvenes, además se pondrá sobre la mesa la relación dificultosa con su hijo y con su nuera, de la que termina teniendo un concepto bien distinto una vez que termina la película.

Clase 2

El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957)

Considerada por muchos la obra maestra de Bergman, EL SEPTIMO SELLO es, sin dudas, su film más popular y conocido. Utilizando la figura de un caballero que regresa de las Cruzadas y encuentra su tierra arrasada por la peste el autor logra plasmar una profunda reflexión acerca de la fe y valiéndose de una puesta en escena magistral, abrigada por una atmósfera de singular significado, opresiva y esperanzada a la vez consigue ubicar al espectador ante la necesidad de tomar partido. La presencia “física” de la muerte, con la que el caballero juega una partida de ajedrez que pauta los destinos de los personajes, constituye un aporte incomparable a la expresión cinematográfica, arquetípica como la escena de las escalinatas en POTEMKIN

“Los comulgantes” (Nattvardsgästerna, 1962)

Un pastor protestante realiza su trabajo litúrgico con la iglesia casi vacía. Está enfermo y solitario, y el amor de la maestra Marta se ha vuelto para él una carga insoportable. Su vida está seca y sin sentido y cuando un campesino y su esposa vienen a pedirle un consejo es incapaz de ofrecer ninguna clase de ayuda. Poco después el campesino se suicida y Thomas, el pastor, se encuentra ante un abismo vacío que nada es capaz de llenar.

La crisis de las relaciones personales, la incapacidad de amar, la incomunicación y la soledad, la ausencia de un sentido lógico de la vida y sus arbitrariedades, de la existencia de uno mismo, se entrecruzan a través de la tortuosa vivencia personal del pastor Tomás Ericsson (Gunnar Bjöstrand), quien no puede dar alivio a sus feligreses ni a su propia alma.

Clase 3

La hora del lobo (Vargtimmen, 1968)

“Hubo un tiempo en que las noches eran para dormir, para soñar y levantarse sin temores”, dice el protagonista de La hora del lobo, el pintor Johan Borg (Max Von Sydow), quien se ha recluido en la isla de Farö-ese emblemático espacio cerrado bergmaniano, de impresionantes acantilados e imponentes playas-, incapaz de comprender/asimilar el mundo exterior, devorado por sus propios fantasmas. Es ésta una maravillosa muestra de cine fantástico, terrorífico, que nada tiene que ver con las más trilladas convenciones del género, con sus artificios y sus trucos. La hora del lobo ahonda en los desarreglos del espíritu y Bergman se convierte en el oficiante de un misterio insondable, sobrecogedor.

Gritos y susurros (Viskningar och rop, 1972)

La película nos cuenta la historia de 3 hermanas que han estado distanciadas durante mucho tiempo y que vuelven a encontrarse cuando una de ellas padece un cáncer terminal. Las tres en la casa, acompañadas por la fiel sirvienta (Anna) se quedarán para hacer compañía en las últimas horas a Agnes (Harriet Andersson). En su libro Imágenes, Bergman comenta que la utilización del color rojo en esta película simboliza el interior del alma humana. Además de estos recursos fotográficos, al director utiliza procedimientos oníricos (p. ej. la resurrección de Agnes) para tratar en esta obra algunos de los temas predominantes en su filmografía: la muerte, la fe religiosa y la incomunicación entre las personas.

Clase 4

El huevo de la serpiente (1977) Duración: 119´

Una vez terminada Cara a cara, Bergman decide realizar su inmediata película fuera de Suecia. Con capital alemán y producida por Dino De Laurentiis dirige El huevo de la serpiente, una atípica película del director cuya estructura cinematográfica es, posiblemente, la más convencional de toda su obra. Lejos de exhibir los miedos internos de sus personajes, aquí el horror está introducido por un elemento externo. Sus personajes se mueven en una fantasmagórica Alemania llena de miseria y de tristeza, completamente desolada. Ese aislamiento remite, de alguna forma, al de los protagonistas de El silencio, y la trama en la que se ven envueltos es una trama sin salida posible, la muerte está presente continuamente, desde las primeras escenas. Bajo ese punto de vista la película no deja de ser una continuación de su obra, pero la forma de realizarla, como si un film de suspense se tratara, y la aparición de una serie de personajes algo convencionales y esquemáticos, redujo el interés de la película, que, sin embargo, no es en absoluto despreciable, ni siquiera en el contexto de su obra.

Sonata otoñal (Höstsonaten, 1978)

“La idea de trabajar con Ingrid Bergman era antigua, pero no es el origen de esta historia. La última vez que la había visto fue en el festival de Cannes con ocasión de la proyección de Gritos y susurros. Entonces me metió una carta en el bolsillo, donde me recordaba que le había prometido hacer una película juntos” (Ingmar Bergman, en su libro Imágenes).

Sonata otoñal aborda de manera clara la dificultad de conciliar el temperamento artístico con las emociones humanas más simples: el film diserta acerca del papel que juega el artista t su arte en la sociedad, de la figura del artista como trabajador, del arte como disciplina.

DALE CINE Y VENÁTICA PRESENTAN

VIERNES DE CINE EN PANTALLA GRANDE – CICLO 2009

Coordinado por Sergio Zadunaisky, especialista en cine

Viernes 17 de abril: Entre los muros (Entre les murs, Laurent Cantet, 2008) Duración: 128´

Dale Cine y Venática te invitan a ver “Entre los muros” (“Entre les murs”, Laurent Cantet, 2008), película del mismo realizador de “Recursos humanos” y “El empleo del tiempo”, ganadora de la Palma de Oro del último festival de Cannes y nomiada al Oscar a la mejor película extranjera. La propuesta es para el viernes 17 de abril a las 20.30 horas en Venática Usina Creativa, Bonpland 1622 - Palermo. Al término de la proyección habrá un debate y se servirá una copa de vino o gaseosa para los asistentes.

Costo: 25 pesos por persona.

La sala cuenta con equipo de aire acondicionado.

Capacidad limitada. Se ruega hacer reservas con anticipación al

4771-4149 (llamar entre las 15 a 21 horas)

Sinopsis

François es un joven profesor de lengua francesa en un instituto difícil, situado en un barrio conflictivo. Sus alumnos tienen entre 14 y 15 años. No duda en enfrentarse a Esmeralda, a Souleymane, a Khoumba y a los demás en estimulantes batallas verbales, como si la lengua estuviera en juego. Pero el aprendizaje de la democracia puede implicar auténticos riesgos. François -autor de la novela en la que se basa la película, con formato de docudrama- y los demás profesores se preparan para enfrentarse a un nuevo curso. Llenos de buenas intenciones, deseosos de aportar la mejor educación a sus alumnos, se arman contra el desaliento. Pero las culturas y las actitudes se enfrentan en el aula, microcosmos de la Francia contemporánea. Por muy divertidos y estimulantes que sean los adolescentes, sus comportamientos pueden cortar de raíz el entusiasmo de un profesor que no cobra bastante. La tremenda franqueza de François sorprende a sus alumnos, pero su estricto sentido de la ética se tambalea cuando los jóvenes empiezan a no aceptar sus métodos.

Dijo la crítica:

“Una astuta e inteligente película sobre la identidad moderna de Francia y sobre el intento de transformar a los jóvenes en ciudadanos a través del diálogo.” (Manohla Dargis: The New York Times)

“Hace didactismo del bueno con un estilo cercano al docudrama. (…) Una película que respira autenticidad” (Carlos Boyero: Diario El País)

Todo un prodigio de montaje que recoge con elegante precisión los pormenores de una batalla dialéctica y vital sin solución (…) una propuesta verdaderamente atípica, formalmente valiente, dramáticamente hipnótica y temáticamente imprescindible. (…) Puntuación: ***** (sobre 5).” (Alberto Bermejo: Diario El Mundo)

“Tiene mucha miga dentro, y un cine fragante, cálido y a la vez fresco (…) El debate es completo (…) Igual que la película” (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

Página oficial de la película en español: http://www.entrelesmurs.ca/entrelesmurs.htm

Trailer en español: http://www.youtube.com/watch?v=A_DIx70DxgM

FEDERICO FELLINI,  POESÍA Y EXCESOS DE UN GRAN MENTIROSO
Curso de cine dictado por Sergio Zadunaisky

Histriónico, imprevisible, tierno, sensible, ingenioso, mordaz… son solo algunos de los adjetivos con los que se ha definido al maestro Federico Fellini. Creador de un universo cinematográfico mágico y poético de un marcado carácter autobiográfico, Fellini es uno de los directores más controvertidos e imitados de la historia. Sus filmes presentan un mundo en el que la remisión a una realidad que coexiste con lo fantástico es la condición misma de la existencia de unos personajes situados a medio camino entre lo cotidiano, lo grotesco y el delirio poético. Para el italiano, no es necesario que las cosas que se ofrecen sean auténticas, lo que debe serlo es la emoción que se advierte cuando se ve, cuando se expresa. Su vasta influencia llega a directores de la talla de Martín Scorsese, David Lynch, Emir Kusturica, Woody Allen, Wes Anderson y Tim Burton, entre otros.

En este curso analizaremos sus filmes más importantes, en donde podremos ver su recorrido desde las fuentes del Neorrealismo Italiano hasta la consolidación de un lenguaje propio, que llegaría a convertirse en una verdadera marca registrada (lo comúnmente denominado “Fellinesco”). También fragmentos de películas de otros directores relacionados y del documental “Soy un gran mentiroso”, sobre el propio Fellini.

Películas de Fellini que se analizarán en el curso:

Clase 1

-El sheik (1952)

Un joven matrimonio llega a Roma en viaje de luna de miel, pero la chica -fanática de las fotonovelas- se pierde en la ciudad buscando a su héroe y amor imposible, el Sheik Blanco, interpretado por Alberto Sordi. Mientras, su esposo la busca a ella y por separado tienen toda clase de aventuras, ridículas o extrañas. Comedia negra que se ríe de la devoción popular a las estrellas, El Sheik Blanco es considerado por muchos como el primer gran filme de Fellini. En el guión colaboró un entonces desconocido Michelangelo Antonioni.

-Los inútiles (1953)

Fellini nos cuenta la no-vida de un grupo de jóvenes habitantes de una ciudad de provincias en la Italia de los ´50. Ya pasada la posguerra y con el país en plena recuperación, pero aun con miseria y necesidad, el director nos acerca a ver de cerca a un grupo de jóvenes que nunca han conocido el hambre o el sufrimiento. Su vida consiste en salir de fiesta por la noche, al bar o el billar, intentar ligar con alguna de las chicas del lugar, llegar tarde por la noche, dormir hasta el mediodía, y repetir la misma rutina día tras día. Solo uno de ellos puede tomar conciencia de la realidad en que vive para tomar una decisión que le cambie su vida.

Clase 2

-La strada (1954)

Recorriendo el mundo con su espectáculo, el vigoroso Zampanò conoce por casualidad a una pobre y numerosa familia campesina, que le vende por poco dinero a la graciosa Gelsomina. Violento y posesivo, Zampanò obliga a la chica a acompañarlo en sus actuaciones, en las cuales la ridiculiza sin escrúpulos mientras él parte cadenas ante un público incrédulo.

La Strada es una de las películas de Fellini, que pertenecen a la etapa más cercana al neorrealismo en la carrera del cineasta. Período que comprende desde la película Luci dil varietà (1950) hasta la La dolce vita,(1961).

-La dolce vita (1960)

“La dolce vita es el primer gran film “social” de Fellini, su primer gran retablo histórico, su primer intento también de hacer un retrato que aúne simultaneidad y pluridimensionalidad. (…) Es el inicio de su obsesión de hacer un film-fresco que pueda ser abarcado en sus múltiples detalles con un solo golpe de vista. El objetivo elegido es la sociedad italiana que eufóricamente deja la década de los cincuenta, que quiere olvidar definitivamente el horror de la guerra y la miseria de la posguerra, que pretende construir un sistema de vida basado en la irresponsabilidad, el confort y la relatividad moral, que quiere tapar sus desgarrones con la doble moral y el silencio censor”. (Brunello Rondi, guionista de La Dolce Vita).

Clase 3

-Fellini  8 ½ (1963)

Aunque su título original iba a ser “La bella confusione(la bella confusión)” Fellini lo dejó simplemente en “8 y 1/2″, ya que esta película según el propio cineasta, hacía la número 8 y medio en su filmografía, contando con que su anterior obra, “Bocaccio 70″ fue un proyecto “sui generis” en el que 4 directores italianos; Vittorio De Sica, Mario Monicelli, Luchino Visconti y el propio Fellini acometieron la tarea de adaptar a la gran pantalla historias del celebérrimo poeta toscano, Bocaccio…
Fellini, en este retrato semi-autobiográfico (con Fellini nunca sabemos qué es verdad y qué no) nos habla a su manera del conflicto creativo de un autor (Marcello Mastroianni, su alter ego ideal) en plena etapa de confusión, tal y como quería darnos a entender su titulación original…
Películas como “Stardust Memories” y en menor medida “Los secretos de Harry”, ambas de Woody Allen son evidentes deudoras de la forma y fondo de esta emblemática cinta del director italiano.

-Amarcord (1973)

Película realizada por Federico Fellini, entre Roma (1972) y Casanova (Il Casanova de Federico Fellini, 1976), vista hoy en día, continúa revelándose como un hito; una crónica nostálgica y personal, impregnada de la poesía y de la dosis de surrealismo tan propia de sus obras, que abraza sin ningún tipo de pudor la adolescencia del propio autor. Con 53 años a su espalda, el viejo Fellini regresaba a una región casi irreconocible por la bruma que el paso del tiempo había depositado en ella, el territorio de su infancia y juventud. En Amarcord, Fellini echó mano a sus recuerdos infanto-juveniles para elaborar una obra de un marcado tono nostálgico. Sin embargo, el recuerdo poco tiene que ver con un testimonio fidedigno del pasado. En el recuerdo, la imaginación disfruta de espacios abiertos para campar a sus anchas. El pasado puede ser evocación de un tiempo que no regresará jamás. No obstante, esta verdad de Perogrullo no esconde que, en ocasiones, la mentira se pueda convertir en la proyección del presente porque vemos lo que ocurrió, no como de verdad aconteció, sino embriagados por el aroma de la idealización —cosa ésta, bastante más atractiva que la propia realidad.

Clase 4

-Y la nave va (1983)

“Hay quien ha querido ver en Ensayo de orquesta, La città delle donne, E la nave va, Ginger e Fred, La voce della luna, variaciones metafóricas sobre la situación política de Italia, sobre la sensación de inminente colapso del sistema, sobre la pérdida de capacidad comunicativa, sobre el triunfo de los rumores y de un caos irreversible.

El velo fúnebre que poco a poco se extiende sobre la escena felliniana nace también del proceder sincrónico, de catástrofe en catástrofe, hasta alcanzar dimensiones apocalípticas. E la nave va, por ejemplo, predice la llegada del íncubo nuclear y sugiere, mediante sólo dos elementos, el hombre y el rinoceronte, una versión minimalista del arca de Noé. Es el fin del mundo, que Italo Calvino señala como uno de los temas más recurrentes del último Fellini. De entre sus películas, E la nave va es quizá la más explícita en este sentido, pero también la que menos quiere imponer este tipo de pathos. Como si todos hubiéramos comprendido que el fin del mundo es nuestro hábitat natural y no pudiéramos imaginarnos una forma distinta de vivir. Aunque durante más de una década Fellini se enfundó los hábitos de una Casandra mediática, también tuvo la capacidad de seguir confiando en el futuro del cine y en la posibilidad de hacer películas y de conseguir encontrar siquiera un punto de fuga y de salvación, una isla en la que refugiarse junto con sus personajes y continuar dando vida a los fantasmas de su imaginación.”

Gian Piero Brunetta, en Dizionario dei registi del cinema mondiale, Einaudi, 2005.

-Ginger y Fred (1986)

Fiametta Profili, asistente personal de Fellini, asegura que en los últimos años, el director italiano (siempre dispuesto a la improvisación, gustase esto o no a sus actores) sólo escribía historias de una página y que los productores tenían que elaborar la película a partir de ahí. No es difícil imaginar que fuese eso mismo lo que precisamente ocurrió con Ginger y Fred, una película construida en torno a una idea básica, el reencuentro de Amelia y Pippo, dos bailarines, que en su época de gloria formaban una inseparable pareja que imitaba al dúo de baile por excelencia, Fred Astaire y Ginger Rogers, pero que no se ven desde hace treinta años, tras truncarse su relación profesional. El motivo de la reunión: la participación de ambos en un programa especial de Navidad. La pareja protagonista es también la pareja de actores favorita de Fellini, que sin embargo no había compartido antes la pantalla: su esposa, Giuletta Masina, y Marcello Mastroianni. Era Claudia Cardinale la que decía que Mastroianni era el actor preferido de Fellini, además de su mejor amigo, para terminar concluyendo que ambos eran una misma persona. Desde este singular punto de vista también sería posible contemplar el reencuentro ficticio de Ginger y Fred como el reencuentro real de Masina y Fellini como director y actriz en una misma película, algo que no sucedía desde hacía veintiún años, con Giulietta de los espiritus (Giulietta degli spiriti, Federico Fellini, 1965). Quizá sea precisamente por eso, Masina desprende un aura especial con la que logra componer un personaje auténticamente conmovedor.

Películas de otros directores relacionadas en mayor o menor medida con el universo de Fellini:

El gran pez (Tim Burton), Terciopelo azul (David Lynch), Stardust Memories (Woody Allen), Underground (Emir Kusturika), Calles salvajes (Martin Scorsese), La casa de los engaños (Andrei Konchalovski), Vida acuática (Wes Anderson).