dale cine

NO NOS UNE EL AMOR

Tape (Richard Linklater, 2001)

Ochenta y cuatro minutos en un cuarto de hotel. Sólo tres personajes y un clima que de a poco va tornándose cada vez más denso y desequilibrado. Richard Linklater, el ecléctico y casi siempre “indie” realizador americano (Escuela de Rock, Antes de Amanecer, Antes de Atardecer) registra en video de alta definición una historia basada en una pieza teatral de Stephen Belber (quién aquí también adapta su obra para el cine).

Vince (Ethan Hawke) es un pequeño vendedor de drogas y también bombero voluntario, Jon (Robert Sean Leonard) es un director de cine políticamente correcto y con conciencia social, Amy (quizás el personaje más enigmático e interesante del trío, interpretado por Uma Thurman), trabaja como ayudante de un fiscal federal.

La historia gira en torno a dos amigos que se encuentran en una habitación de hotel. Lo que comienza con un comentario como dicho al pasar por uno de ellos va transformándose en una espiral ascendente, con filosos diálogos, revelaciones y vueltas de tuerca a lo David Mamet (dramaturgo, guionista y director americano). Tape es un filme de corte experimental que propone un juego de un extraño humor, corrosivo y fascinante. Hay aquí un hecho del pasado que atraviesa a los tres personajes, una marca que los une y los repele a la vez. Una presunta violación en una noche de excesos, ocurrida diez años antes en la escuela secundaria, es el detonante para que algunos secretos inconfesables salgan a la luz.

Conceptos como la amistad, el orgullo y el amor son puestos a prueba en una película en la que Linklater no sólo utiliza con sabiduría el formato HD (Video de Alta Definición), si no que aprovecha al máximo lo que sus actores pueden y saben brindarle. Para espectadores inquietos y abiertos.

Escrito para la revista Leer Cine.

The Brothers Grimm

República Checa / USA, 2005

Dirección: Terry Gilliam

Guión: Ehren Kruger

Intérpretes: Matt Damon, Heath Ledger, Peter Stormare, Lena Headey, Jonathan Pryce

MAS GRANDE QUE LA VIDA

Terry Gilliam es un amante de la fantasía y los mundos imaginarios. Su visión, oscura y escéptica, posee un sarcasmo que por momentos lo acerca al humor negro. El final de su película Brazil (1985) así lo demuestra: nuestro héroe, a punto de morir, logra escapar de su tormento y encierro, encontrando la libertad largamente anhelada. El espectador lo acompaña en su gozo, para comprobar finalmente que todo había ocurrido en la cabeza del personaje, quién jamás escapó y sólo estaba permitiéndose esa libertad apelando a lo único que nadie podía arrebatarle: su imaginación. Este director, escritor, dibujante y actor es el único americano integrante del grupo inglés (ya disuelto) Monty Python. Aquí entrega un material afín a sus anteriores trabajos como realizador, entre los que se incluyen “Los aventureros del tiempo” (1981), “Pescador de ilusiones” (1991), “12 monos” (1995) y “Pánico y locura en Las Vegas” (1998).

CONTRA LOS MOLINOS DE VIENTO

En el cine, la aventura y la acción no son necesariamente sinónimos de entretenimiento. Así como los besos y la música melosa no son sinónimos de pasión. Todo depende de quién ordene y ejecute las piezas, y de quién las interprete. Sin dudas, Terry Gilliam es uno de los directores más creativos y apasionados de la historia del cine. Su wellsiana desmesura a la hora de abordar la mayoría de sus proyectos ha quedado plasmada en la maravillosa “Las aventuras del Barón Munchausen” (1988), una pesadilla para sus productores por la infatigable capacidad de Gilliam para gastar muchísimo más de lo presupuestado (gastó tanto que la compañía aseguradora tuvo que hacerse cargo del rodaje). Recientemente, ha intentado llevar al cine las andanzas del hidalgo Don Quijote, el personaje de Cervantes, pero los contratiempos del rodaje fueron tan grandes que debió suspender la filmación. Así quedó registrado en el espléndido “Lost in La Mancha” (Keith Fulton – Louis Pepe, 2002), documental sobre las alternativas del fallido y traumático proyecto. Hubiese sido interesante ver qué hubiese hecho Gilliam con El Quijote, una suerte de alter ego que también luchaba contra todo lo que se le ponía enfrente convencido de su personal visión de las cosas. “Los hermanos Grimm”, a pesar de ser un trabajo por encargo, tiene muchos elementos familiares a Gilliam, como la utilización de conocidos mitos y leyendas, el tema de la relación entre la realidad y la ficción, el poder de la imaginación y una socarrona mirada a los poderosos, quienes con su obcecada miopía y afán de poder dañan el universo. El film no encuentra un tono justo y coherente y su realizador aparece encorsetado, atrapado entre la obligación que el cine de Hollywood impone: llegar a la mayor cantidad de público posible y su mundo propio, por lo que sus “toques” de autor, habituales en proyectos anteriores, quedan diluidos o apenas esbozados. El juego del cuento dentro del cuento que se plantea es interesante y Gilliam, que de parodiar conoce bastante (recordemos el film que realizó junto a los Monty Python “Los caballeros de la mesa cuadrada”, de 1975, en el cual la historia del Rey Arturo era tomada en solfa hasta el paroxismo) no consigue llevar esta propuesta hasta el final y se queda a mitad de camino. Sus personajes no logran el carisma suficiente y las escenas de acción se suceden casi sin emoción. Los efectos especiales, cosa rara en Gilliam, cobran más importancia que la historia misma. Habrá que esperar para ver qué ocurre cuando se estrene Tideland, su último film, una cinta de menor presupuesto y carácter más personal.

Escrito originalmente para la revista Leer Cine.

Información enviada por una de las lectoras del blog. En la imagen están los datos para contactarse y poder concurrir.

LAS LOCURAS DE DICK Y JANE

Fun with Dick and Jane

USA 2005

Dirección: Dean Parisot

Guión: Jude Apatow, Nicholas Stoler

Intérpretes: Jim Carrey, Téa Leoni, Richard Jenkins, Angie Harmon.

PATAS PARA ARRIBA

La vida de Dick (Jim Carrey) da un giro inesperado el día que le anuncian el ascenso como vicepresidente de Globodyne, la empresa en la que lleva trabajando duramente desde hace más de quince años. Sólo horas después, el “gigante” de las comunicaciones literalmente se desploma por una fuga de capitales perpetrada por sus propios dueños. Dick y su familia se derrumban junto con él. Jane (Téa Leoni), su mujer, acababa de renunciar a su trabajo ante las inmejorables perspectivas de vida con el nuevo puesto de su marido. Ahora son dos desocupados y si no consiguen trabajo pronto deberán resignar su status social y económico. El robo y la vida criminal parecen ser la única salida a una situación desesperada.

Remake de una película de 1977 del mismo nombre protagonizada por Jane Fonda y George Segal, éste es un filme oscuro sobre los tiempos que corren, una comedia negra con dos antihéroes desgraciados. Con el antecedente de la vergonzosa licuación de la empresa Enron (algunos ejecutivos de la misma colaboraron en el film, delante y detrás de cámara), Las locuras de… recorre la vida de una familia tipo en los EEUU que de la noche a la mañana debe arreglárselas como pueda para sobrevivir. Los dardos de esta sátira corrosiva apuntan a la construcción de un sistema de vida basado en la mentira, la corrupción, el consumismo desenfrenado y el desprecio por el prójimo en pos de alcanzar y mantener un determinado status social. Lo que vulgarmente se denomina “capitalismo salvaje”.

Hay escenas hilarantes y situaciones disparatadas, pero uno no puede ante ellas más que esbozar una lánguida sonrisa cargada de amargura y horror. Dick y Jane son, de alguna u otra manera, el reflejo de nosotros mismos.

Crítica aparecida en la revista Leer Cine.

LA MARCHA DE LOS PINGÜINOS

La Marche de L´empereur - Francia, 2005

Dirección: Luc Jacquet

Guión: Luc Jacquet y Michel Fessler

Intérpretes: Morgan Freeman (Narrador).

“Quedan pocas imágenes libres. Todo está ya construido. Las imágenes son casi imposibles. (…) Busco plantas que no existen y paisajes que se sueñan. A menudo, por supuesto, esto entraña riesgos que yo no dejaría de aceptar. Ya no es fácil encontrar imágenes puras y transparentes en este planeta.” (Werner Herzog)

Estamos ante un documental, no hay dudas de ello, pero la ficción también se cuela por algunas grietas de esta opera prima del francés Luc Jacquet. Tenemos una clásica historia con comienzo, medio y fin, ya que la película nos narra uno de los ciclos vitales en la época de apareamiento de los pingüinos emperadores. Y éstos, además, son antropomorfizados en un rasgo que los convierte en personajes con emociones y sensibilidad humanas.

Hace siglos que los pingüinos Emperador, los más grandes de su especie, llevan a cabo en la Antártida una peregrinación de más de cien kilómetros hasta un lugar específico, en donde se aparearán para tener a sus crías. Allí soportarán ráfagas de viento fortísimas, hambre y sed, todo en pos del cuidado de sus huevos (cada pareja puede engendrar sólo uno por apareamiento). Primero serán los padres los que , sin moverse de donde están, deban sostenerlos sobre sus patas para que no se muera la cría antes de tiempo al entrar en contacto con el piso helado, mientras las hembras vuelven a su lugar de origen para alimentarse y recuperar el peso perdido durante la gestación. Luego se invertirán los roles y más adelante, deberán las crías solas ocuparse de sí mismas, para repetir el ciclo de sus padres unos años después. Estamos en presencia de una aventura digna de las arriesgadas expediciones del cineasta alemán Werner Herzog ó del pionero documentalista Robert Flaherty y también, por qué no, cercana a la del célebre Lawrence de Arabia en su extenuante peregrinaje por el desierto.

Cuando me encargaron, a principios de año hacer una nota sobre esta película, pensé que se trataba de una broma de los editores. Pero luego de verla, comprendí que no era un filme del montón. Y más al leer acerca de los comentarios y las reacciones que había suscitado en otras partes del mundo. Se convirtió en el segundo documental más visto en los Estados Unidos luego de Bowling for Columbine, de Michael Moore (ahora que ganó un Oscar quizás lo haya superado) y se había convertido en la bandera de los sectores más conservadores y ortodoxos de la iglesia, que la exhibían como la comprobación perfecta de la existencia de Dios en el mundo y de un plan “inteligente” creado por el mismo para sus criaturas. Una refutación a la teoría Darwiniana sobre la evolución de las especies, en dónde se resaltan la valoración de la monogamia, la familia, el amor y la perseverancia . Algo parecido a lo que había ocurrido poco tiempo atrás con La Pasión de Cristo, el polémico filme de Mel Gibson. Y es que si en ambas películas se tocan, es en el tema del sufrimiento como condición ineludible para alcanzar un bien sagrado (la salvación humana en el caso de la cinta de Gibson y la preservación de la especie en la película de Jacquet). Algunos otros creen ver en la sacrificada marcha pingüinesca un acto estúpido, sin sentido. ¿Para qué tanto dolor? ¿Por qué tanto sacrificio?

Inalterables al paso del tiempo, los pingüinos continúan con su marcha año tras año. Ahora el hombre se les ha acercado, para retratarlos y armar un espectáculo con ellos. La voz de Morgan Freeman (narrador en la versión sin doblar), mantiene una cadencia envolvente. Estamos ante una película que atrapa y fascina, sin dudas. Quizás porque vemos en aquellos pingüinos rasgos casi humanos. Fuera de discusiones filosóficas o teológicas, más que interesantes por supuesto, recomendamos la visión de una película que nos acerca quizás las ultimas imágenes “puras” que quedan en el planeta Tierra.

Crítica aparecida en la revista Leer Cine.

EL SEÑOR DE LA GUERRA

Lord of war

USA, 2005

Dirección: Andrew Niccol

Guión: Andrew Niccol

Intérpretes: Nicholas Cage, Bridget Moynahan, Jared Leto, Shake Tukhmanyan, Ethan Howke, Ian Holm.

“Hay alrededor de 550 millones de armas circulando en el mundo. Lo que da la cuenta de una cada doce personas. La pregunta es: ¿Cómo hacer para armar a los otros once?” (Yuri Orlov).

El tráfico de armas es uno de los negocios más rentables del mundo. Miles de ellas son enviadas a diario a diferentes puntos del planeta. Hay grandes proveedores, como los Estados Unidos, China, Rusia y Francia (miembros también del Consejo de Seguridad de la ONU). Y hay pequeños vendedores independientes, entrepreneurs como Yuri Orlov (Nicholas Cage), un padre de familia que comercializa con déspotas y dictadores de varias latitudes todo tipo de armas de fuego.

“Las armas nucleares son nada comparado con esto”, dice en un momento uno de los personajes refiriéndose a un fusil de asalto. “Miles de personas mueren a manos de estas armas todos los días”, completa. A Yuri esto parece no importarle demasiado, él piensa que si deja su lugar cualquier otro lo ocupará y que además no sabría hacer otra cosa mejor que esa. Su ética termina en donde comienza la culata de un fusil. La vida lujosa y acomodada que lleva en Nueva York no tiene nada que ver con las matanzas entre tribus rivales en algún lugar de África o con las luchas fraticidas entre bosnios y serbios en la ex Yugoslavia. Pasaportes falsos, barcos repletos de armamento camuflados como simples buques de carga, coartadas inverosímiles para escapar de las garras de un agente de INTERPOL más persistente que un perro de caza, son algunas de las máscaras adoptadas por Yuri para sobrevivir y poder continuar con sus negocios. Su esposa tampoco sabe (o no desea saber) demasiado. Y su hermano lo acompaña hasta que debe abandonar por su adicción a la cocaína.

Lord of war es una sátira que contiene un material interesante entre manos, pero lo desperdicia con un guión que va perdiendo consistencia  y rigor a medida que avanza el metraje. Y si el cine es siempre representación y no es la realidad, Andrew Niccol (director de Gattaca y guionista de The Truman Show, entre otras) fuerza los hilos de la historia hasta quebrar su propio código de verosimilitud, en pos de un “mensaje”, una bajada de línea que apuntaría a la condena moral sobre un personaje que para vivir comercia en definitiva con la vida de sus semejantes. Pero la idea no queda del todo clara. Recientemente, Soldado anónimo, el filme de Sam Mendes, jugaba con las mismas herramientas hablando de un tema muy cercano, el de la primera Guerra del Golfo, pero la línea divisoria entre la mirada sarcástica, la crítica y la exaltación patriótica embellecida con una estética estilizada, conspiraban contra los propósitos del realizador. Una película de más reciente estreno en nuestra cartelera, Caché (Escondido), del alemán Michael Haneke, nos habla de la violencia de una manera más directa y eficaz.

El veloz ascenso de Yuri en los negocios armamentísticos gracias al fin de la Guerra Fría y su posterior y brutal caída con cargo de conciencia incluido, no dejan en nosotros una idea clara de lo que se quiere contar y qué se quiere decir con ello. Superficialidad, efectismo y seguramente buenas intenciones (que mal dirigidas suelen ser las peores) hacen de esta película una de las más pretenciosas y menos logradas en lo que va del año.

Crítica escrita para la revista Leer Cine.

Ciclo análisis de estrenos 2006

 Martes 29 de agosto: La comedia del poder (L´ivresse du pouvoir, Francia, 2006)

“Una debilidad de los seres humanos es que no podemos resistir la embriaguez del poder” (Claude Chabrol).

La comedia del poder es un film en el que Chabrol deja sus habituales disecciones de la burguesía de la Francia profunda para centrarse en el tema de la corrupción generada por las grandes empresas y el poder político. Isabelle Huppert vuelve a aparecer junto al director galo, ofreciendo uno de los mejores papeles de su carrera, el de una jueza de instrucción implacable que debe salir adelante en un mundo dominado mayormente por los hombres. El encuentro será en Manuela Pedraza 2751 a las 20 horas. Para confirmar asistencia hay que llamar al 154 178 2080. El arancel es de 20 pesos.Coordinan el encuentro Javier Luzi y Sergio Zadunaisky 

“La mirada en el cine”