dale cine

Es imposible hablar de la obra de Roman Polanski, uno de los más grandes cineastas vivos, sin hacer una introducción a su vida privada, turbulenta, polémica, fascinante. Nacido en París en1933, en el seno de una familia con antepasados polacos, franceses y judíos,  tuvo que vivir, como gran parte de su generación, una infancia dura y desgarradora bajo la ocupación alemana en Polonia. Más adelante, en la posguerra, creció bajo la ortodoxia stalinista que impregnaba toda la vida pública y cultural, con reglas estrictas y severas.

Dotado, extrovertido, sensible y arrogante a un tiempo, Polanski se convirtió en actor, aunque decide rápidamente ingresar en la escuela de Lodz para estudiar cine. Allí, fue él uno de los principales animadores de la vida social e intelectual de la escuela, y no tardaría en contribuir a que se conociera internacionalmente. En 1957, durante el tercer año de cursada, dirigió un corto experimental de 20 minutos, “Dos hombres y un armario”, que le valió una verdadera avalancha de premios internacionales, escandalizando a la crítica oficial de la Unión Soviética y de otros países comunistas y consagrándole, de golpe, como joven talentoso al que había que seguir atentamente.

A partir de este trabajo, su carrera, que continúa aun a sus casi ochenta años, tuvo altas y bajas. Éxitos de crítica y público en algunos casos, fracasos en otros y premios en los festivales de cine más importantes se cruzan en su vida con escándalos judiciales, el asesinato de Sharon Tate (su mujer) en 1969 y la prohibición de pisar suelo estadounidense desde hace varias décadas.

En este curso nos acercaremos a analizar y estudiar parte de su obra, tomando sus constantes temáticas y formales.

PROGRAMA

Clase 1

Primeros trabajos

Los cortometrajes de Roman Polanski, entre la vanguardia y la experimentación. Exhibición y análisis de los mejores cortometrajes de Roman Polanski, entre ellos “Dos hombres y un armario”, célebre película que lo lanzó a la fama.

El cuchillo bajo el agua (1962)

El primer largometraje dirigido por Roman Polanski, escrito por él junto a Jakub Goldberg y al también director Jerzy Skolimowski, fue muy mal recibido por las autoridades de Polonia. Sin embargo, aunque no sea chocante este hecho, uno no puede dejar de preguntarse el porqué de semejante hostilidad hacia un film que carece de alusiones directas a temas políticos o sociales de la época. Y es que, aunque tampoco hay en él simbolismos apreciables, los censores no se sintieron a gusto con esta película. ¿Qué les incomodaba, entonces? Sin duda su negrura, su trazo de existencias en estado de descomposición (universal, aplicable en toda organización social moderna), su hermético juego de engaños y crueldad, y su tono pesimista y descreído hacia el mundo que retrata, algo muy peligroso (la posibilidad de que la gente deje de creer en el mundo, de que deje de esperar) para cualquier régimen político (y no digamos ya para los autoritarios), sea del signo que sea.

Al igual que pudo hacerlo Michelangelo Antonioni, se trata de filmar instantes considerados como poco relevantes desde un enfoque narrativo, sin empatía, pero no para mostrar el vacío, como hace el director de El eclipse (L’eclisse, 1962), sino para revelarnos oscuras motivaciones en el comportamiento de los personajes.

Clase 2

Repulsión (1965)

En 1964 Roman Polanski es contratado por la Compton, productora inglesa deseosa de realizar un film que produzca beneficios, lleve la etiqueta de prestigioso y no cueste mucho, para que realice un film de terror. Polanski y Gérard Brach, guionistas, escriben un guión nada convencional, donde se impone la personalidad de un joven realizador que se disponía a rodar su segundo film, tras la sorprendente y estupenda El cuchillo bajo el agua (Noz w wodzie, 1962). El film cumplió todas las expectativas y pretensiones, obteniendo el Oso de Plata en el festival de Berlín de 1965 y los deseados beneficios.

Repulsión, rodado en inglés y con protagonismo de una excelente Catherine Deneuve, se puede entender como un film de terror (sin seguir las pautas del cine de género), pero también se puede ver como un drama psicológico, aunque el film, como suele ocurrir en el caso de una película de autor, y ésta lo es, escapa a cualquier simplificación, erigiéndose en una obra inclasificable y extraña, además de una de las mejores de su realizador.

Repulsión, nos recuerda tanto a Buñuel como, en menor medida, al cine de David Lynch, sobre todo, en la creación de «situaciones extrañas y pequeños mundos aislados», y, como no, a Hitchcock aunque no tanto como se suele asegurar.

Cul-de sac (1966)

En 1966, Polanski decidió rescatar un guión que co-escribió tres años antes en París junto con Gerard Brach, también co-artífice del guión de Repulsión (Repulsion, 1965). Dado el éxito que se obtuvo con ésta, la Compton Films (que antes de Repulsión solo hacía porno) no se lo pensó dos veces y decidió producir también este nuevo trabajo, que aunque originariamente llevaba por título When Katelbach Comes, fue modificado por el extraño y más conciso Cul de sac (Cuya traducción es Callejón sin salida).

George y Teresa forman un peculiar matrimonio que vive en una enorme mansión situada en una playa desértica. Hace menos de un año que están casados y su vida transcurre de la forma más apacible: Teresa se acuesta con el hijo de los vecinos más próximos, y George lleva sus cuernos con dignidad, hasta que un día irrumpe en la casa Dickie, con una ametralladora bajo el brazo y su compañero Albie herido esperándole en un viejo coche al que pronto alcanzará la marea.

La mayor parte de la película se desarrolla de una forma casi teatral. Polanski ya había dado muestras de manejarse bien en largas situaciones con pocos personajes, en su primera película, que transcurría casi por completo en un barco con tres únicos personajes, y muchos años más tarde volvería a hacer algo parecido en ese sentido con La muerte y la doncella (Death and the Maiden, 1995), basada en la pieza del dramaturgo Ariel Dorfman.

Clase 3

El bebé de Rosemary (1968)

La película ha pasado a la historia por ser uno de los mejores ejemplos de cine de terror de todos los tiempos. Este género estaba dejando atrás la colección de monstruos del sello Universal, que tanto habían asustado al público, para dejar paso a otro tipo de terror -de seguro mucho más estremecedor- que procedía del mismo interior del ser humano, o de fuerzas paranormales a las que el público no se había enfrentado hasta el momento.

Polanski dejó claro a lo largo de toda su filmografía su gusto por reflejar las alteraciones psicóticas de algunos individuos. Baste citar al respecto, en mayor o menor medida, cualquiera de sus películas, pero la que quizá mantenga mayores lazos de contacto con El bebé de Rosemary sea El inquilino(Le locataire, 1976) en la que también una comunidad de vecinos consigue volver loco a su nuevo huésped.

En el caso de Rosemary, Polanski, utilizó para acompañar esta ambigüedad de paranoia/realidad un montaje casi subjetivo, pues la cámara acompaña en todo momento a la protagonista, siguiendo a menudo la acción a su lado o pegada a su hombro. El espectador conoce sólo lo que Rosemary va descubriendo, de manera que nunca se está en la certeza de que aquello visto u oído sea realmente cierto, o sea sólo producto de su imaginación.

El inquilino (1976)

Una de las (muchas) razones por la que El bebé de Rosemary (Rosemary’s Baby, 1968) se mantiene viva en la memoria de mucha gente, es sin duda, por el retrato de comunidad vecinal satánica que Polanski dibujó en el que de momento es su film más completo. El colocar a un sujeto aparentemente normal, incluso aburrido y atontado, en un edificio rodeado de gente, en teoría más aburridos y normales que él, para luego torcer la situación en un drama psicológico, mezclando realidad con fantasía, obtuvo resultados fílmicos excelentes, así que ¿por qué no repetirlo?

El film, realizado tras el relativo éxito que supuso Chinatown (id, 1974), narra la pesadilla padecida por Trelkovski (personificado por el propio Polanski), un joven que alquila el piso que ha dejado una moribunda que saltó desde una de las ventanas. Con el tiempo, Trelkovski se irá dando cuenta del mórbido ambiente que envuelve la finca, con unos vecinos de apariencia normal pero con un carácter muy extraño, que acabarán volviendo psicótico a Trelkovski, llegando a travestirse e identificarse mentalmente con la antigua inquilina, hasta sus últimas consecuencias.

Clase 4

El pianista (2002)

Wladyslaw Szpilman, un brillante pianista polaco de origen judío, vive con su familia en el ghetto de Varsovia. Cuando, en 1939, los alemanes invaden Polonia, consigue evitar la deportación gracias a la ayuda de algunos amigos. Pero tendrá que vivir escondido y completamente aislado durante mucho tiempo, y para sobrevivir tendrá que afrontar constantes peligros.

Espléndida película en la que Polanski ambienta con admirable realismo el guetto de Varsovia -una cárcel de indignidad, muerte y sufrimiento- para mostrar la barbarie nazi y la supervivencia judía con crudeza sin caer en efectismos. Consciente de que Spielberg dejó sentenciada la última palabra sobre el holocausto, el director polaco se centra en la dramática antesala de los campos de exterminio -en una primera parte formidablemente narrada-, para impulsar la película a altas cotas de interés y emoción en la desoladora y solitaria odisea de Brody, culminada con, quizá, la más bella escena de cine de todo el año 2002: la secuencia del piano ante la imponente presencia del oficial alemán. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

El escritor oculto (2010)

Un escritor (Ewan McGregor) acepta a regañadientes el encargo de terminar las memorias del antiguo primer ministro británico Adam Lang (Pierce Brosnan), después de la muerte en un accidente de la persona que lo estaba haciendo. Para ello, se instala en una isla de la costa este de Estados Unidos. Al día siguiente de su llegada, un antiguo ministro acusa a Lang de autorizar la captura ilegal de presuntos terroristas y su entrega a la CIA, hechos que constituirían un crimen de guerra. El escándalo atrae a periodistas y manifestantes a la mansión de la isla donde se aloja Lang con su mujer (Olivia Williams) y su ayudante personal.

EL CURSO SE DICTARÁ DESDE EL MIÉRCOLES CUATRO DE MAYO DE 20 A 22 EN BELGRANO.

COSTO: 180 PESOS

INSCRIPCIÓN: DALECINE@GMAIL.COM / 154 178 2080

ABRIL EN DALE CINE – CURSOS DIURNOS Y NOCTURNOS

EL MUNDO DE LUIS BUÑUEL

Dictado por Sergio Zadunaisky

“Una película, salvo que sirva para pasar el rato, siempre debe defender y comunicar indirectamente la idea de que vivimos en un mundo brutal, hipócrita e injusto”.

“Creo que en todas mis películas existe un profundo sentimiento religioso. Tampoco es extraño, pues tal como ya dije, lo que más ha influido en mi vida ha sido mi educación católica en la infancia y posteriormente mis experiencias con el surrealismo. Todo lo que hago debe estar influido por estas dos tendencias espirituales, por lo que, evidentemente, todas mis películas aparecen como dominadas por los temas religiosos.” (Ambas citas de Luis Buñuel).

 Dale Cine se complace en presentar un taller dedicado a analizar la vida y la obra de Luis Buñuel. El programa consta de 4 encuentros de dos horas cada uno, en los cuales se verán distintos fragmentos de sus films más relevantes, así como de otros directores relacionados.

 

Aquellos que lo deseen pueden solicitar material bibliográfico, que se abonará aparte, con textos de Salvador Dalí, Jean Claude Carriere, François Truffaut, Fernando Rey y del propio Luis Buñuel, entre otros.

 

 Dinámica de trabajo:

 

Ilustración con proyección de fragmentos de películas en pantalla grande.

Duración: 4 clases de dos horas, frecuencia semanal

Costo: Por el módulo completo (se abona en la primera clase): 180 pesos.

Lugar: Barrio de Belgrano

Fecha de inicio: Miércoles 6 de abril de 2011

Horarios: De 16 a 18 y de 20 a 22

 

Se sugiere ver antes de cada clase las películas seleccionadas (las que están en ,mayúscula).

Informes e inscripción: dalecine@gmail.com / 154 178 2080

Programa

Clase 1

Infancia y formación de Luis Buñuel. Los jesuitas. La Residencia de Estudiantes. Lorca,  Alberti y la “Generación del 27”. La vocación por la entomología. Su relación con Salvador Dalí y los surrealistas. Tres películas escandalosas y polémicas: El  perro andaluz, La edad de oro y Las Hurdes. . Su estadía en los Estados Unidos.

Films citados: Trabajos dadaístas y surrealistas de Rene Clair y Man Ray.

De Buñuel: EL  PERRO ANDALUZ. La edad de oro y Tierra sin pan (Las Hurdes).

Clase 2

La etapa mexicana, entre el melodrama, el psicoanálisis y el surrealismo. Filmar y subvertir los géneros. El retrato impiadoso de la humanidad: pobres y burgueses bajo el mismo yugo. Paranoia y represión sexual.

Films citados: LOS OLVIDADOS. ÉL. EL ÁNGEL EXTERMINADOR. Susana. El bruto. Ensayo de un crimen.

Clase 3

Religión versus fantasía. La inutilidad de la caridad cristiana. Erotismo y  fetichismo en los personajes de Buñuel. Las reflexiones sobre el dominio y la servidumbre humanas.

Films citados: NAZARÍN. VIRIDIANA. Simón del desierto. El diario de una camarera. Belle de jour. Tristana.

Clase 4

La implacable lógica onírica del surrealismo. La vida social burguesa como un espectáculo singular. El fantasma de la censura. El azar como rector de la vida. Un provocador nato hasta el último aliento.

Films citados: EL DISCRETO ENCANTO DE LA BURGUESÍA. ESE OSCURO OBJETO DEL DESEO. El fantasma de la libertad.

DEMONIO INTERIOR: EL CINE DE INGMAR BERGMAN - Un curso de Sergio Zadunaisky

La obra de Bergman, rica y profusa, incluye varias de las obras maestras de la historia del cine. Teniendo en cuenta que es imposible abarcarla en un mes, en este curso intentaremos una aproximación al universo bergmaniano, revisando a través de ocho de sus películas, sus tópicos más significativos, entre ellos, la influencia de Strindberg e Ibsen; el mundo del teatro; Dios, la muerte y el sentido de la vida; la figura del artista; las máscaras; sus mujeres / musas / actrices; la oscura y severa figura del padre; la humillación en las relaciones humanas y las relaciones de pareja.

Al igual que otros maestros del séptimo arte, como F.W. Murnau, John Ford, Robert Bresson o Federico Fellini, la obra de Ingmar Bergman se fundamenta en un estilo demasiado personal e intenso, sin posibilidades de continuidad, sin discípulos conocidos. Nada en ella es lo suficientemente “accesible” como para verse reducida a una serie de gimmicks o fórmulas más o menos magistrales, capaces de ser reproducidas o retomadas por otros. Quizá por ello, numerosos e importantes cineastas han manifestado públicamente su admiración, su perplejidad o sus reparos hacia la obra del realizador sueco con inusual vehemencia. Aquí, comentarios de algunos de ellos:

“En un primer nivel están los directores que ofrecen al público un buen y sólido entretenimiento, año tras año. En un segundo nivel, están los artistas que hacen un cine más profundo, más personal, más original, más excitante… Y finalmente, por encima de todos ellos, está Ingmar Bergman, que es probablemente el mayor de los artistas del séptimo arte, a todos los niveles, desde la invención de la cámara cinematográfica”. (Woody Allen)

 

“Las películas de Ingmar Bergman se han adentrado en rincones de la mente y el alma humana donde yo jamás me atrevería a asomarme”. (David Cronenberg)

 

“No veo a Bergman como un director religioso. Creo que es un ateo convencido y que sus películas nos dicen que no hay nada más allá de esta vida. Pero eso no es problema para que haga un cine espiritual y humanista”. (Terence Davies)

 

“Cada película de Bergman es un retazo de su vida. Por eso me gusta su trabajo. Es sutil y terriblemente personal… es un pedazo de él. Él es un artista verdadero. (Elia Kazan)

 

“La obra de Bergman ofrece a su espectador la posibilidad de entrar en relación, de forma siempre nueva y totalmente personal con ella y de interpretarla de forma distinta cada vez”. (Andrei Tarkovski)

 

“La cara humana. Nadie la dibuja en la pantalla como Bergman. En sus películas recientes no hay nada más que bocas que hablan, oídos que escuchan y ojos que expresan la curiosidad, hambre, pánico…”. (François Truffaut)

Programa del curso:

 

CLASE 1

La hora del lobo (Vargtimmen, 1968)

“Hubo un tiempo en que las noches eran para dormir, para soñar y levantarse sin temores”, dice el protagonista de La hora del lobo, el pintor Johan Borg (Max Von Sydow), quien se ha recluido en la isla de Farö-ese emblemático espacio cerrado bergmaniano, de impresionantes acantilados e imponentes playas-, incapaz de comprender/asimilar el mundo exterior, devorado por sus propios fantasmas. Es ésta una maravillosa muestra de cine fantástico, terrorífico, que nada tiene que ver con las más trilladas convenciones del género, con sus artificios y sus trucos. La hora del lobo ahonda en los desarreglos del espíritu y Bergman se convierte en el oficiante de un misterio insondable, sobrecogedor.

 

Gritos y susurros (Viskningar och rop, 1972)

La película nos cuenta la historia de 3 hermanas que han estado distanciadas durante mucho tiempo y que vuelven a encontrarse cuando una de ellas padece un cáncer terminal. Las tres en la casa, acompañadas por la fiel sirvienta (Anna) se quedarán para hacer compañía en las últimas horas a Agnes (Harriet Andersson). En su libro Imágenes, Bergman comenta que la utilización del color rojo en esta película simboliza el interior del alma humana. Además de estos recursos fotográficos, al director utiliza procedimientos oníricos (p. ej. la resurrección de Agnes) para tratar en esta obra algunos de los temas predominantes en su filmografía: la muerte, la fe religiosa y la incomunicación entre las personas.

 

CLASE 2

Detrás de un vidrio oscuro (Säsom i en spegel, 1961)

Un escritor siempre muy ocupado y alejado viene a pasar unos días con sus hijos, un muchacho adolescente y una joven con problemas mentales, casada con un médico que la cuida con gran ternura. Los días de estancia en una isla durante un hermoso verano, se convierten en momento de crisis para todos y especialmente para el padre, que es confrontado con su incapacidad de darle a su familia lo que de él requiere.

En Detrás de um vidrio oscuro la incapacidad y distanciamiento del padre para dar a su hija ese calor que necesita y la actitud sorprendida y confusa del marido, que no es capaz de hacerla reaccionar, conducen a un empeoramiento de la enfermedad mental de la protagonista que busca en un Dios, al que ve como una araña, la única salida a su sufrimiento. La respuesta más humana proviene de su hermano con quien llega a mantener una relación amorosa más allá de la fraternal pero sin que él logre traspasar la superficie de los sentimientos de su hermana, quien al final resulta como un objeto a quien todos observan pero a quien nadie es capaz de ayudar.

Dios es para ella un ente extraño, casi monstruoso, siendo por un lado la única respuesta a su angustia y por otro lado algo aterrador. Es una necesidad

Es una película dolorosa y emotiva, a veces difícil de soportar en su desgarro. Toda ella se desarrolla en un período de tiempo muy corto y en un único lugar, una isla, de donde no hay escape para evadirse de los problemas y el enfrentamiento es inevitable.

 

El silencio (Tystnaden, 1963)

Ester, su hermana Anna y su pequeño sobrino Johan, atraviesan en tren un país oscuro y extraño, probablemente en guerra. Los tres se dirigen a casa pero tienen que parar a descansar en un hotel, ya que Ester está muy enferma y está sufriendo una crisis. Mientras Ester trata de reprimir la atracción sexual hacia su hermana Anna, ésta sale a dar una vuelta en búsqueda de sensaciones que la saquen de su tedio y angustia. Las dos hermanas ya no tienen casi nada que decirse, su relación es de una extraña mezcla de odio exacerbado y patológica dependencia, de lo cual es testigo el pequeño. En el solitario hotel esperarán el momento adecuado para continuar el viaje.

“La ciudad desconocida es un tema que me ha perseguido mucho tiempo (…) Si sigo hurgando en la búsqueda del origen de la ciudad desconocida, llego hasta mis primeras vivencias en Estocolmo. El silencio se llamaba originalmente “Timoka”. Fue por pura casualidad. Vi el nombre en un libro estonio sin saber lo que quería decir. Me pareció un buen nombre para una ciudad desconocida. Timoka significa “perteneciente al verdugo”, nos dice Bergman. De cualquier modo, más allá de ese silencio de Dios que oprime existencialmente a los personajes, advertimos una inquietud por temas más terrenales. Por ejemplo, la difícil relación entre las dos hermanas protagonistas, Esther (Ingrid Thulin) y Anna (Gunnel Lindblom), se plantea, según Juan Miguel Company, en términos de salud y enfermedad. “Esther representa el cuerpo enfermo, histérico e intelectual, mientras que su hermana Anna será un cuerpo tan sano como gozador y no intelectivo. Su conocimiento del mundo se basa en contactos sexuales anónimos, sin palabras”, explica.

El silencio es, casi sin proponérselo, y junto a La hora del lobo, el “otro” film de horror de la carrera de Ingmar Bergman.

CLASE 3

Escenas de la vida conyugal (Scener ur ett äktenskap, 1973)

Resulta altamente significativo que, en su libro “Imágenes”, Ingmar Bergman eluda todo comentario en profundidad de “Escenas de la vida conyugal”, película que muchos se apresuraron a catalogar –a modo de slogan publicitario- como una radiografía de la vida en común entre el director y su actriz Liv Ullman. Quizá se deba a que, como producto fílmico, esta película no encaje demasiado bien en los patrones del cine de su autor, destilado de una serie de televisión de seis horas de duración. Y es que aquí Bergman, cosa inusual en su obra cinematográfica, elabora un alambicado discurso moral sobre la pareja basado en sus vivencias personales, después de cuatro matrimonios fracasados y varias relaciones sentimentales más o menos estables.

Las vicisitudes sentimentales que viven Marianne (Liv Ullman) y Johan (Erland Josephson), un matrimonio inicialmente feliz que más adelante atraviesa una etapa de hastío, distanciamiento, separación y una (infructuosa) reconciliación-hasta que consiguen establecer una sólida amistad y convertirse en amantes.

Escenas de la vida conyugal posee un fondo de autenticidad muy difícil de ver hoy en día en el cine contemporáneo, siendo un film tan poco convencional como ocasionalmente tonificante.

La fuente de la doncella (Jungfrukällan, 1960)

Inspirada en la balada medieval sueca, la película comienza con la escena de indecible brutalidad y termina en una de extraordinaria belleza. Birgitta Peterson, de 15 años camino a la iglesia para encenderle velas a la Virgen María es violada y asesinada por dos viejos hombres. Los hombres buscan refugio en la casa del padre de Birgitta (Max Von Sydow), quien asesina a los bestiales asesinos a sangre fría. Cuando la hazaña está terminada, Von Sydow, un hombre profundamente religioso, comienza a cuestionar la eficacia de un dios que podría permitir la muerte de una hija y luego permitir así una retribución sangrienta. Más tarde, fresca burbujas de primavera desde el suelo donde su hija yació unos instantes antes. Tomando este natural fenómeno como un signo del cielo, Von Sydow promete eregir una iglesia en el sitio donde Birgitta recibió su sentencia de muerte. 

 

CLASE 4

 

El huevo de la serpiente (Das Schlangenei , 1977)

Una vez terminada Cara a cara, Bergman decide realizar su inmediata película fuera de Suecia. Con capital alemán y producida por Dino De Laurentiis dirige El huevo de la serpiente, una atípica película del director cuya estructura cinematográfica es, posiblemente, la más convencional de toda su obra. Lejos de exhibir los miedos internos de sus personajes, aquí el horror está introducido por un elemento externo. Sus personajes se mueven en una fantasmagórica Alemania llena de miseria y de tristeza, completamente desolada. Ese aislamiento remite, de alguna forma, al de los protagonistas de El silencio, y la trama en la que se ven envueltos es una trama sin salida posible, la muerte está presente continuamente, desde las primeras escenas. Bajo ese punto de vista la película no deja de ser una continuación de su obra, pero la forma de realizarla, como si un film de suspense se tratara, y la aparición de una serie de personajes algo convencionales y esquemáticos, redujo el interés de la película, que, sin embargo, no es en absoluto despreciable, ni siquiera en el contexto de su obra.

Fanny y alexander (Fanny och alexander, 1982)

Fanny y Alexander es un homenaje al cine, al teatro, a la magia, a la ilusión y a la imaginación, a todas las cosas a las cuales Bergman ha dedicado su existencia. La primera parte es una especie de comedia llena de ironía, admirable en las composiciones, en la calidez de la luz, en el tono de los decorados, en las ágiles actuaciones. Pero muy pronto entra en acción el Bergman oscuro. Emilie y sus dos niños abandonan el ambiente luminoso y tierno de la casa Ekdahl y se van a vivir en el mundo gótico, estricto, contrastado en luces, de la casa del obispo Vergerus. La película se convierte en un duelo entre el oscurantismo y la iluminación, un tema bergmaniano desde siempre. Las escenas en la casa del obispo evocan la obra de Dickens, la situación de la niñez humillada. Pero para Bergman, niño y artista son equivalentes. El mundo del arte no tiene cabida en el círculo de intolerancia, traición y humillación que están encarnados en la residencia episcopal.

Dinámica de trabajo:

Ilustración con proyección de fragmentos de sus películas en pantalla grande.

 

Se sugiere la visión de las películas antes de cada una de las clases.

Duración: 4 clases de dos horas, frecuencia semanal

Costo: $ 180.

Lugar: Belgrano

Fechas y horarios de inicio:

 

LUNES 4 DE ABRIL DE 16 A 18

 

MARTES 12 DE ABRIL DE 20 A 22

Informes e inscripción:

Cel: 154 178 2080

Mail: dalecine@gmail.com

Facebook http://es-la.facebook.com/people/Dale-Cine/1565823603