Monday, February 26, 2007

LA REINA es una película que se deja ver solo porque la mano hábil de Stephen Frears se ocupa de llevar adelante la radiografía de una familia real aburrida y sosa imprimiéndole algo de interés y porque Helen Mirren (segura ganadora de un Oscar en pocos minutos) compone su personaje con sutileza e intensidad. La historia se centra en la conmoción y el escándalo que se produjo con la muerte (¿accidental?) de la descastada Lady Di. La familia real carecía de los reflejos necesarios como para acompañar a una opinión pública que requería una respuesta inmediata ante los hechos.

 

La reina trató de mantener una postura fría y distanciada y solo en contadísimas ocasiones (la escena del ciervo es una de ellas) parecerá quebrarse y mostrarse como un ser humano y no como una figura más tiesa que la que la representa en el museo Madame Tussaud. El recién nombrado Primer Ministro Tony Blair fue el principal beneficiado porque supo entender hacia dónde soplaba el viento e interpretar las demandas de la gente. Y fue él el encargado de tomar las riendas y guiar a la reina por el camino correcto y así mantener el amor de sus súbditos por ella.

No sé si la historia que refleja la película es real o no ( y no es un juego de palabras), pero sí sé que la película arranca con una mirada crítica a la realeza para terminar reivindicándola. Después de todo Frears es un miembro más del reino británico y su otrora miráda crítica al sistema no aparece aquí como en ROPA LIMPIA, NEGOCIOS SUCIOS (1985) o SAMMY Y ROSIE VAN A LA CAMA (1987). Quizás sea porque la familia real, anacrónica y  (lujosamente) polvorienta, está fuera del sistema desde hace mucho tiempo.

Un film medianamente interesante que por suerte no dura más de una hora y media, cosa que hoy en día es un componente más que suficiente para tomar en cuenta a la hora de elegir ir al cine a ver una película.

Sergio Zadunaisky

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Monday, February 19, 2007

Soñar, soñar

Este sábado pasado tuve la alegría de ver en dvd la ansiada última película de Michel Gondry, THE SCIENCE OF SLEEP. sobre la que ya comenté algo en este mismo blog hace ya unos meses. Y debo decir que Monseuir Gondry no me ha defraudado en lo más mínimo. Su talento y capacidad creativa continúan intactos y aunque esta vez no cuente a su lado con Charlie Kaufman (guionista de Human nature y Eterno resplandor de una mente sin recuerdos) logra un film personal, audaz y lleno de magia y lirismo.

 

Federico Fellini filmó en 1963 una de las que para mí se encuentran entre sus obras más apasionantes: FELLINI 8 1/2. El maestro italiano lograba entremezclar el mundo real, el onírico y el imaginario sin continuidad, otorgándole a todas las escenas de su película un aura de misterio de irrefrenable atracción. Claro que los surrealistas ya habían probado esta manera para contar sus historias. Luis Buñuel, máximo exponente de aquella vanguardia decía que si le dieran a elegir, preferiría tener 20 horas por día de sueño y no de vigilia, para poder soñar la mayor cantidad de tiempo posible.

 

Gondry decide entrar de lleno en el tema del sueño, convirtiéndolo en el eje de su historia. Y así el francés deja volar su imaginación sin ataduras para contar lo que en el fondo es una historia clásica de amor, de esas de “chico conoce chica”. Los amigos con los que compartí la visión de la película no estaban muy convencidos con la propuesta, a la que tildaron de despareja e inconexa, como un borrador al que le faltan pulir algunas piezas. No los contradigo y más bien los acompaño en su criterio. Aunque también sentí lo mismo cuando ví el citado film de Fellini. Ambas historias (así como la de ETERNO RESPLANDOR…) se centran en lo que ocurre dentro de la cabeza de su protagonista. Michel Gondry no logra una historia redonda y consistente porque se deja llevar por sus propias (delirantes y poéticas) ideas y no se detiene para utilizar todos los recursos a los que nos tiene acostumbrado, como el stop motion, la animación de todo tipo, el juego con las dimensiones de los objetos y las personas, entre otros.

 

Pero es la actuación de sus dos protagonistas principales (el mexicano Gael García Bernal y la hija de la dupla Jean Birkin – Serge Gainsbourg, Charlotte Gainsbourg, la que le da gracia a la historia y le otorga junto a las proezas visuales un ritmo que casi no decae y atrae al espectador permanentemente. El film, que gira en torno a los sueños de Stephane (Bernal) y la decisiva influencia de éstos en su vida cotidiana es sí desprolijo en su estructura, a veces redundante y otras inconexo. Pero le agradezco me haya hecho sentir como aquel día que ví EL ACTO EN CUESTIÓN (Alejandro Agresti) en la sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín, feliz por haber presenciado un acto creativo, estimulante y rebosante de ideas.

Sergio Zadunaisky

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Wednesday, February 7, 2007

El agua y el aceite

Cada vez que el cine norteamericano, sobre todo el producido en Hollywood, se propone hacer un filme comprometido, duro y jugado, salvo honrosas excepciones, termina pifiándola de manera grosera. DIAMANTE DE SANGRE (Blood diamond) es un nuevo intento que cae en esta línea. Estamos en Sierra Leona en el año 1999, el tráfico de diamantes está a la orden del día y una guerra tribal y política se cobra cada vez más víctimas inocentes, llevando a los chicos a manejar armas y a matar gente como si de un videogame se tratara.

 

Los personajes principales son tres: Danny Archer (Leonardo DiCaprio) es un sudafricano que vive en Sierra Leona y trafica diamantes. Este cínico y pragmático muchacho conoce a todos los participantes de la operación, desde los campesinos que usan su ganado para transportar la preciada mercadería, hasta los peces más gordos, inescrupulosos empresarios europeos que hacen sus negocios sin importarles nada más que la plata que puedan ganar. Solomon Vandy (Djimon Hounsou) , un nativo al que separaon de su familia y está obligado a buscar diamantes en la cuenca de los ríos para el autodenominado Frente Unido Revolucionario (F.U.R), y así conseguir más dinero que permita a sus captores derribar al gobierno de turno y tomar el poder. Completando el triángulo nos encontramos con la bella Jennifer Connelly, quien interpreta a Maddy Bowen, una periodista de buena conciencia que busca el reportaje de su vida, aunque no confía demasiado en que su nota vaya a cambiar algo para mejor.

Si la película fuese una más de acción y aventuras, no pasaría de ser un producto entretenido, con escenas de acción filmadas con un gran despliegue de producción y mucho nervio. Pero, pero, cuando la intención es agregarle a la historia una bajada de línea políticamente correcta, transmitiendo un “mensaje” a los espectadores, es cuando se embarra el asunto. Y la cosa se pone fea y “antinatural”. Es cierto que muchas de las cosas que dice y denuncia DIAMANTE DE SANGRE son ciertas e inapelables. El problema está en el Cómo hace para querer manifestarlas y a qué resultados llega. Por un lado, los primeros minutos de la película son fuertes, con escenas realmente crudas (demasiado para mi gusto, ya les explicaré por qué) y sanguinarias. El F.U.R. no escatima en masacrar poblaciones enteras, exceptuando a los chicos, que son reclutados para ser adoctrinados y formados como soldados y a los adultos fuertes, que serán tomados para trabajar en la búsqueda de los diamantes. El ejército del gobierno no le va en zaga, matando también a gente de la población civil, so pretexto de que puedan formar parte de la fracción enemiga o simplemente eliminándolos en cualquier enfrentamiento abierto en las calles de las ciudades. En este contexto, cada uno de los personajes arriba mencionados tratará de cumplir su objetivo. Archer, encontrar un diamante rosa que Solomon astutamente ocultó antes de caer en las garras del F.U.R. y así escapar del infierno y cambiar de vida, Solomon reencontrarse con su familia y Maddy, lograr hacer su nota reuniendo la mayor cantidad de información posible, para hacer caer a los que negocian diamantes con la sangre africana.

Pero todo es demasiado superficial y muchas cosas que se dicen son frases que en el contexto y por cómo están expresadas suenan apenas como un mal chiste (Connelly, al ver un extenso campamento de refugiados expresa “esto ocuparía apenas un minuto en CNN, entre el informe del tiempo y una nota de deportes”). El cine de la gran industria norteamericana sigue mirando con condescencia y falta de rigor a los países del Tercer Mundo. Concordando con su política en asuntos exteriores, la mirada es parcial y oportunista, demagógica (ver esto sobre todo en la última escena del filme, que por pudor no me atrevo a describir) y esquemática. Se notan las “buenas intenciones” (hasta parece que Leonardo DiCaprio se conmovió en serio cuando estuvo en el continente africano), pero muchachos, si nos quieren ayudar, por favor no sigan filmando esta clase de películas.

Les quiero explicar por qué me pareció demasiado cruda la exposición de muertos en matanzas y fusilamientos, la mutilación, las imágenes de los chicos disparando a mansalva con sus ametralladoras y otras barbaridades. Por supuesto que existen este tipo de cosas y otras mucho más terribles también. Lo que me molestó es que esa realidad mostrada de manera tan elocuente, no se equiparara al resto de lo que se muestra, una historia que termina siendo almibarada, inverosímil (ver la mágica transformación delpersonaje de Di Caprio) y engañosa (Estados Unidos casi no interviene dentro de lo que se cuenta y todo queda supeditado a personajes malvados africanos o europeos).

En resumidas cuentas, mucha sangre y poca sustancia. Vayan a ver CARTAS DESDE IWO JIMA y allí verán cómo un norteamericano puede contar una historia sobre el “bando de enfrente” con lirismo y dosis de riesgo, recurriendo a las mejores armas del cine clásico Hollywoodense para hacerlo.

Para rescatar, la música y la fotografía de la película, así como algunos momentos de acción pura y algunos de humor genuino.

Link a una crítica uruguaya con la que coincido: http://www.cartelera.com.uy/pelicula.php?id=1382

Sergio Zadunaisky

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Friday, February 2, 2007

Batallas personales

En muy pocos días se estrena CARTAS DESDE IWO JIMA, la “segunda parte”, o mejor dicho, la contracara de FLAGS OF OUR FATHERS (me niego a llamarla LA CONQUISTA DEL HONOR), ambas dirigidas por Clint Eastwood. Comentada en este mismo blog, la primera parte es sin dudas una gran película, pero esta segunda, la parte japonesa, mejora a su predecesora y la completa de manera soberbia.

Eastwood se interna en la faz doméstica, privada de la contienda, siguiendo la línea establecida en FLAGS OF… La lucha no solo se produce contra el enemigo norteamericano, si no que se produce entre los propios soldados e incluso dentro de cada uno de ellos. En uno de los diálogos más reveladores, Korabayashi, el oficial de las tropas en la batalla final, se encuentra antes de la guerra en territorio americano agasajado por los soldados de ese país. Durante una comida mantiene una conversación con otro oficial y su esposa. Ella le pregunta al japonés si en el caso de verse enfrentado en una guerra contra Estados Unidos, mataría a su esposo. Él responde que no le quedaría otra opción que responder siguiendo a sus convicciones. “¿Las suyas o las de su patria?”- retruca el americano, a lo que Korabayashi responde: “se supone que ambas deberían ser las mismas”. Lo que la película plantea es que no siempre es así y que los mandatos externos no necesariamente concuerdan con los internos, o por lo menos son difíciles de llevar a cabo cuando entran en juego los afectos lejanos y añorados o el miedo a la muerte.

Contada por un norteamericano y hablada casi íntegramente en japonés, CARTAS DESDE IWO JIMA es una rareza, no solo dentro de la filmografía de Eastwood, si no también en el panorama del cine actual. La narración es potente y se va construyendo a partir de las diferentes cartas envidadas desde uno y otro lado de la isla en que transcurre la acción. Los soldados americanos dejan el protagonismo a los japoneses, aunque las pocas escenas en que interactúan, logran alcanzar ser de las más intensas de la película.

Recomendable (ver si es posible la otra parte antes y lo más cercana en el tiempo posible), CARTAS DESDE IWO JIMA estará sin dudas entre las mejores películas de este año. Su cercanía a la filosofía destilada en el cine de Jean Pierre Melville (El samurai, El círculo rojo) puede verse en sus protagonistas, con la muerte inscripta en sus rostros y en la entereza con que la mayoría de ellos van a su encuentro, resguardando su honor.

Cuando salí del cine, sentí una emoción difícil de describir, cercana a aquellos momentos en los que uno ve algo hermoso pero terrible a la vez, con la certeza de la fragilidad y fugacidad del instante. Hacía tiempo que no salía así de ver una película.

Sergio Zadunaisky

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Thursday, February 1, 2007

Referencias, opiniones, sugerencias, consultas

 

Decidí abrir este espacio para que opines y me hagas llegar tus comentarios acerca de las actividades de cine que propongo y realizo . Hayas venido o no a alguna de ellas (cursos, seminarios, proyecciones, charlas) podés dejarme una opinión acerca de qué te pareció la actividad, dejar una sugerencia o proponer algún tema o director sobre el que te gustaría hacer un curso. También, si formás parte de un grupo con inquietudes propias y querés un curso sobre un tema o director específico, charlas sobre estrenos de cine, proyecciones a domicilio (tengo un proyector de cine a disposición para ver las películas en pantalla gigante) decímelo y vemos de llevarlo a cabo. 

Espero tus opiniones y sugerencias.

Sergio

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Vacaciones

 

Recién vuelto de mis vacaciones, caigo en la cuenta de que durante veinte días no fui ni una sola vez al cine. Eso sí, vi un montón de películas en dvd. No recuerdo en qué orden, ví FRANKENSTEIN (la de James Whale de la década del ´30 con Boris Karloff), VECINOS INVASORES, INFERNAL AFFAIRS, FORCE OF EVIL (film noir de 1948 dirigido en Estados Unidos por el  perseguido por comunista Abraham Polonsky), dos con Cary Grant: NACIDA PARA SER MALA y LA ADORABLE REVOLTOSA, LOS TRES ENTIERROS DE MELQUÍADES ESTRADA, el pomposo e insoportable thriller EDISON, INCIDENTE EN EL LAGO NESS (falso documental protagonizado por el incomparable Werner Herzog), dos del finlandés Aki Kaurismaki: LA CHICA DE LA FABRICA DE FOSFOROS y LA VIDA DE BOHEMIA, la inglesa BOTAS AUDACES, EN EL CORAZÓN DE LA MENTIRA de Claude Chabrol y CODIGO DESCONOCIDO de Michael Haneke, aunque esta última la vi hasta la mitad, por lo que la terminaré de ver mañana. También, algunos cortometrajes, como la excelente realización de Juan Solanas, EL HOMBRE SIN CABEZA, la nouvellevaguiana TODOS LOS HOMBRES SE LLAMAN PATRICK, con guión de Rohmer y realización de Godard y EL SECDLETO DE LA TLOMPETA, la disparatada alucinación del español Javier Fesser (el mismo de EL MILAGRO DE P. TINTO).

Me hubiese gustado ver algunas cosas más, pero no solo en la televisión el tiempo es tirano. Aunque pude disfrutar mucho del mar y también de algunas lecturas interesantes, como las del libro de Guillermo Cabrera Infante, ARCADIA TODAS LAS NOCHES que gentilmente mi amiga Miryam me prestó, o de un reportaje a Billy Wilder hecho por París Review y de una perlita del inglés Roald Dahl: Mi tío Oswald.

 

 Volviendo al cine, de lo que ví les recomiendo Botas audaces (Kinky Boots en el original), una comedia muy divertida y estimulante, muy en la línea de THE FULL MONTHY; FRANKENSTEIN, LA ADORABLE REVOLTOSA, una comedia alocada de Howard Hawks que tiene un ritmo arrolladorl, INFERNAL AFFAIRS, el film en el que Scorsese se basó para LOS INFILTRADOS, es también una película que se ve con mucho interés y la película de Chabrol, una historia que, como muchas de las del francés, se construye como un policial para adentrarse en un conflicto moral en torno a sus personajes. Y si pueden ver los cortos de Solanas, Godard y Fesser (se consiguen en el video club de Liberarte), háganlo, vale la pena.

Volveré en los próximos días, con el comentario de algún estreno de cine.

Sergio

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