dale cine

Un placer poder estar en radio hablando de cine y música, dos expresiones artísticas que amo.

Aquí el link para poder escuchar el programa completo.

http://trennocturno.wordpress.com/

DALE CINE PRESENTA

HISTORIAS DE LA MAFIA – LA TRILOGÍA DE “EL PADRINO”

Curso de cine en pantalla grande dictado por Sergio Zadunaisky

¿Quién apostaba a comienzos de la década del setenta que un director, para entonces menor, como Francis Ford Coppola, crearía una película considerada hoy una obra maestra absoluta del cine? La sabia combinación de las raíces del film Noir (el cine de gángsters) con el modelo de melodrama europeo, dieron como fruto uno de los filmes en los que tragedia, familia, poder y punzantes sentimientos de origen, en ocasiones contradictorios, se dan la mano con un tono operístico que hace pensar en películas como Rocco y sus hermanos (1960, Luchino Visconti). El inesperado éxito de público fue tan grande que a ésta casi inmediatamente le siguió una segunda parte (El Padrino II, 1974), considerada por muchos aun mejor que la primera. Hubo que esperar más de 15 años para que Coppola volviese a dirigir la tercera (El Padrino III, 1990) cerrando una trilogía en la que cada una de las partes tiene valor en sí misma, pero que entre sí conforman una de las sagas más brillantes de la historia del cine.

Dale Cine te invita a entrar en el mundo de El Padrino para conocer más a fondo su historia y sus personajes, el estilo y la estética de su director y las razones por las que hoy este trío de películas es considerado un incuestionable referente de las grandes obras artísticas del Siglo XX.

Fecha de inicio: Lunes 02 de enero

Dirección: barrio de Belgrano

Horario: 20 a 22

Duración: 4 clases

Costo: 210 pesos

Se recomienda ver las películas con antelación a cada clase, ya que solo se verán fragmentos a fin de realizar su análisis.

Informes e inscripción:

dalecine@gmail.com

154 178 2080

TE ESPERAMOS!

Informes e inscripción:

libros@crackup.com.ar / 4831 3502

dalecine@gmail.com / 154 178 2080

DALE CINE PRESENTA

Pasiones y desgarros de un manchego: El cine de Pedro Almodóvar

Curso coordinado por Sergio Zadunaisky

El cine de Pedro Almodóvar, dotado de una vibrante comunicación lúdica y expresiva, va directo al espectador. Barroco y sensual, narra un universo de emociones que alcanza la identificación del público. Sus películas han convertido, a la manera de Fellini o Hitchcock, el nombre Almodóvar en una marca registrada. El melodrama, la comedia disparatada, el “giallo”, el cine negro, la tauromaquia, los amores desgarrados y las pasiones más intensas, son solo algunos de los muchos elementos que configuran la filmografía de un director ecléctico, siempre magnético y atrapante. Antonio Banderas, Carmen Maura, Chus Lampreave, Penélope Cruz, Javier Bardem, Verónica Forqué, son solo algunos de los nombres de esa gran familia que el manchego supo aglutinar con el tiempo. Douglas Sirk, Rainer W. Fassbinder, Andy Warhol, Fritz Lang, Mondrian, John Cassavetes, Luis Buñuel y Brian de Palma, entre otros, las luces que guían su camino.

Dale Cine se complace en invitarte a repasar una de las carreras más intensas del mundo del cine, analizando lo mejor del cine de Pedro Almodóvar. El curso se dictará los martes de19 a21 en Crack-Up, Costa Rica 4767, Palermo. Te esperamos.

Pedro Almodóvar: “‘La piel que habito’ es muy diferenciable del resto de mi cinematografía”

Dinámica de trabajo:

Duración

Cuatro clases de dos horas, frecuencia semanal

Costo

-Por el módulo completo (se abona en la primera clase): 200 pesos.

-Costo por clases separadas: 50 pesos cada una.

Lugar

Librería – Café Crackup, Costa Rica 4767, Palermo.

Fecha de inicio

Martes 3 de enero de19 a21

Se sugiere ver antes de cada clase las películas seleccionadas.

Informes e inscripción:

libros@crackup.com.ar / 4831 3502

dalecine@gmail.com / 154 178 2080

Programa del curso:

Clase 1

“¿Qué he hecho yo para merecer esto?” (1984)

“La apariencia de mis películas es muy equívoca y en particular en ésta, donde no cuento una historia de amor, sino el horror y las injusticias en las que vive una mujer.. Cuando Carmen (Maura) vio la película me dijo: “¡Qué cruel es el espectador! ¿Cómo puede reírse de todas las desgracias que rodean al personaje? Convierte al personaje en una doble víctima, porque tiene una vida difícil y además la reacción del espectador la convierte en una víctima mayor”.  Lo que cuenta es una historia muy patética, en efecto, pero hay mucho humor en la película y a mí personalmente no me molesta que el espectador se ría cuando la ve”. (Pedro Almodóvar sobre “¿Qué he hecho yo para merecer esto”).

“Matador” (1985)

 Con Matador, el director manchego inicia un cine que busca grandes historias de amor y un romanticismo desaforado, alejándose de la frivolidad de sus primeros filmes. Almodóvar regresa a los grandes sentimientos y ancla su cine en las emociones, rozando, en ocasiones, el más absoluto de los ridículos pero saliendo generalmente airoso del trance.

Entrevistador: Matador, realizada en 1986, casi dos años después de “¿Qué he hecho yo para merecer esto?”, es para mí la película más rara de su carrera, la que menos se parece a las demás. Es su única película en la que, a mi juicio, la temática – la muerte, la fascinación por la muerte y el destino – es más importante que la historia relatada, que no hace sino ilustrar la temática muy fuerte de por sí.

Almodóvar: Sí. Yo estoy de acuerdo con que es la más rara de mis películas. Es una película también absolutamente mía en cuanto a lo que quiero contar. Entiendo también que el tema es más importante que la historia (…) Matador es la película más abstracta que he hecho a pesar de que hable de un tema muy concreto como el placer sexual y la muerte. De todas mis películas es la más lejana del naturalismo o de la realidad objetiva.

(Fragmento de una entrevista del libro “Pedro Almodóvar, un cine visceral”, de Frédéric Strauss -Ediciones El País/Aguilar, 1994

Clase 2

“Mujeres al borde de un ataque de nervios” (1987)

Después de varios años, Iván y Pepa, una pareja de actores de doblaje, deshace su relación, sin que él sepa que ella está embarazada. Mientras espera en vano noticias de Iván, Pepa intenta habituarse a su nueva situación. Su vida se complica aún más cuando llega a su nueva casa su amiga Candela, que huye de la policía porque ésta ha detenido a su novio, un terrorista chiíta y teme que la involucren a ella en el asunto.

Pepa decide conocer a la actual amante de Iván, con lo que sus “nervios” van en aumento. Por si fuera poco, en su vida entra también por casualidad, Carlos, el hijo de su novio, que acude con la retrógrada novia, a ver el piso para alquilarlo. Todos se concentran en la casa, y el cruce de personajes da lugar a toda clase de situaciones divertidas.

Mujeres al borde… es la película más exitosa de Almodóvar, pronta a convertirse en obra musical en Broadway.

“Átame” (1989)

“En “Mujeres al borde…” hablo de la ausencia del hombre y del dolor que produce, y en “Átame!” hablo de la presencia del hombre y del dolor que produce una presencia que uno no ha elegido, lo cual equivale a hablar del matrimonio, en el sentido de la convivencia de dos personas en la misma casa. Me identifico totalmente con esta historia. (…) Comprendo muy bien el principal problema de Ricky: la dificultad que tiene el amante para demostrarle a la otra persona que la quiere, la incertidumbre que tiene sobre si la otra persona sabe cuáles son sus sentimientos, una incertidumbre que siempre hay en el amor.“ (Almodóvar sobre su película).

Clase 3

“La flor de mi secreto” (1995)

Leo Macías es una escritora de novela rosa, que disfruta del éxito bajo el protector pseudónimo de Amanda Gris. Sin embargo, se encuentra en una profunda crisis personal. Su marido es un militar destinado a Bosnia, cuya ausencia ha dejado en suspenso los profundos problemas que atraviesa el matrimonio.

La Flor de Mi Secreto es una película melancólica, algo oscura y profundamente auto-reflexiva, que marca el punto exacto en que Almodóvar cambia su registro narrativo, dejando tal vez de lado la provocación y le irreverencia para volcarse a un cine mucho más adulto y “maduro.”

“Hable con ella” (2002)

“Aún carezco de la distancia necesaria para observar mi cine en perspectiva. Cada título es independiente y corresponde a una época distinta. En todo caso, si tuviera que fijar una relación, la establecería entre Hable con ella y Matador, pues en ambas se aborda el universo taurino…

Además de la tauromaquia, Matador y Hable con ella coinciden en otro ingrediente: los lazos que unen el sexo y la muerte. Cuando volví de Los Ángeles, ya tenía muchos apuntes sobre la historia de Hable con ella. Entre ellos, destacaban dos ideas: la de un hombre a quien se le escapan las lágrimas porque acaba de darse de bruces con un momento de extraordinaria belleza –en determinados casos, ésta puede tener algo de horroroso–; y la de una mujer que despierta después de muchos años en estado vegetativo…”

(Almodóvar sobre su película).

Clase 4

“Volver” (2006)

“No imaginaba que había tanta expectación por nuestro reencuentro. Me sorprende la cantidad de gente que me ha dicho lo contentos que estaban porque Carmen y yo volviéramos a trabajar juntos! Dice una canción de Chavela: “uno vuelve siempre a los viejos sitios donde amó la vida”. Esto se puede aplicar también a las personas.
Siempre existe la incertidumbre, pero afortunadamente la de Carmen se despejó en los primeros trabajos de mesa.

En el guión de “Volver” hay una larga secuencia, casi un monólogo, porque sólo habla el personaje de Carmen, la abuela fantasma. En dicha secuencia Carmen explica a su hija del alma, Penélope Cruz, las razones de su muerte y las de su vuelta, a lo largo de seis intensas páginas y seis no menos intensos planos. Esta secuencia es una de las razones por las que yo quería rodar la película. He llorado todas y cada una de las veces que he corregido el texto (como el personaje que interpretaba Kathleen Turner en “Tras la esmeralda perdida”, una ridícula escritora de novelas rosa, muy kitch, que lloraba mientras escribía).
La noche que la rodábamos todo el equipo era consciente de su importancia. Había mucha expectación. Esto ponía un poco nerviosa a Carmen que quería abordarla cuanto antes.
Desde “Mujeres…” hasta el “monólogo de Volver” Carmen no ha cambiado como actriz, y descubrirlo ha sido maravilloso.”

(Almodóvar sobre su película).
“La piel que habito” (2011)

Pedro Almodóvar define su último filme como una historia de venganza: «Hay procesos irreversibles, caminos sin retorno (…) “La piel que habito” cuenta la historia de uno de esos procesos. La heroína emprende involuntariamente uno de esos caminos, es obligada de una manera brutal a un viaje del cual no puede volver. Su historia kafkiana es una condena dictada por un jurado compuesto de una sola persona: su peor enemigo. El veredicto, en consecuencia, no es otro que una forma de venganza extrema». Y en esa historia de venganza, el de Calzada de Calatrava no esconde sus influencias. Luis Buñuel, Alfred Hitchcock, el expresionismo de Fritz Lang, la estéticapop del terror de la Hammer, o las derivaciones más kitsch del giallo italiano, el de Dario Argento, Mario Bava o Umberto Lenzi están entre las referencias citadas por Almodóvar, a las que hay que sumar la más evidente: «El lirismo de Georges Franju en “Ojos sin rostro” también me ha servido de inspiración».

DALE CINE PRESENTA

Grupos de estudio de Dale Cine

“Terrence Malick, un cine poético y sensorial”

Coordinado por Sergio Zadunaisky

 ”Pero, sin duda, Malick es el más intelectual de los realizadores norteamericanos de su generación, siendo también el más sensual y el más sensible al cosmos, como lo prueba la atención que le presta a la fauna y la flora, al agua y al fuego, tan ampliamente evocados en su cine. (…) En sus películas, la belleza de las composiciones plásticas, los comentarios en off, la actuación contenida de los actores, crean una distancia frente a la dureza y la aspereza de las situaciones. Hay en Malick una atención especial a la luz como signo metafísico, que hace de él uno de los grandes románticos del cine. Imaginamos que, en los considerables lapsus de tiempo que separan cada una de sus películas, él se dedica a los viajes y a la meditación, siempre insatisfecho y en busca de la quintaesencia de su arte y de su pensamiento.” (Michel Ciment)

NUESTRA PROPUESTA

El cuerpo humano es algo esencialmente distinto a un organismo animal. (Martin Heidegger)

Dale Cine te invita a conocer la obra de Terrence Malick, uno de los realizadores más elogiados y menos conocidos de la historia. Autor de una obra escasa en números pero valiosa e imperecedera, Malick estudió la carrera de cine, pero además filosofía (Martin Heideger es uno de sus filósofos de cabecera) y realizó trabajos como columnista de Newsweek, The New Yorker y Life.

Como dice Hwanhee Lee en la página Sensesofcinema, Terrence Malick es un director americano cuyas películas se pueden caracterizar como reevaluaciones radicales de la comprensión actual de los conceptos cinematográficos como la imagen, el sonido, el carácter y la narrativa. Sus películas son intensamente visuales, abundan en imágenes de la naturaleza y eluden la explicación, en el sentido de la reducción de un fenómeno dado (por ejemplo, el comportamiento de un personaje) a diversas causas (psicológicas, sociológicas) a favor de la expresión de estados de ánimo. 

MODALIDAD

Ilustración con proyección de fragmentos de películas en pantalla grande.

Duración: 4 clases de dos horas, frecuencia semanal

Costo: $ 210.- (Se abona el primer día del curso en forma completa)

Lugar: barrio de Belgrano

Fecha de inicio:        Miércoles 12 de octubre de20 a 22

Informes e inscripción:

Cel: 154 178 2080 / Mail: dalecine@gmail.com

Facebook: https://www.facebook.com/people/Dale-Cine/1565823603

Programa del curso:

Clase 1

Malas tierras (Badlands, 1973)

Malick narra una historia que transcurre en Dakota del Sur en el año 1959. El joven Kit Carruthers decide dejar atrás su vida mediocre cuando conoce a Holly. Deseando triunfar por todos los medios, mata accidentalmente al padre de ella, desencadenando a partir de ese momento una serie de trágicos sucesos. 

Notable debut de un director que, luego de su segunda película, la muy interesante Dias de gloria, desapareció de escena por dos décadas, en este caso un relato ambientado en los años 50 en la América rural, siguiendo a una pareja de jóvenes devenidos en gánsters y asesinos. El excelente y poco convencional uso del relato en off, el gran trabajo de iluminación de Tak Fujimoto, la brillante utilización de la música de la época y las notables interpretaciones de Martín Sheen y Sissi Spacek convierten a esta obra en uno de los grandes títulos de los años 70. (http://ciclodecine1001.blogspot.com/)

Días del cielo (Days of heaven, 1978)

Bill y Abby, una joven pareja, deciden abandonar la pobreza y la dura vida que llevan en el Chicago de 1916. Los dos, junto a Linda, la hermana de Bill, viajan hacia las grandes zonas de cultivo de cereales de Texas, donde encuentran trabajo como braceros en una granja. Al finalizar la cosecha, el joven y apuesto patrón, que cree que los tres son hermanos, les pide que se queden porque se ha enamorado de Abby…

Tras el prometedor inicio de su carrera con Badlands, Terrence Malick sorprendió a propios y extraños con su siguiente film Días del cielo, de 1978. Aquí, ahonda aún más en las claves de su cine. Ciertos elementos aparecen nuevamente y se configuran como las constantes que van a formar parte de su cortapero interesante fotografía (voces en off, planos bellísimos de la naturaleza, música cuidada, etc).

Clase 2

La delgada línea roja (The thin red line, 1998)

II Guerra Mundial, Isla de Guadalcanal, 1942. Un grupo de hombres de la compañía de fusileros del ejército “C de Charlie” combate contra el ejército japonés por la conquista de una estratégica colina. Este grupo forma parte de las tropas enviadas para relevar a las unidades de infantería de marina agotadas por el combate. (FILMAFFINITY)

“Una obra maestra del cine bélico, o antibélico” (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC) 

“Prodigiosa película a la que el tiempo le dará su justo lugar: la convertirá en ineludible clásico” (Omar Khan: Diario El País) 

Clase 3

El nuevo mundo (The new world, 2005)

Ambientada en la América colonial, a principios de siglo XVII, “El nuevo mundo” es una aventura épica sobre el encuentro de las culturas europea y nativa americana durante la creación de la colonia Jamestown en 1607. Inspirada en la leyenda de John Smith y Pocahontas, historia de dos personajes fuertes, una apasionada mujer nativa de alto linaje y un ambicioso buscador de fortuna que se encuentran divididos entre las exigencias de sus deberes cívicos y las de su corazón. (FILMAFFINITY)

Clase 4

El árbol de la vida (The tree of life, 2011)

Años 50. El film narra la evolución de Jack, un niño que vive con su madre (Jessica Chastain), que encarna el amor y la bondad, mientras que su padre (Brad Pitt), que representa la severidad, es el encargado de enseñarle a enfrentarse a un mundo hostil. Sean Penn interpreta a Jack en la edad adulta. Por otro lado, se trata también la historia del Universo desde sus orígenes. (FILMAFFINITY)

“Incluso para los estándares de Malick, ‘The Tree of Life’ representa algo extraordinario. (…) su trabajo más simple y más desafiante, (…) El resultado es arte en el cine en su grado más puro.” (Justin Chang: Variety)

DALE CINE EN EL CÍRCULO CULTURAL LATINOAMERICANA

CICLO DE CINE –DEBATE

Coordinado por Sergio Zadunaisky

Octubre: “Hasta donde el cine nos lleve”- Ciclo de road movies

El Centro Cultural Latinoamericana y Dale Cine tienen el agrado de invitarte a su espacio de cine debate en Belgrano. En octubre te invitamos a ver y a debatir algunas de las mejores road movies de la historia, con películas de Wim Wenders, Terrence Malick, Abbas Kiarostami, Kelly Reichardt y Jim Jarmusch.

Todos los sábados de octubre a las 17.30

Capacidad limitada.

Entrada: 40 pesos (con un refrigerio incluido).

Sólo con reserva previa a

centroculturallatinoamericana@gmail.com /4702-0724

dalecine@gmail.com / 154 178 2080

http://cclatinoamericana.blogspot.com/

http://dalecine.blogargentina.com/

Dejar mensaje con nombre, teléfono y número de inscriptos.

PRESENTACIÓN DEL CICLO

“¿Cuál es el origen de las road movies (literalmente, películas de ruta)? Hace un año, entrevisté a Wim Wenders sobre el tema para un documental referido a En el camino, Jack Kerouac y el legado de la generación Beat.

Para mí, los primeros directores de documentales, fueron los padres fundadores de esta forma narrativa. Jorge Luis Borges dijo alguna vez que lo que le interesaba de la literatura era nombrar lo que todavía no había sido nombrado. Eso es exactamente lo que hicieron los pioneros del documental. Ellos tuvieron sus propios predecesores: los pintores y los fotógrafos que, antes del nacimiento del cine, viajaban a latitudes remotas y registraban lo que hasta ese momento era desconocido para los foráneos. En términos de narración, la Odisea me parecía la base de todo, la fuente a partir de la cual parecían surgir todas las películas de ruta, incluida “Paris, Texas” de Wenders.

Wenders no lo veía de esa manera. Para él, el origen estaba más atrás todavía en la historia, en nuestras raíces nómadas, en la necesidad primordial de la humanidad de dejar un relato de su paso por la tierra. Si aceptamos esta visión, las pinturas en las cuevas de Lascaux y Altamira son los primeros relatos auténticos de la vida en movimiento. Las primeras “narraciones de ruta”, por así decirlo.

En el cine, las primeras road movies se centraron en el descubrimiento de nuevas tierras o en la expansión de fronteras, como en los Westerns de Norteamérica. En las décadas siguientes, sobre todo, las road movies también intentaron realizar una tarea distinta: mostrar las identidades nacionales en transformación. La película de 1945 de Edgar G. Ulmer “Detour”, un film noir temprano sobre un pianista neoyorquino que recorre un camino oscuro hacia Hollywood, era un relato de un país aquejado por el individualismo y la codicia. La película que definió las road movies para el público actual, “Busco mi destino” de Dennis Hopper, trataba del fin de la inocencia y la implosión del Sueño Americano durante los años de Vietnam.

Películas como éstas indican que las road movies más interesantes son aquellas donde la crisis de identidad del protagonista refleja la crisis de identidad de la cultura propiamente dicha. (…) las road movies contrastan fuertemente con los filmes convencionales actuales, donde se crean acciones nuevas cada tres minutos para mantener la atención del espectador. En las road movies, un momento de silencio es generalmente más importante que cualquier acción dramática.

Asimismo, una road movie debe ir transformándose a través de los encuentros que se producen en los márgenes del camino. La improvisación se vuelve necesaria y natural. Después de haber realizado diferentes road movies, también me di cuenta de que un buen guión garantiza más libertad para improvisar que uno flojo. Es como el jazz: cuanto mejor es la melodía, más fácil es alejarse de ella porque también será más fácil volver después.

(…) En un mundo globalizado donde ya no hay un “lejos” y en el cual la distancia desapareció, ¿las road movies tienen todavía una razón para existir?

A veces, cuando me siento especialmente melancólico, pienso que la respuesta es no. Pero cada vez que enciendo la TV y veo un reality show, cambio de opinión. Los reality shows le ofrecen al público la ilusión de que puede vivir ciertas experiencias, pero sólo por delegación. Lo que se vende es la impresión de que ya todo fue vivido y que no queda nada nuevo por experimentar.

Las road movies desafían directamente a esta cultura de la conformidad. Tienen que ver, por sobre todo, con experimentar. Tienen que ver con el viaje. Tienen que ver con lo que podemos aprender unos de otros, de aquellos que son diferentes. En un mundo que cuestiona cada vez más estos ideales, no podemos desdeñar la importancia de las road movies como una forma de resistencia.

Y por último, aunque no por eso menos importante: la era de la economía globalizada creó una forma distinta de movimiento, dictada por un nuevo tipo de migración: la económica. En distintas partes del mundo, la gente ahora viaja cada vez más porque lo necesita y no porque quiere. Es una prueba más de que las road movies son más necesarias que nunca para decirnos quiénes somos, de dónde venimos y adónde vamos”. (Texto de Walter Salles realizado para The New York Times y Clarín).

Salles es un director brasileño, realizador de entre otras, “Estación central”, “Diarios de motocicleta” y “On the road”, esta última, aun inédita se estrenará en EEUU a fines de 2011.

Link para leer el texto completo de Salles: http://edant.revistaenie.clarin.com/notas/2008/01/11/01582960.html

PROGRAMA

SÁBADO 1 DE OCTUBRE, 17.30

Alicia en las ciudades (Alice in den Städten, Wim Wenders, 1974)

El periodista alemán Felix Winter recorre los Estados Unidos buscando temas para escribir un libro, pero como ni siquiera consigue empezarlo, su editor cancela el contrato. Cuando Félix decide regresar a Alemania, en el aeropuerto conoce a una mujer, y como no hay vuelos hasta el día siguiente pasa la noche con ella. La mujer desaparece, pero le deja un recado: que vaya con su hija Alicia, de nueve años, a Amsterdam para reunirse con ella.

El protagonista de esta película está perdido en un mundo que le es completamente ajeno: hoteles, oficinas, salas de espera. Ajeno y a la vez familiar, porque es en esos lugares donde ha transcurrido buena parte de su vida. Pero no por ello son más familiares o acogedores. Hoteles baratos impersonales y claustrofóbicos con televisiones que eructan basura en forma de publicidad interrumpida brevemente para dar algo de programación propagandística. Vacío de sentimiento y compañía, al borde de la locura, arruinado y desmotivado, harto de un trabajo que no puede cumplir y de un país que no puede comprender. Harto de no tener nada que compartir con nadie. Personaje por tanto característico de los que inundarían la filmografía posterior de su director (la buena, se entiende), en los que el desarraigo familiar, la necesidad de contacto y comunicación van a ir dando paso, a causa de un encuentro con alguien especial (un hijo perdido, una humana sensible, un caradura con encanto, o una niña maravillosa según de qué película se trate) a un replanteamiento de prioridades y visión de la propia existencia.. (Miradas de cine)

SÁBADO 8 DE OCTUBRE, 17.30

Malas tierras (Badlands, Terrence Malick, 1973)

El director de la recientemente estrenada “El árbol de la vida”, narra una historia que transcurre en Dakota del Sur en el año 1959. El joven Kit Carruthers decide dejar atrás su vida mediocre cuando conoce a Holly. Deseando triunfar por todos los medios, mata accidentalmente al padre de ella, desencadenando a partir de ese momento una serie de trágicos sucesos. 

Notable debut de un director que, luego de su segunda película, la muy interesante Dias de gloria, desapareció de escena por dos décadas, en este caso un relato ambientado en los años 50 en la América rural, siguiendo a una pareja de jóvenes devenidos en gánsters y asesinos. El excelente y poco convencional uso del relato en off, el gran trabajo de iluminación de Tak Fujimoto, la brillante utilización de la música de la época y las notables interpretaciones de Martín Sheen y Sissi Spacek convierten a esta obra en uno de los grandes títulos de los años 70. (http://ciclodecine1001.blogspot.com/)

SÁBADO 15 DE OCTUBRE, 17.30

Ten (Abbas Kiarostami, 2002)

Vuelve Abbas Kiarostami a sus orígenes en este hermoso film, pero en esta ocasión no son los niños el centro de la historia, sino, y por primera vez en su filmografía, salvo el apunte mínimo que supone “A través de los Olivos”, la mujer. Su deseo de realizar una película cuya esencia fuesen las relaciones sociales de la mujer se concretó finalmente en estas 10 breves historias, presentadas como una cuenta atrás de los encuentros de una mujer divorciada con una serie de mujeres y con su propio hijo dentro de su coche mientras se desplazan por Teherán.

La cámara, fija en la parte delantera del coche, sólo nos muestra a las pasajeras, en un sencillo juego de planos y contraplanos en sus desplazamientos por Teherán, salvo la prostituta, cuyo rostro es omitido siempre. En algún momento, a lo lejos, surge la vorágine de la ciudad, o la imagen del padre que recoge a su hijo; allí el diálogo se establece a gritos entre la distancia de los coches cuyos trayectos llevan sentidos contrarios.

Este film confirma de nuevo la universalidad de las historias de Kiarostami a pesar de la hipotética especificidad del contexto en el que se inscribe el relato. Los personajes de sus filmes, y en concreto, la protagonista de Ten -, poseen una capacidad de impregnación innata, observada por el modo en el que se nutren de los encuentros, los lugares o los seres. Y ésta es siempre la apuesta que el director realiza por el espectador, a quien permite participar del conocimiento y la experiencia de sus protagonistas. (http://www.zinema.com/textos/elogiode.htm)

SÁBADO 22 DE OCTUBRE, 17.30

Old Joy (Kelly Reichardt, 2006)

Old Joy es una road movie, la sencilla historia de dos amigos, Kurt y Mark, que se reencuentran tras un largo tiempo sin verse y que se embarcan en un fin de semana de acampada en busca de un manantial de aguas termales escondido en los bosques verde esmeralda que cubren el estado de Oregón. Kurt, interpretado por Oldham, es un bohemio errante que aparece de repente en la ciudad para proponerle a Mark una aventura, un respiro. Porque Mark, que en cambio vive con su novia y tiene un teléfono, un empleo y una casa, se encuentra a las puertas de la paternidad y está asustado hasta los huesos por la responsabilidad y la inevitabilidad de ese cambio en su vida. Y en el transcurso de esa excursión, en ese puñado de horas que median entre el sábado y el domingo, recordarán lo que les unió, descubrirán cuánto se ha interpuesto entre ellos y constatarán el fin de una era, tanto en lo personal como en lo global (las viejas tiendas de vinilos cierran, los campos se llenan de basura).

A medida que Kurt y Mark van dejando atrás el ruido urbano, la naturaleza toma el lugar de las fábricas, de los aparcamientos, de los cafés de carretera. Las imágenes dan paso después al detalle, al plano casi abstracto del agua que cae, de la niebla que abraza los troncos o la babosa que pasea trabajosa por el musgo. El sonido se convierte en herramienta fundamental para definir los espacios: La radio en la ciudad, los ruidos propios del bosque. Y en ese trayecto que recorremos junto con los personajes, nos desaceleramos nosotros también, nos sumergirnos en el ritmo arbóreo que es ajeno a las vicisitudes humanas, envueltos en la banda sonora compuesta por Yo La Tengo. (http://drzito.wordpress.com/2009/03/19/old-joy/)

SÁBADO 29 DE OCTUBRE, 17.30

Más extraño que el paraíso (Stranger than paradise, Jim Jarmusch, 1983)

En 1982, Jim Jarmusch dirige The New World (El nuevo mundo), un mediometraje de media hora en blanco y negro sobre una muchacha húngara que llega a Estados Unidos para comenzar una nueva vida y sobre los días que pasa con un primo poco sociable en su apartamento de Nueva York, antes de alojarse con su tía en Cleveland. Gracias a la aceptación que recibe el film y, sobre todo, gracias a la película virgen que le regalan Wim Wenders y Jean-Marie Straub, Jarmusch decide, dos años más tarde, retomar al equipo de su mediometraje y completar la realización de lo que hoy conocemos como Extraños en el paraíso, el segundo largometraje de su filmografía tras su debut con Permanent Vacation (1980). La continuación incorporada a El nuevo mundo, consistió en dos capítulos de similar duración titulados Un año más tarde y El paraíso, en los que recuperamos la acción, algún tiempo después, cuando Eva recibe en Cleveland la inesperada visita de su primo Willie y de su amigo Eddie, y los tres abandonan luego la nevada región para viajar a las playas de Florida.

Extraños en el paraíso obtuvo inmediatamente un enorme éxito de crítica; fue premiada con la prestigiosa Camera d’Or del Festival de Cannes y reconocida desde entonces como una de los obras insignia del denominado cine independiente norteamericano. Vista hoy, la película de Jarmusch no ha perdido un ápice de su frescura ni del subversivo espíritu juvenil con que fue concebida, y su propuesta estética sigue siendo considerada una de las más audaces del cine contemporáneo. (http://www.miradas.net/0204/cults/2004/0408_strangerparadise.html)

GRUPO DE ESTUDIO DE DALE CINE

“SUEÑOS Y PESADILLAS DE AKIRA KUROSAWA”

Coordinado por Sergio Zadunaisky

Comenzamos el miércoles 14 de septiembre, de 20 a 22, en Belgrano.

Se recomienda ver las películas seleccionadas antes de cada clase.

Informes e inscripción: dalecine@gmail.com / 154 178 2080

Conocido como “El emperador del cine”, Akira Kurosawa nació en 1910 y fue el menor de los siete hijos de un oficial descendiente de samurais y de una mujer perteneciente a una familia de comerciantes en Omori, Tokio. Estudió bellas artes, pero el temor de no ser un buen pintor y su interés por el cine lo llevaron en 1936 atrabajar en los estudios cinematográficos Toho en Tokio, primero como ayudante del director Kairo Yamamoto y luego como guionista de distintos realizadores.

Debutó como director durante la Segunda Guerra Mundial con La leyenda del gran judo (1943) y La nueva leyenda del gran judo (Zoku sugata sanshiro, 1945), historias llenas de espíritu nacionalista. En la segunda mitad de la década de los cuarenta realizó siete películas, entre estas destacan: No añoro mi juventud (Waga seishum ni kuinashi, 1946) y Un domingo maravilloso (Subarashiki nichiyobi, 1947), sólidos dramas, pero sobresale El Ángel ebrio (Yoidore tenshi, 1948), la trama enfrenta a un médico alcohólico y a un gángster tuberculoso y fue la primera de su larga serie de colaboraciones con el famoso actor Toshiro Mifune, y además rodó El perro rabioso (Nora inu, 1949), un triller policiaco donde ofreció una visión neorrealista del Tokio de la postguerra.

Se dio a conocer internacionalmente con Rashomon (1950), cinta que trata sobre distintos puntos de vista acerca de una violación ocurrida en el siglo XI, y por la que resultó ganador del León de Oro de la Muestra de Venecia y del Oscar a la mejor producción extranjera en 1951. El éxito obtenido con Rashomon, le permitió rodar con total libertad: El idiota (Hakuchi, 1951), adaptación del clásico de Fiodor Dostoievski; Vivir (Ikiru, 1952) sobre la vida de un funcionario con cáncer; Los siete samuráis (Shishinin no Samura, 1954), historia de época con la cual gana nuevamente el León de Oro de la Muestra de Venecia; Los bajos fondos (Donzoko, 1954), versión de la obra homónima de Máximo Gorki; El trono de sangre (Kumonosu-jo, 1957), adaptación de Macbeth, de William Shakespeare; La fortaleza escondida(Kakushi toride no san Akunin, 1958) historia de época; El mercenario (Yojimbo, 1961), relato de samuráis, y El infierno del odio (Tengoku to jigoku, 1963), adaptación de una novela policiaca del especialista norteamericano Ed McBain.

Tras el fracaso comercial de Bondad humana (Aka Hige, 1965), producción histórica sobre la vida de un médico, tardó cinco años en filmar El camino de la vida (Dodes ka-den, 1970), su primer trabajo en color, que consiste en una dura parábola sobre la otra cara del desarrollo económico. A pesar de que se trató de una gran cinta, el fracaso comercial propició que el famoso realizador no encontrara productores para sus siguientes proyectos, asunto que lo sumergió en una profunda depresión y lo llevó a un intento de suicidio. Cinco años después gracias al apoyo de la entonces Unión Soviética consiguió financiamiento para rodar Dersu Uzala, y llevar así a la pantalla las memorias del explorador Vladimir Arseniev.

Dersu Uzala, fue un éxito inesperado, una película reconocida entre sus mejores trabajos y con la cual ganó el gran premio del Festival de Moscú y el Oscar a la mejor película extranjera en 1975.

En 1980 recibió el Oscar por su trayectoria y filmó Kagemusha, con la ayuda de George Lucas y Francis Ford Coppola, recibiendo por esta cinta la Palma de Oro del Festival de Cannes. En 1984 filma Ran, nuevamente una adaptación de Shakespeare, al realizar la versión cinematográfica de El rey Lear. En 1990 comienza el rodaje de Los sueños de Akira Kurosawa, con la producción de George Lucas y Steven Spielberg.

Sus dos últimos trabajos fueron Rapsodia en agosto (1991) y Madayayo (1993) cintas que a su muerte, ocurrida el 6 de septiembre de 1998, mientras dormía, aún no habían sido proyectadas.

PROGRAMA DEL CURSO

CLASE 1

EL ANGEL EBRIO (1948)

Primera colaboración del actor Toshiro Mifune con el maestro Kurosawa, en un drama que narra la relación, tras el final de la Segunda Guerra Mundial, entre un gángster de la mafia japonesa -yakuza-, enfermo de tuberculosis, y el médico alcohólico que le atiende.

RASHOMON (1950)

Japón, siglo XII. Bajo las puertas del derruído templo de Rashomon, en la antigua Kioto, se guarecen de la torrencial lluvia un leñador, un sacerdote budista y un peregrino. Los tres discuten sobre el juicio a un bandido, acusado de haber dado muerte a un señor feudal y de violar a su esposa. Los incidentes son narrados desde el punto de vista del ladrón, la mujer, el asesinado -con la ayuda de un médium- y del leñador, único testigo de los hechos. 

“Mítica cinta que contribuyó decisivamente a la apertura internacional del cine japonés. Con su innata habilidad narrativa y su magia cinematográfica, el mítico cineasta viaja al Japón del siglo XII para realizar una pesimista radiografía de la condición humana” (Fernando Morales: Diario El País) 

CLASE 2

VIVIR (1952)

Kanji Watanabe es un veterano funcionario de la administración que arrastra una vida monótona y gris; pero no es consciente del vacío de su existencia hasta que se entera de que tiene un cáncer incurable. Con la certeza de que el fin de sus días se acerca, surge en él la necesidad de buscar un sentido a la vida. Y cuando lo consigue se produce un cambio radical en su actitud respecto a los demás.

“Profunda reflexión sobre la vida y la muerte (…) Excelente trabajo de su intérprete principal para uno de los grandes clásicos del cine japonés de todos los tiempos” (Fernando Morales: Diario El País) 

BONDAD HUMANA (1965)

El joven doctor Yasuoto regresa a su lugar de origen después de estudiar en Nagasaki. A su llegada sufre una fuerte desilusión: él pretendía ser médico del shogunat, pero en vez de eso lo asignan a una clínica de pocos recursos que dirige un doctor apodado Barbarroja. 

CLASE 3

SANJURO, EL SAMURAI (1962)

En el Japón de la era Tokugawa, un grupo de nueve jóvenes samuráis están decididos a acabar con la corrupción que reina en la ciudad y a matar a todos los que están relacionados con ella. Consiguen el apoyo del inspector de policía Kikui y se preparan para llevar a cabo un plan. Poco después, aparece un personaje salido de la sombra, Sanjuro, que empezará a actuar y a poner orden.

LOS SIETE SAMURAIS (1954)

Impresionante película del maestro Kurosawa cuyo argumento generó posteriores westerns, entre ellos “Los Siete Magníficos”. Apabullante dirección y puesta en escena, toda una joya del cine mundial. 

“Película monumental, cima del genio del maestro Kurosawa, de sublime belleza plástica e inimitable potencia narrativa” (Miguel Ángel Palomo: Diario El País) 

CLASE 4

YOJIMBO (1961)

En el siglo XIX, en un Japón todavía feudal, un samurái llega a un poblado, donde dos bandas rivales de mercenarios, luchan entre sí por el control del territorio. Muy pronto el recién llegado da muestras de ser un guerrero invencible, y los jefes de las dos bandas intentan contratar sus servicios.

“Obra de arte, una más en la extensa y asombrosa carrera del maestro Kurosawa (…) puesta en escena de arrolladora imaginación, de inagotable belleza plástica, al tiempo que de insólita potencia dramática, elegante, desgarrada, que retrata unos personajes apasionantes abocados a la destrucción” (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

DERSU UZALA (1975)

El capitán Vladimir Arseniev y su destacamento tienen que realizar unas prospecciones geológicas en los bosques de la taiga siberiana. La inmensidad del territorio y la dureza del clima hacen que el capitán se extravíe. Condenado a vagar por una tierra salvaje, Vladimir conoce a Dersu Uzala, un cazador nómada que conoce el territorio como la palma de su mano y sabe cómo afrontar las inclemencias del tiempo. Dersu enseñará a Vladimir a respetar la naturaleza y a convivir en plena armonía con ella, una lección que difícilmente olvidará el resto de su vida. 

“Hermosa historia de amistad entre seres puros. Preciosa” (Carlos Boyero: Diario El Mundo) 

“Un espléndido filme, dirigido con mano maestra (…) Impresionante” (Fernando Morales: Diario El País)

GRUPO DE ANÁLISIS DE ESTRENOS

ANÁLISIS DE ESTRENOS DE CINE EN BELGRANO

Encuentros coordinados por Sergio Zadunaisky

Encuentros semanales de análisis de estrenos cinematográficos en Belgrano. Si deseás obtener información acerca de las películas y los temas a tratar en cada encuentro, escribinos a dalecine@gmail.com o llamanos al 15 4178 2080.

Nos encontramos los sábados a las 16. El valor de la entrada es de 50 pesos e incluye un refrigerio. Ambiente climatizado.

Se requiere la puntualidad de los asistentes. Es necesario reservar sitio antes de asistir. La dirección donde se desarrollará la actividad sólo será dada a las personas interesadas. El cupo de personas por reunión es limitado.

El público que asiste a nuestras reuniones se encuentra integrado por personas que gustan de ver buen cine y aprecian encontrarse con otros para reflexionar y discutir acerca de lo visto. Nuestra experiencia con este tipo de actividades (cursos, cine-debates, charlas) que llevan más de 15 años, nos demuestran que en estos encuentros el compartir puntos de vista y enfoques diferentes amplía la mirada, resignificándola. Nuestra intención es abrir nuevos espacios de reflexión y análisis.

Para participar no es necesario poseer conocimientos previos sobre técnica y lenguaje cinematográfico.

Informes e inscripción;

dalecine@gmail.com

154 178 2080

“Woody Allen: Apuntes para la comprensión de un neoyorkino neurótico”

Curso dictado por Sergio Zadunaisky

DESDE EL LUNES 5 DE SEPTIEMBRE

WOODY ALLEN nació en el barrio del Bronx, en la ciudad de Nueva York, el 1 de diciembre de 1935. Tras ser rechazado por las universidades de Nueva York y el City College inició una carrera como escritor para humoristas de televisión hasta que, animado por sus amigos, productores y, entonces agentes, Jack Rollins y Charles H. Joffe, comenzó a escribir para él mismo, convirtiéndose en un humorista renombrado. En 1964 escribió su primer guión para el cine, ¿Qué hay de nuevo, Pussycat? En 1969 escribió y protagonizó su primera película como director, Robó, huyó y lo pescaron.

Desde que en 1977 consiguiera el Oscar a la mejor película por Annie Hall realiza prácticamente una película al año y, a veces, incluso más de una, lo que, junto a la calidad de sus obras le ha convertido en un fenómeno cinematográfico único en el mundo durante las tres últimas décadas. Sus películas, atravesadas por múltiples referencias a la filosofía y al psicoanálisis, incluyenen ecos del cine de Búster Keaton, los hermanos Marx, Ingmar Bergman, Federico Fellini, y de escritores como Fedor Dostoievsky y Antón Chejov. Su ecléctica carrera como director abarca historias cómicas (El dormilón, Bananas), falsos documentales (Zelig), musicales (Todos dicen te quiero), obras de cámara (Interiores),  thrillers (Misterioso asesinato en Manhattan) y ensayos sobre la condición humana como Crímenes y pecados y Match Point.

Perfil Sergio Zadunaisky

Tiene actualmente 41 años. Egresó como realizador dela Escuelade Cine de Avellaneda en 1993 y se dedica a desarrollar actividades relacionadas con el cine desde 1995. Entre ellas podemos mencionar los cursos “Qué es el cine” (lenguaje, historia y estética del cine), “Grandes directores de la historia” (análisis estético-temático de la obra de realizadores como David Lynch, Alfred Hitchcock, Luis Buñuel, John Cassavetes, Pedro Almodóvar, Tim Burton, Werner Herzog, Federico Fellini, entre otros), “Vanguardias del cine”, “El cine negro”, “Las ciudades en el cine”, “El melodrama y sus películas”. También encuentros de análisis de estrenos y cine – debate. Coordina y programa ciclos de proyecciones para adultos y para niños y hace ciclos de cine argentino para extranjeros.

Algunos de los lugares en los que ha trabajado: Centro Cultural Konex, Centro Cultural Borges, Hospital de Niños, Universidad de Buenos Aires, Universidad Maimónides, Espacio Y, librerías Crack-up, Eterna Cadencia y Espacio Prometeo. Venática Usina Creativa, Fundación de Musicoterapia Profesor Dr. Rolando Benenzon, Espacio Björk yla Fundación Agullay Baccetti. También desarrolla actividades para grupos particulares.

Escribió crítica de cine en varias publicaciones, entre ellas la revista “Leer Cine” y el sitio web “Cineismo”. En su blog, www.dalecine.blogargentina.com difunde sus actividades

Dinámica del curso

En este curso de cuatro clases analizaremos sus diferentes etapas como realizador, deteniéndonos en los aspectos formales y temáticos más relevantes de sus mejores filmes. Se analizarán por encuentro dos películas y se verán fragmentos de obras de directores relacionados. El cronograma es el siguiente:

Programa

Clase 1

Los comienzos, las comedias puras y el homenaje al cine mudo. “Robó, huyó y lo pscaron”: El absurdo llevado al delirio. El guiño cómplice a Groucho Marx. “Annie Hall”: Una película “bisagra”.  New York, la ciudad amada por un cineasta urbano. La mezcla entre la vida privada y los personajes de ficción.

Análisis de:

-Robó, huyó y lo pescaron (1969)

-Annie Hall (1977)

Clase 2

“Interiores” y la influencia de Ingmar Bergman.  La ruptura de un “contrato implícito” con el público. La autocompasión como estilo de vida. “La rosa púrpura del Cairo” y la amarga diferencia entre “fantasía” y “realidad”.

Análisis de:

-Interiores ((1978)

-La rosa púrpura del Cairo (1985)

Clase 3

Dios; ¿estás ahí? Fellini y Chejov,  influencias de dos maestros.  “Hannah y sus hermanas”, un cine escrito como una novela. “Crímenes y pecados”. Los implacables ojos de Dios. El deseo y la culpa. La vida, ¿favorece a los justos?

Análisis de:

-Hannah y sus hermanas (1986)

-Crímenes y pecados (1989)

Clase 4

 “Que la cosa funcione”, una feliz vuelta a los orígenes. La búsqueda de la felicidad a pesar de la misantropía.”Conocerás al hombre de tus sueños”, la vejez inmadura. La ilusión como refugio protector de la realidad.

-Que la cosa funcione (2009)

-Conocerás al hombre de tus sueños (2010)

 Se recomienda a los participantes que vean las películas antes de cada uno de los encuentros, ya que de las mismas se verán solamente algunas escenas para su análisis.

Fecha de inicio

Lunes 05 de septiembre de 19 a21.

Lugar

Las cortaderas, Báez 444

Arancel

200 pesos, con una consumición incluida.

Informes e inscripción

154 178 2080 / dalecine@gmail.com