dale cine

Acabo de ver hace una horas una película rumana impresionante, llamada “LA NOCHE DEL SEÑOR LAZARESCU” (el título que se utilizó en otros países y es más apropiado es “La MUERTE del señor Lazarescu”). Narrada en su mayor parte en tiempo real, este film de dos horas y media de duración es una gran película que mezcla lo mejor de los hermanos Dardenne (El hijo, El niño), con aspectos del cine de Eric Rohmer (Triple Agente, La rodilla de Clara, Cuento de Otoño).

Prometo que en los próximos días, cuando los efluvios etílicos y los ecos de las fiestas se acallen, escribiré algo más al respecto.

Mientras tanto, les dejo una dirección para ver el trailer: http://www.imdb.com/title/tt0456149/trailers

La fecha de estreno de esta película es el 4 de enero de 2007.

Sergio

QUIERO COMPARTIR ESTE DESEO CON TODOS LOS LECTORES DE ESTE BLOG.

Sergio Zadunaisky

Hace un par de días vi en dvd Monster House, y fue muy placentero. Una película de terror para chicos (si tienen diez o más años, mejor) que por supuesto esconde otras cosas debajo de su historia.

El relato es efectivo y muy entretenido. Un grupito de pre-adolescentes se enfrenta a un misterio que los repele y atrae al mismo tiempo: de manera inexplicable, una casa se devora a los que osan merodearla, sean personas u objetos. Y estos tres chicos, en el umbral de la adolescencia, deciden entrar a ver que hay ahí adentro. Emoción, suspenso, acción y algún que otro susto, les esperan.

Viendo esta película, me reencontré con situaciones de mi infancia y el recuerdo de muchas otras películas que vi siendo chico y otras que vi de más grande. La ventana indiscreta, Doble de cuerpo, La gente detrás de las paredes, Evil Dead (conocida aquí como Diabólico), Los cazafantasmas, Psicosis y muchos otros títulos cruzaron por mi mente mientras veía la película. Realmente recomendable para una tarde de verano porteña, una opción para que los chicos dejen la tele por un rato y vean algo interesante.

Sergio

Acercándose el fin de año, Dale Cine decidió convocarte a elegir la que es, a tu criterio, “la película del 2006″ y por qué. La idea es que en no más de diez líneas expongas los motivos por los cuales elegiste esa película. No tiene que ser necesariamente la mejor, si no la que por uno u otro motivo, rescatarías del lote de estrenos del año que se va. No buscamos fundamentos sesudos ni críticas avezadas, creemos que tu palabra surgida espontáneamente es más valiosa y genuina. Nosotros, ya elegimos una, y es CACHE (ESCONDIDO), del austríaco Michael Haneke. ¿Por qué?

Fundamento de la elección: Haneke no es un director fácil y accesible. Me costó mucho adaptarme a su estilo. aunque Funny Games (llamada aquí espantosamente “Horas de Terror), que fue la primera película que vi de él, me gustó mucho y me sigue pareciendo valiosa (el mismo Haneke, sorprendentemente, está pensando en hacer una remake de este film en los EEUU, (link en este mismo blog: http://dalecine.blogargentina.com/1175944/). CACHE nos presenta más interrogantes que respuestas y no busca ser complaciente y conformista. Más bien expone un estado de situación alarmante y real, que nos hace pensar en la exclusión de ciertos grupos sociales y la demasiado cómoda posición de ciertos otros. Paranoia, culpa y miedo se mezclan en una historia sin fisuras y efizazmente narrada.

Podés mandar tu voto haciendo clik en la palabra “comentarios”, que aparece más abajo.

Sergio Zadunaisky

Listado de los filmes estrenados en cine en 2006:

Me hiciste acordar a las mujeres más hermosas… ¡y me fui con ellas! (Aforismo de Ernesto Esteban Etchenique, personaje creado por Roberto Fontanarrosa) 

El 28 de diciembre se estrena en la Argentina SUEÑOS DE GLORIA (The World´s Fastest Indian), una película del australiano Roger Donaldson (Coktail, Sin Salida, Especies, Dante´s Peak; entre otras películas) sobre la vida de Burt Munro, un neozelandés que se convirtió en una leyenda a mediados de los años sesenta, cuando ya superaba seis décadas de vida. Este intrépido señor, según consta en la enciclopedia on line WIKIPEDIA (http://es.wikipedia.org/wiki/Portada), “con 68 años cumplidos, en 1967, decidió poner una culminación a la obra de su vida viajando hasta Bonneville Salt Flats, en el estado norteamericano de Utah, para intentar participar en la carrera de la Semana de la Velocidad que se celabra cada año, y probar así las posibilidades de su moto: Munro logró un récord de velocidad de motocicletas de menos de 1000cc superando los 300 kilómetros por hora.”

El auténtico Munro en acción

La película está claramente dividida en dos partes, la primera es la de Munro en su tierra natal, preparándose para el viaje y la segunda lo muestra en los Estados Unidos, en donde luchará por conseguir un lugar en la competición que siempre soñó.

A medida que avanzaba la película, tenía recuerdos diversos de otras (como el personaje de Fontanarrosa citado más arriba), pero que se me presentaban como deformes reflejos especulares de lo que estaba viendo. Por ejemplo, ciertas escenas y personajes, me llevaban a esa apacible y (falsamente) gentil película llamada UNA HISTORIA SENCILLA, la maravillosa historia de un viejito que decidía cruzar medio Estados Unidos en una cortadora de césped para ver a su hermano, del que estaba distanciado desde hacía mucho tiempo.

Luminosa en su superficie, la vida de Alvin Straight encerraba, como en todas las películas de Lynch, una historia atravesada por el dolor y la muerte. Claro que este no es el caso en SUEÑOS DE GLORIA, donde realmente todos los personajes son positivos. Desde Munro hasta sus quejosos vecinos, pasando por los impetuosos motoqueros y el travesti del hotel americano, entre otros personajes, todos muestran sus cualidades más humanas y solidarias.

Otro momento me recordó a PSICOSIS, la obra maestra de Alfred Hitchcock, cuando Munro se queda dormido en su auto en medio de la carretera (sí, si estamos en una película y es americana, no se llama “ruta”) y un policía viene a despertarlo. Pero aquí el motociclista neozelandés no huye de ningún robo o crimen, si no que va en la búsqueda de la realización de un sueño largamente deseado. Janet Leigh también iba en busca de un sueño, es cierto, pero un loquito (travestido también como otro personaje de la película de Donaldson) en un motel perdido en la nada le quitaría bajo una ducha inolvidable toda posibilidad de vivirlo.

Otra similitud con el film de Lynch se da en la segunda parte de la película, cuando el personaje interpretado por Anthony Hopkins (muy bien en el papel de Munro) hace una accidentada travesía hasta llegar al lugar de la competencia, y se va encontrando con diversos personajes, a los que aleccionará de uno u otro modo, soltando frases de Confucio o máximas sobre la importancia de los sueños en la vida y la lucha por conseguirlos. Esto no está mal, para nada. Lo que sucede es que la historia, más bien, la “trama”, es bastante previsible y sintonizada con el gusto y el espíritu norteamericano, es decir, personaje excéntrico que se hace a sí mismo y vence las circunstancias para lograr sus objetivos (con el “plus” de una edad cercana a la muerte), corrección política en el trazado de personajes y situaciones, chistes ñoños, cierto aire ingenuo en todo el film y una luminosidad demasiado brillante como para ser verdadera- Algo así como un manual de autoayuda escrito por un miembro del equipo de “Mecánica Popular”.

Trailers del film en http://www.imdb.com/title/tt0412080/trailers 

Sergio Zadunaisky

LO QUE VI

Semana del 18 al 23 de Diciembre de 2006

Pido nuevamente disculpas por las demoras en la entrega de LO QUE VI. Una intoxicación con comida china frenó mis

ímpetus cinéfilos.

Ya repuesto, les cuento como siempre las películas destacadas que vi la última semana en cine, dvd, cable o televisión abierta.

Insisto en que están pendientes la crítica y los comentarios de ustedes. Sus opiniones son la sal del blog. Las esperamos.

MOTHER AND FATHER FOCKER

En el año 2000 nos sorprendimos con “La familia de mi novia” en donde confrontaban dos estilos de vida prototípicos en los Estados Unidos, los liberales y los conservadores. Robert De Niro hacía allí  un divertido ex-agente de la CIA no muy convencido de integrar al novio de su hija (Ben Stiller) al círculo de confianza de su familia.

Como la película fue un inesperado éxito de taquilla, llegó como corresponde, la secuela “Los Fockers”, con Dustin Hoffman y Barbra Straisand como los padres de Gaylord Focker, abanderados de la New Age y la escatología en libertad.

Las dos pelis se ven como una sucesión de disparates y absurdos sin solución de continuidad. Por momentos aburren, por momentos divierten.

Pero mire, si usted quiere ver entre líneas y tiene la paciencia de hacerlo, va a encontrar una multitud de interesantes perlas sobre los dos Estados Unidos. Uno, el de los que quieren invadir Irak y todo lo que les venga en gana al mejor estilo Terminator y otro, más tolerante, más democrático y mucho más cerca de lo que somos todos, personas de carne y hueso, con virtudes y defectos, iguales a otras personas de otras partes del mundo.

JULITO EL JUSTICIERO

¿Alguna vez pensó en hacerle comer la caca de su propio perro al tipo que pasa todas las mañanas por la puerta de su casa dejando ese regalo? ¿O sacarle el volante del auto al morocho que pasó raudo la luz roja mientras usted cruzaba? Bueno, yo lo pensé. E iba a escribir un cuento con ese tema: el del vengador de todas y cada una de nuestras pequeñas humillaciones cotidianas, desde el colectivero que nos trata mal hasta la empleada pública que nos hace recorrer todo el ministerio. Julito el justiciero se iba a llamar. Pero, para dar la razón a aquel que dice que todo está inventado, está “Silencioso como un ratón” en donde mi entrañable Julito es alemán y pasó a llamarse  Mux. Esta peli que vi casi de casualidad un Lunes por Europa-Europa es la historia de un justiciero urbano, un Quijote moderno que recorre Berlín, un street worker (como él gusta llamarse) que, con su ayudante Gerd (Fritz Roth) recorren las calles con una filmadora y un revólver (el ratón) para asustar y chantajear a los prepotentes, a los que hacen daño por gusto, a los pedófilos y a todos los violentos.

Filmada casi como un documental por Marcos Mittermeier, ganó premios el año de su estreno (2004), pero hace agua hacia el final cuando el protagonista mezcla justicia con marketing, con prejuicios y con puritanismo. Es la deriva de Julito, su prospectiva. ¡No Julito, no! Quedate así, no crezcas nunca, ¡te queremos como sos!

LA PASION SEGÚN SPIKE JONZE

¿Usted escribe o se dedica a algo que tenga que ver con la creación?, ¿con lo que significa hacer aparecer cosas, hechos, obras nuevas donde antes no las había?  

Si lo hizo o lo hace con cierta habitualidad podrá ver que no es fácil pasar de la hoja en blanco al hecho nuevo (cuadro, escrito, plano, grabado, etc)

De eso y mucho más trata “Adaptation” la peli que Jonze pergeñó con el guionista Charlie Kaufman que aquí, en estas Pampas, han dado en llamar “El ladrón de orquídeas” y que por estos días han pasado varios canales de cable.

Si usted no hace best sellers con fórmulas probadas por el éxito ni muñequitos en serie, verá que la creación es algo visceral que nos compromete íntegramente.

Con un elenco de lujo, con Nicolás Cage que hace de dos hermanos a la vez, Meryl Streep y otros secundarios valiosos, este film amargo, triste, irónico no debe dejar de verse. Puede no gustar, tendrá aspectos para discutir, pero es una obra mayor por lo genuina, por lo sincera y por el talento puesto por todos los que la hicieron. Amen

Hasta la próxima semana.

David Zadunaisky

Restauran y exhiben la primera película argentina en colores

Este jueves, la Cinemateca Argentina proyectará en la Sala Lugones en carácter de única función la copia restaurada de “Lo que le pasó a Reynoso”, primer filme argentino rodado en colores.

La película, filmada en 1954, tiene un condimento adicional, pues fue realizada por grandes exponentes de la historia del séptimo arte nacional: fue dirigida por Leopoldo Torres Ríos, el guión estuvo a cargo del guionista Alberto Vacarezza y es el penúltimo trabajo cinematográfico del actor Enrique Muiño, recordado por encarnar a Domingo F. Sarmiento en la pantalla grande.

El filme fue restaurado por un equipo comandado por el director Juan José Stagnaro, quien se mostró emocionado por haber obtenido sus primeras armas como cineasta gracias al responsable de fotografía de esta película, Pablo Tabernero. No es la primera experiencia en restauración de Stagnaro: trabajó en la serie documental “Perón: Sinfonía de un Sentimiento”.

“Lo que le pasó a Reynoso” estuvo “perdida” durante décadas, pero Cinemateca Argentina logró obtener el negativo y lo conservó hasta 2004, año en que se le entregó a Stagnaro.

INFECTION (Kansen, Masayuki Ochiai, 2004)

Duración: 98 minutos

Estreno: 7 de diciembre

Horror amarillo

Estos últimos años, los japoneses han inundado las pantallas con decenas de filmes de terror, por citar algunos: La llamada y sus secuelas, Dark Water, The Grudge 1 y 2 (y ya se anuncia la 3), etc., etc.  Algunas de estas películas le dieron nuevo impulso a un género que en las factorías de Occidente parecían agotadas. Directores como Hideo Nakata y Takashi Shimizu buscaron muchas veces en los orígenes la inspiración para sus películas. Dark water, de Nakata, (que tuvo su remake americana en 2005) va por el terror psicológico y la creación de atmósferas malsanas en un ámbito cotidiano. Los golpes de efecto están dosificados y aparecen oportunamente. Nakata no inventa nada nuevo, pero su película se ve con interés y algo de zozobra. El tema de la casa encantada cobra vida cuando una madre y su hija se mudan a un edificio decrépito y de aspecto abandonado.

Fotograma de la versión americana de Dark Water

Pronto, aparece una inofensiva mancha de humedad en el techo, que va creciendo de tamaño a medida que avanzan los días. Una mochila misteriosa (si mal no recuerdo) aparece constantemente aunque la madre de la nena la tire a la basura cada vez que se la encuentra. Así, con pequeños elementos y casi sin recurrir a efectos especiales, la película nos atrapa y nos lleva a sentir el sabor de lo siniestro, entendido como esa faceta desconocida e inquietante de nuestro entorno cotidiano. Mezclada con una historia melodramática, Dark Water es una de las piezas fundamentales del cine de horror japonés de los útimos años junto a La llamada (por supuesto reversionada por los americanos, aunque debo decir que en este caso más que dignamente).

Silencio hospital

Infection es la primera entrega de los seis largometrajes correspondientes a la serie de “The J-Horror Theater”, encabezada por el productor Taka Ichise (el mismo de La llamada, Dark Water y The Grudge). La historia se centra en un hospital viejo y destruido que, paradójicamente, está “enfermo”. Por supuesto que esto cuadra en un filme de terror, donde los espacios, las personas  y las cosas se muestran en su anverso, su otro lado.

Un grupo de médicos es partícipe de un episodio de mala praxis, lo que lleva a la muerte a uno de los pacientes. Entre todos deciden callar el hecho y seguir adelante con su trabajo, como si nada hubiese sucedido.

Pero las cosas en la clínica parecen ir de mal en peor. Aparece un paciente al que no vemos (aunque solo basta con oír los desagrables sonidos que emite) y pareciera estar infectado con una extraña enfermedad. Uno de los médicos decide no dar a publicidad el hecho e investigar al paciente para dar con la novedad el “gran salto” entre sus pares. Otro doctor, fantasmático y ominoso aparecerá cada tanto para dar directivas a sus compañeros. Un niño con una máscara espantosa hará otro tanto.

En esta película se encuentran todos los elementos que un filme de terror debe tener (espacios derruidos y enigmáticos, personajes maléficos, elementos en off que apenas se develan al espectador o con su sonido crean la atmósfera indicada, entre otros). Lo que le ocurre a Infection es que estos elementos están mal ubicados, corridos de lugar, como un rompecabezas mal armado. El guión discurre entre golpes de efecto innecesarios y una búsqueda de lo desagradable que llega casi a lo cómico y risueño. No se genera empatía con ninguno de los personajes, ni siquiera de la negativa. La estructura dramática hace que uno pierda interés en lo que pasa al poco tiempo y mire el reloj obsesivamente.

En medicina, cuando un médico opera mal se le llama “mala praxis”. ¿Habrá que crear una palabra o un término para designar cuando un director filma mal una película?

Sergio Zadunaisky

Semana del 27 de Noviembre al 2 de Diciembre de 2006

Notita

Pido disculpas a todos por las demoras de esta  entrega de LO  QUE VI. Lo que ocurrió es que me fui a Villa Gessell para alquilar algo para el verano. ¡Estuve abstemio de cine! Apenas vi la mitad de “Cuando Harry conoció a Sally” por nonagésima vez y la final del show italiano “Ballando con le stelle”(¡Que decadencia!)

EMEITRES (Pronúnciese Emeítres)

Todo el mundo sabe que Tom Cruise es un excelente empresario cinematográfico. Ha elegido con cuidado sus proyectos, lo han dirigido muy buenos directores (Scorsese, Spielberg, Kubrick), es simpático y, además, se parece mucho a uno de mis hijos, Adrián, el que vive en Tenerife.

Pero las Emeí (Misión Imposible), si observamos atentamente, van marcando distintos momentos en la vida de Tom. La primera, dirigida por Brian de Palma, seguramente la mas intensa y compleja, coincide con su vida junto a Nicole Kidman (una mujer muy inteligente). Allí, era más actor que empresario. Emeídos (MI II), en donde John Woo, el rey del cine de acción manejó la batuta, fue la que mas me gustó. Adrenalina pura, sin complejos, cine para entretener. Pero ya el bueno de Tom, en el pináculo de su fama,  había ganado un camión de plata y andaba haciéndose el kidult con Penélope Cruz.

Para Emeítres (MI III), ya estaba  hasta el cuello con la asientología. ¿Cómo, que dice? ¿Qué no se llama así? ¿Lasientología? ¿La cientos de dólares logía le parece bien? Ah! y ya estaba pensando en casarse en Italia con la cari-ñoña de Katie Holmes.  

Bueno, no se preocupe mi amigo/a,  sigamos.

En esta tercera versión eligió como director a Jei Jei Abrams, el de Lost (¿vió Lost?, como serie no está mal) Pero no le salen muy bien las cosas ni a Jei Jei (el cine no es la tele) ni a Tom. Ni siquiera la salvan Truman Capote (P.S.Hoffman) ni el actualmente gordito Lawrence “Chocolatín” Fishburne. Cine de lo mas previsible y efectista, marca un principio de agotamiento del líder de la Iglesia de la Cienciología. (¡Vió que sabía como se llamaba!)

EL MAQUINISTA  (Pero no el de la General)

Siempre que por algún motivo especial, me paso la noche sin dormir, a la mañana siguiente veo todo como si fuera detrás de un velo gris, oscuro y depresivo. En esos días, mejor no tomar decisiones ni hacer cosas muy importantes porque es probable que todo salga mal. Es lo que le pasa al galancete Christian Bale aquí devenido flaco esquelético e insomne, como recién salido de Bergen-Belsen ó algún otro tétrico campo de concentración.

Confieso que no me seducen demasiado los lindos que se ponen feos para ser “dramáticos” como Charlize Theron, pero realmente  Bale está irreconocible.

Película que envuelve y atrapa, sofocante hasta la náusea. Terror psicológico del más depurado. Con un muy buen elenco de secundarios: Jennifer Jason Leigh, la española Aitana Sanchez-Gijón y el memorable siempre segundón Michael Ironside.

Sergio la pasó hace unos días en un ciclo de cine.

MARTY  (Pero no la de Paddy Chayefsky de 1955)

Aquí no vamos a hablar de Marty,  ese modesto carnicero al que la madre quería casarlo a toda costa y que fue el primer protagónico importante de Ernest Borgnine.

Aquí vamos a hablar de Marty Scorsese y  a dividir el comentario en tres.

Marty 1: Cuando este director aparece en escena se mezcla inmediatamente entre los grandes. Con Taxi Driver, El Toro Salvaje y Después de hora (imperdibles las tres) se coloca a un nivel de un Bertolucci, un Truffaut o un Godard. Mas adelante, Buenos Muchachos y Casino lo muestran como un brillante observador de la mafia en todos sus aspectos.

Marty 2: Pandillas de New York y El Aviador, dicen las malas lenguas que perseguían el Oscar. Etapa grandilocuente pero ya no tan profunda.

Marty 3: Vamos a hablar de Los Infiltrados y empezamos con una frase filosófica que entiendo está en la raíz de este trabajo de Scorsese: “Las instituciones no existen, existen los hombres” La institución policial, los Tribunales, la Justicia, el Parlamento son entelequias creadas por el hombre para ordenar su convivencia en sociedad. Pero, ¿qué pasa cuando las instituciones están inficionadas por personajes corruptos, crueles y sanguinarios a quienes sólo les importa usar las estructuras de las instituciones en su propio beneficio? De eso trata Los Infiltrados y ese es el mensaje que manda Marty en este retorno a un cine de testimonio. Que además, la peli sea un entretenimiento con suspenso, bien filmada, con buenos actores, es un aditamento.

Marty no es un revolucionario, no propone soluciones, es un tipo que mira y dice lo que ve. Dice la verdad. Y hoy, a los que hacen eso, hay que felicitarlos.
¿Qué tiene sus defectos? ¿Qué es muy larga? ¿Qué a la figura femenina no se le da  la misma importancia que a la masculina? Todo eso también puede ser.

Pero, quédese pensando en esto: “Las instituciones no existen, existen los hombres”

Yo tengo amigos que no están de acuerdo con esa frase. Está abierta la polémica. Espero su opinión.

Hasta la próxima

David Zadunaisky