dale cine

Drive (Idem, EEUU, 2011)

Dirigida por Nicolas Wending Refn, con Ryan Gosling, Carey Mulligan, Albert Brooks, Ron Perlman.

Esta penumbra es lenta y no duele;
fluye por un manso declive
y se parece a la eternidad.
(Jorge L. Borges, “Elogio de la sombra”)

Un hombre sin nombre, parco y enigmático, recorre las calles de California manejando autos. Para tareas ilegales (trasladar a ladrones luego de que cometen un robo) o para realizar escenas de riesgo en películas de acción. Ése es su trabajo, además de reparar vehículos en un taller mecánico.

El hombre sin nombre lleva una campera con el dibujo de un escorpión. Es de pocas palabras. Y vive solo.

El neo-noir nos ha dado gemas como “Simplemente sangre” (Joel & Ethan Coen, 1984), “Perros de la calle” (Quentin Tarantino, 1992) o “La última seducción” (John Dahl, 1994). Nicolas Wending Refn suma una más con esta película. Ryan Gosling nos recuerda a ese otro personaje interpretado por un Ryan (O´Neal) en “The Driver” (Walter Hill, 1978). Seco, opaco. Una sombra solitaria. Este conductor de Refn, como el Delon de “El samurai” (Jean Pierre Melville, 1967), lleva la derrota escrita en su frente.

El cine negro nos muestra personajes que intentan salir de un pasado que los sentencia. Seres oscuros que buscan la luz en una sociedad de la cual han renegado en un momento de sus vidas. (“Mis manos están sucias”, le dice en un momento el personaje de Gosling al de Albert Brooks, a lo que éste contesta “las mías también”)  Esa salida la puede dar una nueva identidad, un amor, una familia. El protagonista de Drive conocerá a una chica que tiene un hijo y cuya pareja se encuentra en prisión. Es su oportunidad de redimirse. Pero este conductor, como el escorpión que lleva en su espalda, está condenado a ser fiel a su naturaleza.

La película de Refn construye sus sólidos cimientos apoyados en las interpretaciones de sus actores (Ryan Gosling, Carey Mulligan, Albert Brooks, Ron Perlman), su puesta en escena sobria, elegante y precisa y una banda de sonido envolvente. No hay mucho para contar de su trama, porque es más bien convencional y ya vista. Lo que el director danés hace, es realizarla de manera brillante, construyendo cada escena como una pieza de relojería.

Hay una imagen dentro de la película que condensa su espíritu: dos sombras proyectadas sobre el asfalto, agonizan. Y más allá de sus  escasas escenas de acción y sus contados estallidos de violencia, es ese pesar, ese dolor, el que fluye durante toda la película, el que marca su pulso.

DALE CINE PRESENTA

La carrera de Stanley Kubrick, exigua y proteica casi como ninguna otra en la historia del cine, ha estado marcada desde sus mismos comienzos por una autoexigencia, un rigor y un afán de controlar hasta los mínimos detalles de sus productos de todo punto inusuales. Sus films realizados en los últimos años sobre todo – 2001, La naranja mecánica, Barry Lyndon, El resplandor, Nacido para matar – han supuesto verdaderos acontecimentos, cuyas repercusiones han trascendido casi siempre lo meramente cinematográfico para incidir de lleno en lo social. Este curso propone un acercamiento la obra de un creador, a quien el mismísimo Orson Welles no dudó en calificar de gigante.

Dale cine te invita su curso sobre Kubrick. Clase presentación con entrada libre y gratuita el miércoles 14 de marzo a las 20 en Belgrano. Informes en dalecine@gmail.com

La invención de Hugo (EEUU, 2011)

Dirigida por Martin Scorsese. Con Assa Butterfield, Chloe Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Jude Law, Emily Mortimer.

AMOR INCONDICIONAL – Por Sergio Zadunaisky

Siempre he preferido el reflejo de la vida a la vida misma. Si he elegido los libros y el cine desde la edad de once o doce años, está claro que es porque prefiero ver la vida a través de los libros y del cine.

François Truffaut

‎”Restaurar las películas no basta, tenemos que lograr que se vean”.

Martin Scorsese.

Tal vez no haya persona más apasionada material y emocionalmente por el cine que Martin Scorsese. No hace falta ver La invención de Hugo Cabret para enterarse de esto. Scorsese preside hace años una fundación dedicada a la preservación y restauración del patrimonio fílmico. También ha realizado documentales sobre la historia del cine americano e italiano, rescatando a figuras que para él son valiosas y merecen ser recordadas y valoradas. Pasión y Scorsese son sinónimos. Y La invención de Hugo viene a confirmarlo.

Estamos en París. Hugo vive y trabaja de manera secreta en una estación de trenes. Allí mantiene en funcionamiento el gran reloj de la torre principal.  Huérfano, vive obsesionado por un autómata que su padre le dejó como único legado. El aparato está inacabado y Hugo necesita hacerlo funcionar. Es la única conexión tangible con su padre y tal vez éste le dejó un mensaje que debe descubrir. En su camino se cruzará con Isabelle, una niña (también huérfana) que vive con sus padrinos Georges y mamá Jeanne. La pequeña nunca vio una película en su vida, pero es devota de la literatura y concurre asiduamente a una biblioteca donde Monsieur Labisse le presta los libros.

Durante dos horas de metraje, que por momentos resultan algo fatigosas, el gran realizador americano quiere transmitir su devoto amor al cine y a aquellos que lo hicieron posible, los pioneros que lograron conectar el mundo de los sueños con el de la gran pantalla y la fantasía de los espectadores. Este fervoroso entusiasmo hace que Scorsese peque de solemnidad. Demasiado amor traducido en respeto, una pomposa, suntuosa elegía al cine. La historia habla de la ausencia y la búsqueda de una figura paterna, de los orígenes, del tener un propósito en la vida y del mágico mundo de los relatos, sean cinematográficos o literarios. Las intenciones son, sí, loables, no así la manera de emitirlas. Scorsese se coloca casi en el lugar de un niño que debe reverenciar a sus ancestros y desde este espacio no queda casi lugar para la emoción genuina, porque la vocación pedagógica lo convierte en un aburrido maestro de escuela. Hay más amor al cine en cualquier fotograma de Taxi Driver o de Buenos Muchachos que en esta película.

Sergio Zadunaisky

Esta maravillosa cantante australiana, que lideró junto a Brendan Perry el grupo “Dead Can Dance” durante muchos años, ha participado de numerosas bandas de sonido. Ya sea con temas compuestos previamente o con temas escritos especialmente para algunas de las películas. Ha trabajado con Hans Zimmer y con realizadores como Michael Mann y Ridley Scott.

Algunos de los títulos en los que intervino:

SAMSARA (2011)

THE FOG (2007)

ASHES AND SNOW (2005)

COLLATERAL (2004)

WHILE RIDER (2002)

BLACK HAWK DOWN (2001)

GLADIATOR (2000)

HEAT (1995)

Sergio Zadunaisky

Cecile Corbel aporta su voz en una de las más bellas bandas de sonido de los últimos años. Arriety y el mundo de los diminutos está producida por los estudios Ghibli de Japón y tiene guión del maestro Hayao Miyazaki (realiazdor de entre otras, “Mi vecino Totoro” y “Ponyo”(. Vale la pena verla, dejarse llevar por su historia, disfrutar los dibujos y la dirección de arte y enamorarse de su música. Otra pequeña gema de los estudios japoneses.

Aquí, una de sus canciones.

Los descendientes (EEUU, 2011)

Dirigida por Alexander Payne, con George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause, Judy Greer

DE CÓMO UNA MUJER AGÓNICA HACE RESUCITAR A UN HOMBRE

Una mujer moribunda se convierte en el motor de la acción de un hombre que hasta ese momento vivió alejado de su familia. Matt King se encuentra de la noche a la mañana con el mundo real cuando su mujer sufre un accidente y queda en coma, asistida por máquinas. Esperando que ella despierte, es él quién comenzará a despertar a una realidad que le deparará no pocas sorpresas.

Nos encontramos en Hawai, un accidente que nunca vemos se produce y Elizabeth queda “en suspenso”. Así comienza la película y durante todo el transcurso de la cinta, veremos como el personaje interpretado por George Clooney intenta reconstruir su vida y sus afectos junto a sus dos hijas. Alexander Payne, realizador de ,entre otras, “Election” (1999), “Las confesiones del Sr. Schmidt” (2002) y “Entre copas” (2004), propone un viaje emocional, cálido, sereno, agridulce y sin golpes bajos, de un abogado millonario que se ha ocupado más de su trabajo que de sus propias hijas y que encuentra sin quererlo, a partir de este hecho desgraciado, una oportunidad para rehacerse.

El guión no recurre al recurso del flashback y seremos nosotros junto a su protagonista, quienes nos vayamos enterando de algunas cosas sucedidas en el pasado y que necesitan  según él, revisarse y ser cerradas. La sala del hospital donde se encuentra la impávida Elizabeth se convierte en una suerte de confesionario, lugar por donde desfilarán la ira, el desengaño, la impotencia y la piedad. La disputa familiar con unos primos para resolver el futuro de unas tierras de la familia también entra en escena (maravilloso Beau Bridges como uno de los cuantiosos primos de Matt).

Volver a las raíces, respetar a los antepasados y cuidar de la familia. De eso habla Los descendientes, una película en la que su protagonista, a partir de un hecho trágico como el que le ocurre al Nicholson de “A propósito de Schmidt”, decide realizar un recorrido que implica el reencontrarse consigo mismo y los que lo rodean para poder seguir adelante.

Sergio Zadunaisky

ESPIANDO A HITCHCOCK” – DICTADO POR SERGIO ZADUNAISKY

“Nadie como él ha sido tan consciente de las posibilidades visuales del cine, de su poder hipnótico y de las posibilidades de manipulación del público que ofrecía. Tenido durante décadas por un técnico superdotado, por un simple mago del suspenso, un hábil fabricante de sensaciones fuertes, poco a poco se fue descubriendo que Hitchcock fue el más consumado estilista, el mayor creador de formas, de puro cine, de su tiempo, que es como decir de todos los tiempos, pues su obra abarca el mudo y el sonoro y hasta la televisión, Europa y Hollywood.(…) Hitchcock demostró que incumpliendo todas las reglas clásicas uno podía fabricar no sólo obras maestras sino además éxitos de taquilla, como cuando en Psicosis hace morir a la protagonista a mitad de la película.
Hitchcock era un complicado ser humano, lleno de frustraciones, complejos e inseguridades. Sus películas están por ello llenas de sueños, pesadillas, amenazas y culpabilidades. Sus obsesiones están siempre presentes. Es un cine de la paranoia, lleno de sadismo y de contenidos subliminales. Hitchcock es un gran pornógrafo latente y, junto con Buñuel, el gran surrealista y el gran humorista del cine.”
(Fernando Trueba. Cineasta español, director de, entre otras: “Belle Epoque”, “La niña de tus ojos” y “Chico y Rita”).

SOBRE ESTE CURSO
Tal vez Hitchcock sea el director más apropiado para aprender cómo mirar una película. Su creencia en el “cine puro”, lo que significa una utilización plenamente consciente y eficaz de todas las herramientas de las que el cine dispone para contar una historia, lo hace uno de los realizadores más conocidos por públicos de todas las épocas y geografías y uno de los más estudiados y citados, por críticos y cineastas (Robin Wood, Claude Chabrol, Eric Rohmer, François Truffaut, Martin Scorsese, Gus Van Sant, Brian de Palma, entre muchísimos otros)
En este curso tomamos para su análisis ocho películas de su etapa americana, seguramente la más interesante, por sus arriesgados desafíos técnicos y temáticos, cuyos logros convierten a muchas de sus películas en las más apreciadas obras maestras de la historia.

DINÁMICA DE TRABAJO

Duración
4 clases de dos horas, frecuencia semanal

Lugar
Espacio Dale cine, Echeverría y Cabildo, Belgrano. El lugar cuenta con aire acondicionado.

Fecha de inicio
Martes 7 de febrero de 20 a 22

Se sugiere ver antes de cada clase las películas seleccionadas.

Informes e inscripción:

dalecine@gmail.com / 154 178 2080

PROGRAMA DEL CURSO

MARTES 7
HITCHCOCK Y EL FILM NOIR
En esta clase analizaremos dos películas de Hitchcock atravesadas por los elementos del Cine Negro*.
* El término de film noir, del francés “cine negro”, fue acuñado por primera vez por el crítico Nino Frank (italiano de padres suizos que realizó su carrera profesional en Francia) y es usado por la crítica cinematográfica para describir un género de definición bastante imprecisa, cuya diferenciación de otros géneros como el cine de gángsters o el cine social es sólo parcial. Habitualmente, las películas caracterizadas como de cine negro giran en torno a hechos delictivos y criminales con un fuerte contenido expresivo y una característica estilización visual. Su construcción formal está cerca del expresionismo. Se emplea un lenguaje elíptico y metafórico donde se describe la escena caracterizada por una iluminación tenebrosa en claroscuro, escenas nocturnas con humedad en el ambiente y se juega con el uso de sombras para exaltar la psicología de los personajes (influencia expresionista).

La sombra de una duda (Shadow of a doubt, 1943)
Obra maestra de Hitch, en la que se explora el lado oscuro del ciudadano medio dentro de una familia típicamente americana.
A casa de sus familiares en el tranquilo pueblo de Santa Rosa llega un día el “encantador” tío Charlie (Joseph Cotten), un seductor criminal al que la justicia va pisando los talones. Sin embargo, su sobrina, “la pequeña Charlie”, que se llama como él y no sabe nada de sus actividades, no tardará en sospechar que su tío es el misterioso asesino de las viudas…

Extraños en un tren / Pacto siniestro (Strangers on a train, 1951)
Luego de mantener una charla casual en un vagón de tren con otro hombre, la vida de Guy ya no volverá a ser la misma. El crimen que su mente había idealizado se convierte en realidad, y lo peor es que todo indica que el culpable es él. El tema del doble se hace presente en un film en donde el villano, como en casi toda la filmografía de Hitchcock, se roba la película.

MARTES 14
LOS DESAFÍOS TÉCNICOS DE HITCHCOCK
Hitchcock se impuso en muchas de sus películas, desafíos técnicos que aplicaba en las puestas en escena de esos filmes. The rope, fue filmada con la sensación de ser hecha en un solo plano y Rear Window, con la cámara casi exclusivamente situada en un único punto de vista.

La soga / Festín diabólico (The rope, 1848)
La frase de Hitchcock “los mejores crímenes son domésticos”,se confirma en esta historia en donde un cadáver permanece en escena casi los 90 minutos de película. Un tour de force cinematográfico, filmado como si hubiese sido hecho en una sola toma.

La ventana indiscreta (Rear Windows, 1954)
El vouyeurismo en estado puro. James Stewart, obligado a quedarse en su departamento por un accidente de trabajo, no puede dejar de espiar la vida de sus vecinos, lo cual lo llevará a creer que uno de ellos mató a su esposa. Obra maestra.

MARTES 21
EL AMOR SEGÚN HITCHCOCK
Muchos filmes de Hitchcock son historias de amor y obsesión, revestidas de trhillers. Los dos títulos elegidos para esta clase se encuadran en esta categoría.

Tuyo es mi corazón / Encadenados (Notorius, 1946)
Ingrid Bergman y Cary Grant se sacan chispas en una película en donde el espionaje funciona como excusa para contar una gran historia de amor. La favorita, entre todas las de Hitchcock, de François Truffaut.

Vértigo (1958)
Oscuro y sombrío, este es uno de los films más personales del director inglés. Otra vez con James Stewart, aquí enamorado locamente de Madeleine, una mujer misteriosa y fantasmagórica. Su obsesión llegará a límites insospechados.

MARTES 28
HITCHCOCK ATERRORIZA A LAS MASAS

Las dos películas de Hitchcock que más terror infundieron en los espectadores, fueron sin dudas Psycho y The Birds, elegidas para cerrar este curso sobre el maestro inglés.

Psicosis (Psycho, 1960)
Norman Bates, el desquiciado psicópata interpretado de manera sobresaliente por Anthony Perkins, vive en un aislado motel en compañía de su madre, o de lo que queda de ella. Allí llegará la incauta Marion Crane (Janet Leigh) a tomar el último baño de su vida.
Psicosis es considerada una de las obras cumbres del género.

Los pájaros (The birds, 1963)
Apocalíptica, devastadora, esta obra de Hitchcock estremece aún hoy. Los pájaros del título atacan un poblado americano, horrorizando a sus moradores, que no encuentran una explicación racional al hecho.Tippi Hedren, como Melanie, sufre estoicamente los embates de las bestias aladas. El film más abstracto y por ello, más aterrador del maestro.

Un placer poder estar en radio hablando de cine y música, dos expresiones artísticas que amo.

Aquí el link para poder escuchar el programa completo.

http://trennocturno.wordpress.com/

DALE CINE PRESENTA

HISTORIAS DE LA MAFIA – LA TRILOGÍA DE “EL PADRINO”

Curso de cine en pantalla grande dictado por Sergio Zadunaisky

¿Quién apostaba a comienzos de la década del setenta que un director, para entonces menor, como Francis Ford Coppola, crearía una película considerada hoy una obra maestra absoluta del cine? La sabia combinación de las raíces del film Noir (el cine de gángsters) con el modelo de melodrama europeo, dieron como fruto uno de los filmes en los que tragedia, familia, poder y punzantes sentimientos de origen, en ocasiones contradictorios, se dan la mano con un tono operístico que hace pensar en películas como Rocco y sus hermanos (1960, Luchino Visconti). El inesperado éxito de público fue tan grande que a ésta casi inmediatamente le siguió una segunda parte (El Padrino II, 1974), considerada por muchos aun mejor que la primera. Hubo que esperar más de 15 años para que Coppola volviese a dirigir la tercera (El Padrino III, 1990) cerrando una trilogía en la que cada una de las partes tiene valor en sí misma, pero que entre sí conforman una de las sagas más brillantes de la historia del cine.

Dale Cine te invita a entrar en el mundo de El Padrino para conocer más a fondo su historia y sus personajes, el estilo y la estética de su director y las razones por las que hoy este trío de películas es considerado un incuestionable referente de las grandes obras artísticas del Siglo XX.

Fecha de inicio: Lunes 02 de enero

Dirección: barrio de Belgrano

Horario: 20 a 22

Duración: 4 clases

Costo: 210 pesos

Se recomienda ver las películas con antelación a cada clase, ya que solo se verán fragmentos a fin de realizar su análisis.

Informes e inscripción:

dalecine@gmail.com

154 178 2080